Las 10 mejores películas de 2025 según Soham Gadre

      Tras la lista colectiva de The Film Stage de las 50 mejores películas de 2025, como parte de nuestra cobertura de fin de año, nuestros colaboradores comparten sus listas personales de las diez mejores.

      Mi valoración inicial de este año cinematográfico es de decepción. Nunca me había sentido tan desilusionado o desvinculado del modo cinematográfico dominante de Hollywood. Incluso la película del momento, One Battle After Another, me dejó levemente entretenido pero, en su mayoría, encogiéndome de hombros. Sin embargo, como siempre, eso no significa que no hubiera buen cine. Más allá de lo que figure en la cartelera más reciente de los multicines, hubo muchas películas geniales, ingeniosas y excitantes que fueron relegadas al streaming porque esta industria tiene una visión muy estrecha y cínica de su propio público. Muchas de las películas que he incluido aquí merecen ser buscadas porque superan absolutamente a lo que los poderes fácticos han puesto en las cadenas de cines.

      10. Las cosas que matas (Alireza Khatami)

      Khatami tuerce su narrativa a mitad de camino, como Lost Highway de David Lynch, y experimenta con la persona y la identidad para crear un thriller desconcertante y escalofriante sobre un hombre que ve cómo su familia se desmorona lentamente. La película tiene un filo; el acto de venganza y la catarsis del castigo perduran y provocan como un cuchillo colgante a lo largo de toda la cinta. Los ciclos intencionados de violencia que se repiten entre los hombres de la historia, con las mujeres como testigos y mudas e inocentes observadoras, subrayan cómo la violencia se perpetúa a través de las generaciones. Es un debut seguro, que me deja instantáneamente interesado en lo que Khatami estará preparando a continuación.

      9. El agente secreto (Kleber Mendonça Filho)

      El agente secreto utiliza una historia célebre para crear un hilo conductor desde la dictadura brasileña de los 70 hasta el presente. Es una película que, como muchas de las de Mendonça, presenta confrontaciones tensas y secuencias de acción, además de villanos fanfarrones que encienden una necesidad violenta de catarsis. Sin embargo, esta no es una película que alimente esa necesidad de la misma manera que Aquarius o Bacurau. Es una historia mucho más realista, ambientada en un lugar y tiempo reales en Recife, la ciudad natal de Mendonça. Nos obliga a considerar cuántos de los errores del pasado se han rectificado, si es que se ha rectificado alguno. Se pregunta, al alternar entre la violencia política implacable y las conversaciones susurradas entre quienes resisten, si acaso ha cambiado algo.

      8. Resurrección (Bi Gan)

      Estrenada al filo del cierre en Estados Unidos, Resurrección de Bi Gan fue, sin duda, una forma maravillosa de terminar el año de ir al cine. Cautivadora en su estructura, que mezcla no solo el tiempo sino la historia de géneros del cine, la película nos lleva por el viaje de un singular “Deliriant”, uno de los últimos humanos que quedan en el mundo que puede experimentar sueños. La cámara de Bi, que crea tantas dicotomías de primer plano y fondo, la mezcla de distintas velocidades de fotogramas, paletas de color y enfoques, convierte esto en una muestra ejemplar de experimentación, una confrontación autorreflexiva sobre cómo la capacidad del cine de crear diferentes realidades y existencias para un personaje singular es lo más parecido a soñar estando despiertos. Una película sobre la que estaré pensando y desentrañando durante mucho tiempo.

      7. Fue solo un accidente (Jafar Panahi)

      Humorística y trágica a partes iguales, la última película de Panahi sobre cómo el gobierno autoritario del régimen tiene impactos y repercusiones duraderas en la población corta la auto-aggrandización y llega al meollo del asunto: ¿qué significa obtener justicia? Estas víctimas, sus arrepentimientos, su sufrimiento, todo culmina en una batalla por decidir qué hacer una vez que atrapan al hombre que los destruyó. Panahi, desde Crimson Gold hasta No Bears y su última obra, siempre ha sido sobre todo un cineasta empático, incluso si los finales de sus películas siempre están teñidos de terror y tragedia. Representa a sus personajes alcanzando conciencias claras incluso mientras atraviesan la línea hasta volverse violentos y perder el control ellos mismos.

      6. La historia de Souleymane (Boris Lojkine)

      Es la era de la economía de gigas en todo el mundo. La historia de Souleymane cuenta la historia de un inmigrante de Guinea que busca desesperadamente asilo y la ciudadanía en Francia. Mientras espera su turno para contar su historia a los oficiales de inmigración, está atrapado entre la espada y la pared por ser repartidor para una app de comida y el dinero que necesita para pagar a su mentor de inmigración. La historia de Lojkine puede parecer demasiado optimista, quizá incluso ingenua para algunos, pero es una representación de un futuro esperanzador, uno que ofrece a los inmigrantes no solo asilo y paz, sino derechos humanos en sus propios términos, en sus propias verdades.

      5. Sirāt (Oliver Laxe)

      Una película que anuncia la inevitabilidad del fin del mundo, Sirāt de Oliver Laxe nos lleva en un viaje de giros implacables, para los que francamente no estaba preparado. Está destinada a ser divisiva en la forma en que juega con las emociones de su audiencia, pero el punto preciso de la película radica en lo desorientados que están sus personajes, en cómo sienten que el mundo es su arenero, y pieza a pieza se dan cuenta de que no están en un patio de juegos. Es una película que une Sorcerer de Friedkin con Punishment Park de Peter Watkins (QEPD). El horizonte desaparece lentamente, los colores se mezclan y homogeneizan con el tiempo y cualquier sonido que resonara en los estéreos al principio sucumbe a un silencio atronador.

      4. Happyend (Neo Sora)

      El espacio privado y la intrusión tecnológica forman el marco de la íntima y cuidadosamente elaborada Happyend de Neo Sora. Ambientada en un instituto en la Tokio del futuro, un grupo de estudiantes muy aficionados a la música house ve cómo sus vidas son lentamente invadidas por el nuevo sistema de vigilancia del colegio. Lo que separa a esta película de otras distopías de ciencia ficción es que su preocupación principal es cómo la opresión y la urgencia política se procesan de manera diferente entre las personas. Esto provoca tensión en las amistades de los personajes y ofrece una representación muy realista y compasiva del privilegio frente a la empatía y frente al aislamiento. Es un debut narrativo en largometraje seguro que posee un raro nivel de claridad política en lo que quiere decir.

      3. Abril (Dea Kulumbegashvili)

      Dea Kulumbegashvili sigue su inquietante e implacable debut Beginning con otra película que equilibra la quietud y la cautela con una energía amenazante. Lo más impactante de Abril vuelve a suceder sin palabras: en las secuencias nocturnas de conducción, algunas de las más impresionantes que he visto en esta década, la cámara se desplaza con un nervioso y errático vaivén que corta la lentitud y el silencio de la película como una hoja afilada. El peligro acecha en cada esquina. Las excavaciones de Kulumbegashvili sobre la política de género, las fisuras entre clases y grupos religiosos dentro de Georgia, crean de nuevo un retrato emocionalmente complejo de una enfermera que practica abortos anónimos en aldeas rurales y enfrenta una demanda en su hospital.

      2. Reflexión en un diamante muerto (Hélène Cattet y Bruno Forzani)

      Hay mucho en común con la anterior incursión de Cattet y Forzani en el género, Let the Corpses Tan: el paisaje costero de la Côte d’Azur golpeado por el sol y lleno de calor, los cielos y aguas turquesa lujosos, los primeros planos de ojos, brazos, armas, fuego, uñas, gargantas, sangre, y el tema “Dies irae” de Nora Orlandi de Lo strano vizio della signora Wardh de Sergio Martino. Aquí, sin embargo, el juego pop-genre autorreflexivo no proviene de los spaghetti westerns sino del cine EuroSpy. Trajes blancos, partidas de póker y engaños nos llevan por el viaje mental de un asesino retirado que rememora a una misteriosa mujer que conoció en los años sesenta. Pero si tratas de seguir la “trama” solo te decepcionarás. Disfruta la mezcla patentada de Cattet y Forzani de cine pop, pulp, pastiche godardiano, y deja que la sensación de las imágenes y los sonidos te inunde.

      1. Sanatorio bajo el signo del reloj de arena (Los hermanos Quay)

      Para los hermanos Quay, el cine es literalmente un juguete. Los personajes miran desde el reino físico hacia un mundo donde las reglas y la física se rompen, el tiempo se pliega sobre sí mismo y todos son personajes menores a merced de la fantasía. Un joven visita a su padre en un sanatorio, pero al llegar le dicen que su padre sigue vivo porque aquí el tiempo está distorsionado y ralentizado. La cámara se asoma por las esquinas, por las cerraduras y las puertas agrietadas; cada habitación y grieta es otro reino o capa de la realidad como una muñeca matrioska. Todo está cubierto de polvo e imágenes distorsionadas a través de todo tipo de objetos: cristales deformados, agua, espejos. La imponencia de la visión de los hermanos Quay es tan poderosa como siempre. Cuando su cámara se sumerge en la maquinaria de su mundo animado, arrastra al espectador por completo y le obliga a encontrar su camino a través de él.

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