10 películas profundas que quizá te hayas perdido

      Aquí no hay un escapismo sencillo; es hora de profundizar con estas diez grandes y estimulantes películas que quizá hayan pasado desapercibidas para ti…

      Es hora de profundizar. La belleza del cine radica en lo ecléctico y variado que puede ser lo que elijas ver. ¿Quieres un escapismo simple? Lo tienes. ¿Quieres representaciones desgarradoras de la guerra? También está cubierto. ¿Narrativas retorcidas llenas de ideas complejas? Sí, Chris Nolan definitivamente te cubre.

      A veces una película prefiere ir al fondo, sin embargo, a menudo tomando narrativas simples y enfocándose en un viaje interno más profundo del personaje. Pueden rascar la superficie de temas o cuestiones más amplias (como clase, sociedad, masculinidad, sexualidad) que están entretejidos bajo la historia.

      Las películas profundas y cerebrales no tienen por qué ser necesariamente piezas de género densas, pero estas películas saludan al espectador y permanecen justo fuera de su alcance, pidiendo que el público participe activamente en rumiar preguntas más profundas o en diseccionar la psicología complicada del protagonista, o el mundo en el que habita. Es cine que invita a la reflexión, que te obliga a ponderar y te induce a revisitarlo.

      Ha habido muchos ejemplos icónicos, como 2001: Una odisea del espacio, que plantea preguntas sobre la naturaleza de la existencia y los próximos pasos evolutivos, o más recientemente Parásitos, que tejió una narrativa retorcida pero llenó la película de subtexto, centrada particularmente en las dinámicas de clase en Corea. Sin embargo, como estas películas no suelen ser inherentemente taquilleras, es justo decir que muchas obras excepcionales pasan desapercibidas. Aquí tienes diez películas profundas que probablemente no hayas visto…

      Nostalghia

      Quizá el maestro de plantear preguntas profundas por encima de la fórmula narrativa fue Andréi Tarkovski. Las películas del maestro ruso se caracterizan por un tempo deliberadamente lento para separar efectivamente el grano de la paja entre los espectadores. Sus filmes se construyen como experiencias emocionales, que requieren que la audiencia sucumba a su manera de enfatizar el tiempo. Si lo haces, generalmente te consume la terrosidad: películas que rezuman humedad, están cargadas de polvo y del sonido del viento entre los árboles.

      Los escenarios tienden a vivir y respirar, y aparece un protagonista que casi siempre está en algún dilema existencial y/o filosófico profundo. Tarkovski trata mucho la religión en su obra también. Una de sus obras menos apreciadas, Nostalghia, marcó además su primer paso fuera de Rusia tras ser, en cierta medida, exiliado. La producción italiana muestra a un poeta ruso que viaja a Italia para investigar a un compositor del siglo XVIII, pero se encuentra con un marginado social furibundo. Ambos hombres están en una encrucijada filosófica, con caminos radicalmente divergentes, y ambos sienten una nostalgia por tiempos pasados.

      Como la mayoría de la obra de Tarkovski, es esquiva pero evocadora. Nadie captura los sueños como él. Está, por supuesto, filmada de forma deslumbrante con una serie de largos y fascinantes planos-secuencia, y además es muy presciente en algunas de las preguntas existenciales que plantean los personajes principales.

      Moving

      Shinji Somai tuvo cierto grado de éxito en Japón, y Moving en particular fue un momento importante para su atractivo internacional. Centrada en una chica de 13 años, cuyos padres están en proceso de divorcio, trata asuntos reconocibles que trascienden el idioma.

      La película de Somai está bellamente filmada y meticulosamente planificada. La forma en que captura momentos íntimos y las sutilezas entre los padres (inicialmente) calladamente resentidos y su hija, que solo quiere que todo siga igual, es magistral.

      Asimismo, su filme no es meramente una observación bien hecha de la madurez con una dinámica familiar fracturada; examina más a fondo las actitudes sociales hacia el divorcio y la dificultad de tratar con niños pequeños que actúan como resultado del hogar roto. Todo ello mientras deriva la película sin esfuerzo hacia deslumbrantes vuelos de realismo mágico. Tomoko Tabata, como la joven Renko, es increíble.

      Secret Sunshine

      Para el público occidental, Lee Chang-dong es probablemente más conocido por su reciente obra maestra Burning, un thriller sombrío y de combustión lenta que se centra más en la perspectiva de un protagonista poco fiable que en las intrincadas soluciones de un posible asesinato.

      También tuvo cierto recorrido con películas como Oasis y Secret Sunshine. Esta última, protagonizada por Jeon Do-yeon y Song Kang-ho (más conocido fuera de Corea por Parásitos), profundiza en la naturaleza del duelo más paralizante y la religión como muleta. Una mujer recientemente viuda y su hijo pequeño se mudan al pueblo natal de su esposo para empezar de nuevo.

      Un giro a mitad de la película la lleva a un territorio más oscuro y a una nueva etapa del duelo, y en la religión, Shin-Ae (Do-yeon) espera encontrar consuelo, un abrazo comunitario y una respuesta superior a sus preguntas. Tras sentirse rechazada y castigada por Dios, se rebela en una desafiante (criminal e inmoral) desobediencia contra él. Do-yeon captura la angustia con tal crudeza que resulta difícil de ver, y Chang-dong mantiene una mirada observadora y fascinante. Es una obra maestra.

      Harvest

      Algo reciente que puede haber pasado desapercibido para quienes no están suscritos a Mubi es Harvest, un drama folclórico psicológico intermitentemente onírico que quizá sufrió de un marketing que sugería que era más centrado en el horror de lo que realmente es.

      Está ambientada en una aldea preindustrial en medio de la nada, que poco a poco se ve afectada por el mundo exterior. Caleb Landry-Jones encabeza el reparto y es típicamente enigmático como el mejor amigo del líder simbólico de la aldea (Harry Melling). La aldea se sostiene en antiguas tradiciones y trabajo comunal, con una desconfianza feroz hacia los forasteros.

      Aunque Athina Rachel Tsangari mantiene la ambigüedad sin fijar una época o lugar, está impregnada de varios periodos y culturas, pero el tema predominante del progreso (en su gloria a menudo fea) que amenaza al tradicionalismo resulta interesante. Muy película que se ama u odia.

      Marie’s Song

      Con solo un puñado de votos en IMDb, Marie’s Song es la definición misma de una película olvidada. Sylvia Testud protagoniza, y ciertamente ha atraído atención a lo largo de los años por sus otros trabajos. Ha ganado dos premios César y ha sido nominada en otras tres ocasiones (incluida por un papel en La vie en rose).

      Testud interpreta a una joven que florece hacia la edad adulta, que vive con su madre condesa en la periferia, felizmente ignorante de las penalidades de la guerra a no demasiada distancia. Cuando soldados de paso llegan, esas duras realidades se hacen aparentes de repente cuando Marie conecta con un joven y la casa señorial es tomada agresivamente por los viajeros.

      Es visualmente hermosa, y Testud es una presencia tan callada e interesante como la ingenua joven que llega a la madurez. Se apoya en diálogos escasos y mínimos, un gran ejemplo de mostrar y no contar. La dicotomía entre los estamentos sociales (con una condesa que no es exactamente acomodada) y la desconexión con las realidades de las guerras (que son motivadas políticamente por las clases altas pero llevadas a cabo por las clases bajas) está observada con sutileza.

      Maborosi

      Otra mirada bellamente observada a la naturaleza del duelo. Si Chang-dong adoptó un enfoque melodramático para mostrar la agitación interior mediante explosiones externas de dolor, Hirokazu Kore-eda toma el camino opuesto, manteniendo ese duelo dolorosamente internalizado.

      Del mismo modo, ambas películas observan las actitudes sociales hacia los cónyuges viudos y las familias separadas (ya sea por elección o por muerte trágica). Kore-eda siempre ha capturado la complejidad humana y el trauma emocional de forma más sutil que nadie. Maborosi presenta a una madre viuda (cuyo pareja se suicidó, dejándola con un bebé) que, años después, ha seguido adelante con una nueva pareja (que también tiene un hijo).

      Se está creando una nueva unidad familiar, algo no muy común en Japón en aquella época (ni siquiera ahora). Inevitablemente, sin embargo, el trauma no resuelto reaparecerá, y ese es el caso de Yumiko (Makiko Esumi), cuya nueva vida se ve marcada por derivaciones hacia una depresión paralizante, sin entender por qué su exmarido se quitó la vida. El primer largometraje de Kore-eda es quizá también su más bellamente filmado.

      How to Have Sex

      La contundente y realista película de Molly Manning-Walker adopta un enfoque naturalista sobre las relaciones de la Generación Z, con diálogos que suenan improvisados y auténticos. Al principio, las jóvenes son una cacofonía de ruido, gritos e hiperactividad excitable (casi hasta el punto de resultar molestas) mientras se lanzan de cabeza a unas primeras vacaciones isleñas de fiesta. Es un rito de paso para chicos y chicas de clase trabajadora del barrio, que son débiles ante la presión de grupo.

      A medida que la película avanza, empezamos a desmenuzar la dinámica y el hedonismo a cien por hora y llegamos a conocer a los personajes (particularmente a Tara) y sus inseguridades en una encrucijada vital. Entonces llega una de las consecuencias demasiado frecuentes del consumo excesivo de alcohol, las discotecas y las fiestas y la presión para ser sexualmente activo. Para Tara, esto significa un primer encuentro que la deja cuestionando el consentimiento y la normalidad (o no) de lo sucedido.

      Cuando queda claro que no fue consensuado, el daño ya está hecho (y se repite), y la película de Walker destaca bellamente lo que los jóvenes, especialmente las chicas, tienen que enfrentar con deprimente regularidad. Mia McKenna-Bruce ofrece una interpretación magnífica y silenciosamente desgarradora.

      The Juniper Tree

      Este ambiguo fantasy folclórico de autor (basado en el viejo cuento de los Grimm) desde Islandia está protagonizado por una joven Björk, que huye con su hermana mayor después de que su madre sea asesinada por practicar la brujería. Es un cuento folclórico nórdico clásico que tiene mucho subtexto subyacente (como muchos cuentos de los Grimm) y que aquí se desarrolla aún más.

      Se ve genial, exquisitamente filmada en blanco y negro y objeto de restauraciones recientes que han dado nueva vida a una película hasta hace poco rara vez vista (fuera de Islandia).

      Los cuentos de hadas pueden permitir a menudo capas gracias al uso juguetón de la alegoría y añadiren más profundidad a la película, y esta explora actitudes hacia las mujeres, la brujería, el legado familiar y la sexualidad. Tiene mucho de Bergman, y en su carrera actoral tan irregular, Björk está excelente.

      Only the River Flows

      Tocando un enfoque de procedimiento policial rural en una tierra que se centra cada vez más en las nuevas extensiones urbanas, aquí hay un policía que se convierte en un marginado, dejado para intentar resolver un caso. Esto se vuelve menos sobre el procedimiento cuidadoso para descubrir la verdad detrás de un asesinato y más un viaje reflexivo sobre nuestro protagonista, que lucha con su vida doméstica.

      La directora Wei Shujan echa mano de una generosa dosis de realismo mágico y conjura una gran mezcla visual entre la aspereza terrosa y los grises, capturados en 16 mm, hacia sueños febriles inyectados con un poco de color añadido. En el centro, Zhu Yilong ofrece la clase de matiz magnético y callado que uno esperaría de Tony Leung.

      Perfect Days

      Wim Wenders no es ajeno a películas con capas como una lasaña profunda. París, Texas es una obra maestra con un dúo de personajes increíblemente complejo. Pasa a su película más reciente, algo así como un triunfante regreso a lo mejor de sí mismo, Perfect Days.

      Se trata de la joie de vivre, pero va más allá. Hirayama (Koji Yakusho) vive una vida simple y poco espectacular, encontrando la alegría en sus rutinas, su trabajo (como limpiador de baños), la música y sus encuentros pasajeros (incluido el de una dueña de bar por la que siente simpatía). La vida debe disfrutarse y vivirse al máximo, y es un mensaje que todos los coaches de vida parecen repetir con regularidad en las redes.

      Sin embargo, bajo su felicidad, Hirayama está en gran medida solo y rara vez un encuentro lo aparta de su fórmula. También está distanciado de su familia, y es algo que empieza a sentir. Aun así, se mantiene mayormente equilibrado, pero incluso el hombre más optimista con placeres simples siente un anhelo ineludible. Yakusho es excepcional; su interpretación dice tanto con muy poco diálogo.

      ¿Cuál es tu película profunda favorita? Cuéntanos en nuestras redes sociales @FlickeringMyth…

      Tom Jolliffe