8 grandes películas de culto de ciencia ficción de 1985

      Casey Chong analiza ocho películas de ciencia ficción de culto esenciales de 1985….

      1985 fue un gran año para una cierta película de ciencia ficción llamada Back to the Future, que recaudó más de 210 millones de dólares solo en Estados Unidos. La obra maestra del viaje en el tiempo que definió el género de Robert Zemeckis sigue siendo hoy en día un icono cinematográfico. Sin embargo, ese año también vio el estreno de otras películas de ciencia ficción, algunas de las cuales fueron un éxito (Cocoon) y otras, como Enemy Mine y Explorers, que en su momento fueron en gran medida rechazadas por el público. A continuación presentamos nuestra selección de las películas de ciencia ficción esenciales estrenadas en 1985 más allá de Back to the Future…

      Re-Animator

      Ciertamente no apta para los aprensivos, Stuart Gordon se entrega por completo en nombre del horror lovecraftiano con elementos de ciencia ficción en Re-Animator. La película nos ofrece al único e inigualable Jeffrey Combs en su icónico papel desquiciado como Herbert West, el estudiante de medicina loco decidido a lograr un avance científico para devolver la vida a los muertos con su suero experimental.

      La dirección, conocedora del género, de Gordon se basa en abrazar la vibra de cine B en la que todo vale, un horror de ciencia ficción salpicado de comedia negra. Es exageradamente sangrienta y gore, y un logro técnico en efectos prácticos que no se pierde en excesos innecesarios, gracias a su ritmo seguro en conjunto. El éxito de culto de Re-Animator generó dos películas más, incluyendo Bride of Re-Animator y Beyond Re-Animator.

      Brazil

      La malinterpretada obra maestra de ciencia ficción de Terry Gilliam no logró atraer a un público numeroso en el momento de su estreno, pero desde entonces ha sido aclamada como una de las mejores de su tipo. Gilliam, que también coescribió el guion, aporta su visión única de un futuro distópico lleno de pesadillas burocráticas y la absurdidad al revés de un desafortunado empleado público de bajo nivel interpretado por el entrañable Jonathan Pryce, atrapado entre fantasear y enfrentarse a la realidad mundana.

      Más allá de la deslumbrante paleta visual de Gilliam y todo su humor excéntrico que llega a ser uno de los rasgos distintivos del director, hay una profundidad narrativa que debe mucho a los tropos orwellianos sobre el totalitarismo y la opresión dentro del sistema social y político en el mundo de Brazil. La enorme duración de la película, de casi dos horas y media, puede echar para atrás a algunos espectadores, pero la dirección por capas de Gilliam, entre estirar su imaginación y desplegar comentarios sutiles, ofrece una experiencia cinematográfica única que vale la pena ver.

      Enemy Mine

      El fallecido Wolfgang Petersen nos dejó algunas de sus obras más definitorias del género, desde Das Boot hasta In the Line of Fire y Air Force One. Luego está la tristemente infravalorada Enemy Mine, estrenada un año después del gran éxito de The NeverEnding Story. Enemy Mine estuvo plagada de problemas tras las cámaras, incluido el director original Richard Loncraine, que ya había rodado algunas escenas pero finalmente fue despedido antes de que Petersen se hiciera cargo del proyecto. En lugar de aprovechar el material ya rodado por Loncraine, decidió rehacerlo todo desde cero.

      A pesar de su mejor esfuerzo, Enemy Mine fracasó en taquilla, pero la película merece algo mejor: Petersen, trabajando a partir del guion adaptado de Edward Khmara de la novela corta homónima de Barry B. Longyear, combina eficazmente temas de armonía y unidad, superación del prejuicio y empatía universal en este thriller de ciencia ficción. Esencialmente un duelo a dos durante la mayor parte del metraje, en el conflicto entre el piloto humano Willis Davidge (Dennis Quaid) y un humanoide reptiliano Drac llamado Jeriba Shigan (Louis Gossett Jr., irreconocible bajo una prótesis completa), Petersen logra sacar lo mejor de estos dos actores. La dinámica despareja entre estos personajes es lo que eleva a Enemy Mine por encima de un simple relato de supervivencia de ciencia ficción.

      The Quiet Earth

      Esta importación de Nueva Zelanda explora el hipotético escenario de cómo sería el mundo después de que una catástrofe global aniquilara casi toda la existencia humana. Dirigida por Geoff Murphy, quien más tarde dirigiría producciones de Hollywood como Young Guns II, Freejack y Under Siege 2: Dark Territory, empieza la película con un momento llamativo: un hombre (Bruno Lawrence) despierta una mañana en una habitación y descubre que está completamente solo en la ciudad. Los primeros 35 minutos aproximadamente indagan en el personaje solitario de Lawrence, que interpreta a Zac Hobson, quien hace todo lo posible por matar el tiempo manteniéndose ocupado (en un momento, se siente tan cómodo que se pone el vestido de una mujer). La interpretación en solitario de Lawrence es una actuación de primera categoría, pues captura con éxito los sentimientos encontrados de aislamiento, frustración y autojúbilo.

      The Quiet Earth introduce posteriormente a dos personajes más: una joven llamada Joanne (Alison Routledge) y, más tarde, un hombre maorí llamado Api, interpretado por Pete Smith. Adaptada de la novela homónima de 1981 de Craig Harrison, la película también pone de relieve temas añadidos como los instintos humanos, la confianza y la tensión racial entre Zac y Api antes de que la historia culmine en un final surrealista, pero ambiguo.

      Cocoon

      Aunque parezca increíble, Robert Zemeckis iba a dirigir inicialmente Cocoon, pero los ejecutivos del estudio Fox se acobardaron después de sus reacciones negativas ante el montaje inicial de Romancing the Stone (que de todas formas acabaría siendo un éxito). Ron Howard, cuyo anterior filme Splash había hecho una gran taquilla, lo sustituyó y la dirección deliberada de Howard resultó ser la adecuada para convertir el guion de Tom Benedek sobre un grupo de ancianos en una residencia que descubren una piscina parecida a la Fuente de la Juventud con enormes capullos pedregosos en el fondo en una fábula de ciencia ficción conmovedora.

      Temas que invitan a la reflexión sobre el envejecimiento y la juventud redescubierta, junto con las cuestiones universales de la vida y la muerte, se exploran hermosamente a través de los ojos de estos ancianos interpretados por Don Ameche, Wilford Brimley y Hume Cronyn. El reparto de esta generación de actores está lejos de ser simple nostalgia, ya que Howard saca lo mejor de sus interpretaciones. Los efectos especiales, en particular los seres alienígenas luminosos, pueden haber quedado desfasados según los estándares actuales, pero es difícil negar el encanto positivo subyacente de la representación de las criaturas de otro mundo. Cocoon fue uno de los grandes éxitos de ese año y, tres años más tarde, le siguió una secuela inferior, desafortunadamente sin Ron Howard, llamada Cocoon: The Return.

      The Stuff

      El título se refiere a una misteriosa sustancia blanca con textura parecida a la de la crema de afeitar que sabe dulce y es adictiva. Esta sustancia pronto se convierte en una sensación de la noche a la mañana como postre imprescindible y todo Estados Unidos no puede dejar de consumir este “stuff”. El guionista y director Larry Cohen abraza el exceso y la tontería de su premisa bizarra, que satiriza su tema relevante del consumismo y cómo un producto imposible de ignorar puede dictar o influir a mucha gente, sin importar su edad.

      La sustancia blanca en The Stuff no solo hace que la gente la ansíe, sino que también controla sus mentes y apetitos e incluso mata cuando es necesario. Piénsalo como parte de la masa blanca y pegajosa del Stay Puft Marshmallow Man capaz de asfixiar a su víctima o incluso de estallar desde la boca de alguien. La película se beneficia de una interpretación entregada liderada por Michael Moriarty como el escéptico exagente del FBI convertido en saboteador industrial que investiga el origen de la sustancia titular.

      Lifeforce

      Deja algo raro, sucio y grotesco a Tobe Hooper, como se ve en Lifeforce, que combina horror de ciencia ficción sobre vampirismo, es decir, vampiros espaciales, con una vibra descaradamente de cine B. En Lifeforce no se contiene a la hora de mostrar sexo y desnudez, cortesía de la frecuentemente desnuda Mathilda May como la alienígena en cuerpo humano.

      La dirección exagerada y vulgar de Hooper pudo haber alejado al público general que esperaba que Lifeforce se ejecutara de forma más tradicional, dado su estreno veraniego en cines. Pero los fans del género que están dispuestos a aceptar la vulgaridad sin restricciones y el caos sangriento —esto último especialmente en la segunda mitad, que se centra en la infección vampírica apocalíptica que afecta a toda la ciudad de Londres— encontrarán mucho de su interés aquí.

      VER TAMBIÉN: Lifeforce: A Movie Only Cannon Could Have Made

      Explorers

      La película posterior de Joe Dante a su gran éxito Gremlins ve al director explorar la fantasía de ciencia ficción al estilo Amblin con los entonces novatos Ethan Hawke y River Phoenix en sus debuts cinematográficos. Explorers toca los temas familiares de la realización de deseos y de alcanzar las estrellas —tanto literal como figuradamente— mientras la historia se adentra en las (des)aventuras de tres chicos preadolescentes (el tercero interpretado por Jason Presson) que construyen su propia nave espacial casera usando materiales de desecho con la ayuda de la programación informática del genio científico interpretado por Phoenix.

      La primera mitad presume de una prometedora construcción desde la presentación de estos tres personajes hasta la aventura inicial de la nave por el vecindario. Tanto Hawke como Phoenix demuestran ser estrellas en ciernes en ese momento, mostrándonos un atisbo de la habilidad actoral temprana de ambos que daría forma a sus carreras. Sin embargo, la película tropieza cuando la historia transcurre en el espacio exterior y la introducción de los descarados alienígenas no es exactamente el tipo de recompensa que el (la mayoría del) público esperaba. Pero incluso con esas carencias, Explorers resuena mucho al representar el punto de vista de los niños y la pura imaginación de atreverse a soñar en grande.

      ¿Cuáles son tus películas de ciencia ficción favoritas de 1985? ¿Nos hemos dejado algo en esta lista? Cuéntanos en nuestras redes sociales @FlickeringMyth…

      Casey Chong