“No todo el mundo tiene que caer bien”: Stellan Skarsgård sobre el valor sentimental y el sufrimiento

      En mi última noche en el Festival Internacional de Cine de Morelia, la cena tuvo lugar en Lu, un restaurante especializado en la cocina de Michoacán. Entre rollos de jícama y una tostada San Pancho, la conversación abarcó desde Eddie Muller de TCM sobre Dorothy B. Hughes, el director Gregory Nava sobre la segunda guerra franco-mexicana, y Stellan Skarsgård reflexionando sobre las manifestaciones diarias que cerraban las vías de la ciudad.

      Skarsgård vino a Morelia para proyectar Sentimental Value, su primera colaboración con Joachim Trier. En ella interpreta a Gustav Borg, un director de cine distanciado desde hace tiempo de sus hijas Nora (Renate Reinsve) y Agnes (Inga lbsdotter Lilleaas). En un punto de su carrera en el que montar producciones se ha vuelto difícil, Gustav intenta involucrar a una renuente Nora en un guion profundamente personal que también ha atraído a Rachel Kemp (Elle Fanning), una estrella de Hollywood.

      Durante la comida, habló de la película en términos de sus relaciones con sus hijos, con los directores y con el arte en general. Más tarde, hablamos por Zoom sobre su proceso de actuación cuando la película se estrena en los cines de EE. UU.

      The Film Stage: ¿Puedes hablar sobre la construcción del personaje de Gustav? Has dicho que el papel no estaba muy desarrollado en el guion. ¿Escribes notas y preparas una historia previa?

      Stellan Skarsgård: Descubro que si me siento en casa y creo una historia previa, creo un montón de cosas que le ocurren a Gustav a lo largo de su vida, entonces tengo que apegarme a eso. A veces oyes a actores decirle al director: “Bueno, mi personaje no haría eso”. ¿Cómo lo sabes? ¿Por qué piensas que tu personaje es más simple que tú? Tu personaje podría ser más complejo y tener más facetas de las que nunca puedas imaginar. Tienes que evitar minimizar al personaje a tu propia imaginación. Tienes que dejarlo abierto.

      Eso no funciona siempre, ¿verdad? Cuando eres el Barón Harkonnen en Dune, básicamente sentado en una bañera de aceite, ¿cuánta libertad tienes?

      Sí, no pensé en su infancia. Podría haber sido abusado de niño, pero no utilicé eso.

      ¿Qué tan incómodo fue ese papel?

      Bastante incómodo. Hacía bastante calor, pero era repugnante. Aceitoso. Me sujetaban con pesos para que mi disfraz no flotara como un globo.

      Con Gustav, ¿cuánto te basaste en tus propias experiencias?

      Me baso en todo en mis propias experiencias porque no tengo otra cosa sobre la que basarme. Pero no intento poner mis experiencias, en un nivel superficial, en una película o en mi trabajo. Es más bien que yo soy la arcilla, el material del que hago estos personajes. Son mis sentimientos.

      Pero Gustav es un hombre muy distinto a mí en muchos sentidos. Aunque se supone que tenemos la misma edad, él es definitivamente de otra generación; es un hombre más tradicional. Mi relación con mis hijos también es muy diferente, mucho más relajada.

      Estreno de Sentimental Value en el Festival de Cine de Nueva York. Foto de Sean DiSerio.

      ¿Qué pasa con tus experiencias con los directores? ¿Entraron en juego?

      Bueno, mi primer instinto fue, por supuesto, la venganza: la oportunidad de devolverles a todos los directores con los que trabajé. Renuncié a eso muy pronto porque, antes que nada, el personaje no tiene que ser un director. Puede ser un artista —un pintor, un músico, un escritor—. Era importante para mí mostrar que en su profesión, en su arte, es muy, muy sensible. Muy capaz de describir sentimientos, emociones y psicología, cosas de las que es incapaz en su vida personal. En la vida real, sus herramientas son demasiado torpes.

      ¿Crees que eso es normal en los artistas? Que lo que los hace creativos posiblemente los hace no muy agradables en lo personal?

      Puede ser. No tiene por qué ser así, pero puede. He estado filmando cuatro meses al año durante los últimos 30 años, y luego cambiando pañales ocho meses al año. Esa es más o menos la proporción. Pero eso no significa que siempre estuviera presente. Podría haber estado ausente en mi mente, de alguna manera.

      Cuando les pregunto a mis ocho hijos qué tipo de padre fui, obtengo respuestas diferentes. Porque algunos necesitaban mucha atención y otros no. No importa, realmente. No importa lo bueno que seas, sigues siendo imperfecto.

      Como artista, tu trabajo es tu vida. Eres tú, tu ser. Es quien eres. Eso significa que lo abarca todo; te devora más que cualquier otro trabajo. Creo que si renuncias a tu trabajo artístico, o si lo comprometes, ya no eres tú porque esa es tu identidad. Siempre es difícil para los artistas combinar el trabajo con la vida personal, creo.

      ¿Crees que los artistas tienen que sufrir por su arte? Gustav ciertamente sufre.

      No. No tienes que sufrir. Quiero decir, siempre hay sufrimiento normal. La vida te lo trae. Así que recibes suficiente sufrimiento de la vida tal y como es, no tienes que buscarlo. El sufrimiento no te hace mejor.

      ¿Es Gustav un buen director?

      Decidí que sí lo era. Lo pensé como de otra generación, una especie de director de Europa del Este de mediados de los sesenta —alguien como Miklós Jancsó, alguien que usa esos planos largos—. Pero también quería que se viera la sensibilidad de Gustav cuando trabaja con Elle. Ese es el otro lado suyo que hay que mostrar para poner en relieve su incompetencia con sus hijas.

      ¿No es incompetente con Elle tanto como con sus hijas? Como cuando le miente diciéndole que un taburete de atrezzo es el que su madre usó para suicidarse.

      Es una broma. Quiero decir, es en parte brutal, pero es graciosa. Y puede decir eso sin ser desleal con Elle. Ella pregunta sobre el suicidio todo el tiempo. Su respuesta es: “No es mi madre. No se trata de mi madre”. Lo repite una y otra vez. Y no lo es, realmente. Se trata de su hija, pero no se lo dirá a Elle.

      Lo interesante de él es más lo que no entiende o lo que no sabe. No es capaz de acercarse a sus hijas, pero no lo sabe. No ve su guion cinematográfico como un vehículo de comunicación ni nada por el estilo.

      Así que es frustrante para todos los implicados. Ni él ni sus hijas van a encontrar satisfacción.

      La mirada final en la película es interesante. Es un momento tan delicado. Se sorprenden de lo que sintieron al rodar esa escena juntos. Y eso es maravilloso. No es el tipo de final feliz en el que los problemas se resuelven, pero te da esperanza de una apertura, una esperanza de perdón. De reconciliación. Lo cual puede ser un final feliz.

      Me gusta tu uso de “apertura”, porque Nora entra en el proyecto de su padre no queriendo hacerlo en absoluto. Cuando hace el plano secuencia al final de la película, ve un mundo nuevo, una nueva manera de mirar su vida y a su padre.

      Absolutamente. En ese sentido, quizá se pueda decir que el arte cura. Quizá hacer ese papel en esta película en particular la ayudó a entender un poco más sobre sí misma y sobre su padre. Ella se sorprende tanto como él.

      ¿Crees que tus personajes tienen algo en común? ¿Buscas algo específico en un personaje?

      Como actor, eres solo un asalariado. Entras en el universo de otra persona e intentas ser útil, ayudar al director a crear un mundo. Así que es muy difícil tener una especie de sello artístico que continúe a lo largo de tu carrera. No es como ser pintor, donde puedes decir: “Ese es un Braque típico”, o lo que sea. Pero espero que mi visión de la humanidad sea de alguna manera palpable. Que sea reconocible en mis personajes, incluso si son villanos o monstruos: quien sea refleja mi visión del mundo. Es muy vano y estúpido creerlo. Pero espero, de alguna manera, que así sea.

      Creas arte en parte para presentar tu visión del mundo. Lo que me parece notable es que puedes encontrar la misma mirada humanista en una gama tan amplia de personajes. Como Nils en In Order of Disappearance: es un asesino brutal que, al mismo tiempo, está vengando a su hijo.

      Está equivocado, pero eso no lo hace menos humano.

      Has dicho que Gustav toma decisiones estúpidas, pero aun así necesitabas hacerlo simpático. ¿Cómo logras eso con un asesino como Nils?

      Mostrando su humanidad. Quiero decir, no todo el mundo tiene que ser simpático. Pero sí tienen que ser comprensibles, de alguna manera. Tienes que entender que los actos malvados, al igual que los buenos, no salen de un vacío. Necesitas un suelo fértil para que crezca la bondad. Y también necesitas un alma fértil para el mal.

      Puedes mostrar la complejidad de un personaje en un segundo: solo un pequeño destello en el ojo, una leve vacilación en un gesto, algo en la manera de decir una línea. Es algo que despierta la compasión en la audiencia. Puedes hacerlo muy fácilmente, muy rápido, y no tienes que comprometerte con el papel en otros sentidos.

      Como Luthen Rael en Andor, que tiene que mandar a sus amigos a la muerte para mantener la revolución en marcha. Aun así podemos ver su compasión, su remordimiento.

      Definitivamente. Tony Gilroy es un experto en revoluciones y también en revolucionarios. Conoce perfectamente la psicología que hay detrás de las revoluciones. Entiende el conflicto inherente a ello.

      ¿No te gusta tanto trabajar en televisión?

      No, porque no puedo hacer lo que puedo hacer en las películas de Joachim Trier. Hice una excepción por Andor porque eso no era la televisión tradicional. La escritura televisiva normal es: todo está en el texto, todo está explicado. Así que no importa quién lo interprete o quién lo dirija; la gente lo entenderá incluso mientras hacen la colada o limpian la cocina. Es una narración de poca calidad, fácil y barata. Me deprimo cuando la veo.

      Sentimental Value se estrena ahora en cines de forma limitada.