Las 10 mejores películas de 2025 según Nirris Nagendrarajah

      Tras la lista colectiva de The Film Stage de las 50 mejores películas de 2025, como parte de nuestra cobertura de fin de año, nuestros colaboradores comparten sus listas personales del top 10.

      A pesar de tener detractores (entre ellos Lav Diaz), considero que hacer listas es un ejercicio bastante sano y placentero para que lo practique un crítico. Después de ver casi 200 películas, es vital hacer un balance para ver qué te gustó y qué no; en qué prestaste demasiada atención y en qué no lo hiciste; qué imágenes permanecen en tu mente y hacia dónde podrías dirigirte después para mantenerlo fresco. Una lista como esta es una oportunidad para llamar la atención sobre películas que quizá no se exhibieron ampliamente, ya que tanto se queda atrás, pero también para ignorar intencionadamente aquellas que han recibido demasiada atención.

      Noté, por ejemplo, que me incliné hacia películas que están adaptadas de escritores o tratan sobre escritores; que presentan a mujeres al borde de un colapso nervioso o a jóvenes mujeres en proceso de maduración; y que son formalmente audaces lo suficiente como para impulsar el cine hacia el futuro. El próximo año espero prestar atención a más películas de otras regiones del mundo, a más obras experimentales que me confundan, pero de una manera que sea productiva, inspiradora y desafiante. Quiero sorprenderme.

      Una restricción que me impuse al curar cuidadosamente esto fue no escribir sobre una película que ya haya reseñado formalmente o a la que le haya puesto un pie de foto/comentario, ya que, con frecuencia, como crítico freelance, no siempre puedes escribir sobre las películas que amas. Estas 10 películas parecieron formar una constelación, relacionadas en sus sensibilidades y ejecuciones, que, a su manera, mientras escribía sobre ellas, también contaron la historia de mi año.

      Vistas favoritas por primera vez de 2025: Millennium Actress, A Woman is A Woman, The Watermelon Woman, Up Down Fragile, Batang West Side, Easter Parade, Late August Early September, Who Do We See When We Look At The Sky?, y Panic Bodies.

      Menciones honoríficas: On Becoming a Guinea Fowl, April, BLKNWS: Terms & Conditions, Việt and Nam, By the Stream, Caught by the Tides, Black Bag & Presence, Misericordia, y Happyend.

      10. What Does That Nature Say To You (Hong Sangsoo)

      Rozando temas de la fama, la piedad filial, la vocación artística y la compatibilidad romántica, What Does That Nature Say To You no ensalza ni compadece a su protagonista, Donghwa, un poeta aspirante que intenta ir contra la marea de una vida normativa, queriendo frenar todo y vivir el momento —un encuentro que no sucede rodeado de humanidad, sino en soledad con la naturaleza. Él garabatea, dibuja, captura los rastros efímeros en el aire. Las películas de Hong son como esos pocos tramos en los que caes en la órbita de un puñado de personalidades y sus deseos, exponiendo partes de tu alma ante ellas, topándote con un momento de conflicto y luego emitiendo tu juicio en privado. ¿Podrá Donghwa escapar de la sombra de su padre? Solo el tiempo lo dirá: por ahora está experimentando las esplendores de una vida simple e independiente.

      9. The Virgin of Quarry Lake (Laura Casabé)

      ¡El infierno no tiene tanta furia como una mujer despreciada! Los arrebatos del deseo en la adolescencia de una mujer han sido tema de innumerables películas, pero ninguna es tan salvaje y punk como The Virgin of Quarry Lake de Laura Casabé, adaptada del cuento de Mariana Enríquez. La protagonista, Natalia (interpretada por Dolores Oliverio en una actuación revelación) tiene poderes al estilo Carrie que hacen sangrar a un pene, arrancan los labios a un acosador y transforman a una jauría de perros en asesinos ensangrentados. El realismo mágico de las muchas escenas de violencia —frente a un amante que no te corresponde y que ha seguido con su vida— se siente totalmente, y tonalmente, justificado. Un alivio mágico-realista bienvenido y entretenido frente a las convenciones. Salí del cine riéndome a carcajadas, algo raro.

      8. Peter Hujar’s Day (Ira Sachs)

      De una manera extraña, la pátina nostálgica de Peter Hujar’s Day, así como Midwinter Day de Berndaette Meyer, me recordaron Anatomy of Hell de Catherine Breillat, una película también sobre la dinámica de la fag-hag, sobre el placer de hablar de uno mismo y de escuchar al otro, sobre la neurosis de las mentes creativas. Aquí, Sachs, que está en un período tan fecundo, solo puede hacer tanto con el material disponible, lo que le da a Ben Whishaw y Rebecca Hall la oportunidad de una vez más flexionar su magnetismo de estrellas de cine sin esfuerzo. Son las pequeñas sorpresas visuales —como desenfocar el rostro de Hall y hacer paneo a Whishaw, la sobreexposición de un encuadre, los insertos fotográficos grandilocuentes, o los aspectos meta que nos recuerdan que estamos viendo una película— las que marcan el tono y nos atraen más hacia la textura de sus diálogos. Una obra que Fassbinder y Duras podrían haber hecho.

      7. The Chronology of Water (Kirsten Stewart)

      ¿Cómo debe comportarse una película? Con The Chronology of Water, adaptada de las memorias de Lidia Yuknavitch, la directora y guionista Kirsten Stewart ofrece sin vacilar una respuesta: de bordes angulosos, frenética y tan agitada como la mente turbulenta de su heroína, encarnada por una incendiaria Imogen Poots, cuya belleza singular y amplio rango nunca habían sido usados así. Por supuesto, como sugiere el título, rastrea el crecimiento de una mujer que intenta hacerse a sí misma, pero es la forma en que Stewart ha decidido abordarlo —al parpadear con recuerdos, trasponer imágenes improbables, cambiar de perspectivas varias veces dentro de una misma escena— lo que hace que la película se sienta como un ser vivo, respirante y pensante (méritos a la montadora Olivia Neergaard-Holm por idear su estilo texturado). «En el agua, como en los libros, puedes dejar tu vida», dice Lidia —lo mismo que nos ofrece esta experiencia refrescante e inmersiva.

      6. Bugonia (Yorgos Lanthimos)

      Como una abeja, Yorgos Lanthimos poliniza tenazmente el cine con su sensibilidad errática. Bugonia es una culminación natural de sus temas fetiche: identidades dobles, dinámicas de poder cambiantes, paranoia enloquecedora, violencia cortante y la capacidad de la música pop para hablar nuestras verdades más profundas. Con guiños a Fellini, Antonioni, Tarkovsky y un trío de actuaciones viscerales en su centro —Plemons cerebral; Stone físico; Delbis simplemente desgarrador— su visión nihilista alcanza nuevas alturas que trabajan para ganarse sus catarsis, sus thrills. Al final de la humanidad, sugiere, todas las bolsas de plástico flotarán en el viento, aunque no haya nadie para presenciarlo.

      5. Die My Love (Lynne Ramsay)

      En Die My Love —la película más bella y conmovedora de Lynne Ramsay— Grace (una feroz Jennifer Lawrence) actúa una rabia irreprimible y una carnalidad inherente. Escritora bloqueada que teme el abandono, se convierte en una narradora poco fiable mientras intenta dar sentido a sus fluctuaciones posparto. Hace tiempo que no veíamos una criatura como ella, alienada de las restricciones que la vida nos impone. En una escena notable, su leche materna se mezcla con la tinta salpicada de un bolígrafo, una yuxtaposición de elementos que produce un nuevo tipo de escritura, un plano que luego, en un guiño surrealista, se transforma en estrellas en el cielo nocturno vistas a través de un telescopio. Afortunadamente, Ramsay, una poeta, no ve sentido en las resoluciones ordenadas, sino en composiciones como estas, o, como al final, ver a una mujer irreprimible desaparecer en un paisaje en llamas.

      4. You Burn Me (Matias Piñeiro)

      A través de su acumulación de motivos, la repetición incantatoria («para mí/no la miel/no las abejas») y sus andanzas por Grecia, España y Argentina, You Burn Me, con 64 minutos, es un ciné-poema audaz e incantatorio que resiste la cohesión narrativa en favor de una forma fugitiva y anotada. No me he puesto al día con Matías Piñeiro desde Hermia & Helena, pero aquí retoma los Diálogos con Leucó de Cesare Pavese, que ofrecen una lectura cercana de Safo, incorporando fragmentos de Anne Carson y Natalia Ginzburg en sus permutaciones. La película pregunta qué tipo de conocimiento —y memoria— puede emerger cuando el mito se trata como una estructura viva e inestable, buscando nuevos poemas para nuestros tiempos difíciles y tumultuosos.

      3. I Only Rest In The Storm (Pedro Pinho)

      Un rayo caído del cielo. Desde el principio, Pinho establece un plano temporal que será familiar para los fans del trabajo de Abdellatif Kechiche y Miguel Gomes, cineastas para quienes cada escena es una oportunidad para construir una secuencia donde se puedan representar las relaciones afectivas entre distintas personas de diversas culturas, donde el forastero nunca logra entrar. No viene mal que no puedas quitar los ojos de su hermoso elenco: Sérgio Coragem, Jonathan Guilherme y la ganadora del premio a la mejor actriz en Un Certain Regard, Cleo Diára. Su representación sin complejos del sexo me conquistó, solidificada en el mejor y más sorprendente trío del año, además de abordar activamente las secuelas de la historia del colonialismo con un realismo sucio e inmersivo amplificado por la música incantatoria de Carpotxa y Mazulu. Nunca había oído hablar de Pinho antes de esto, pero después de 217 minutos, soy fan.

      2. Resurrection (Bi Gan)

      Todo año necesita su épica. Al utilizar los cinco sentidos para estructurar su visión onírica, cada uno de los cuales corresponde a una era en el primer siglo del cine, Resurrection sigue la figura cambiante de Jackson Yee, el “Deliriant”, en su persecución aferrada a la vida soñante. Dentro de cada uno de nosotros hay proyectores que reproducen las películas de nuestras vidas: una margarita derritiéndose como una vela; sangre brotando de una oreja; patatas creciendo en la nieve; las cenizas de un as de picas; el sol saliendo al amanecer. En lugar de buscar la trascendencia, este ambicioso laberinto despachado desde el inconsciente, una experiencia técnicamente asombrosa y filosóficamente madura, nunca presupone coherencia, corazón ni sentido. Es necesariamente opaco. «Para entender, me destruí», escribió Fernando Pessoa —y como sugieren las imágenes finales y evanescentes, esos actos de destrucción podrían ser lo único que valga la pena vivir en un mundo que intenta robarnos la mente.

      1. The Oslo Trilogy (Dreams, Love & Sex) (Dag Johan Haugerud)

      Mientras que Sex, nítida y dominada por hombres, tiene la mejor banda sonora, y Love —con su estructura bifurcada— tiene el guion más equilibrado y un par de interpretaciones impresionantes, los temas que el director Dag Johan Haugerud activa en su trilogía de Oslo se realizan plenamente en el delicioso Dreams. Una película literaria tocada por el encanto rohmeriano, la forma aquí es más intrincada, al igual que su relación con las conciencias de su protagonista Johanne (interpretada por Ella Øverbye en una delicada actuación que evoca a una joven Sandrine Bonnaire). Al explorar los límites de la subjetividad, los asuntos del corazón y la identidad sexual en constante mutación, Dreams, como una bola de té que se despliega, se suelta del calor de la atención económica de Haugerud, antes de desplegar invariablemente sus suntuosos placeres. Quiero vivir dentro de todas estas películas.

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