Pixar non ha un problema di originalità, ha un problema di universalità

      Joseph Jenkinson su “il problema di originalità” della Pixar e le sue priorità narrative in evoluzione…

      La Pixar ha guadagnato la sua reputazione attraverso una corsa apparentemente infinita di storie originali. A parte il raro ritorno nel mondo di Toy Story, il periodo tra il 1995 e il 2010 (spesso considerato l'età dell'oro dello studio) è stato definito da una serie di film amati che hanno catturato il pubblico di tutte le età. Tuttavia, negli anni successivi, i sequel e i prequel sono diventati una parte sempre più prominente della produzione della Pixar.

      Questo è diventato un comune motivo di critica tra gli spettatori. La Pixar, un tempo vista come la fonte più affidabile dell'industria per idee fresche, è ora frequentemente accusata di fare troppo affidamento su franchise consolidati. Ma forse il problema non è che la Pixar sia rimasta senza idee originali. Forse la questione risiede nei tipi di storie che lo studio sta raccontando.

      Negli ultimi anni, i film originali della Pixar hanno faticato a replicare il successo commerciale di quelli precedenti. La pandemia di COVID-19 ha visto Onward interrompersi al botteghino, mentre Soul, Luca e Turning Red sono stati tutti deviati su Disney+. Lightyear ha fatto perdere alla Disney più di 100 milioni di dollari, Elemental ha subito un avvio lento prima di trovare un pubblico, e Elio ha registrato il weekend di apertura più basso nella storia dello studio (21 milioni di dollari).

      Secondo un articolo della BBC Culture, il fallimento di Elio suggerisce che “è molto più difficile per i film avere successo se non sono sequel o prequel […] o qualche combinazione non sacra di quanto sopra.” Certamente, i più grandi successi recenti della Pixar sono venuti da nomi familiari. Inside Out 2 è diventato il film più grande del 2024 e uno dei film d'animazione con il maggior incasso di sempre, mentre Toy Story continua a dimostrare la duratura popolarità dei suoi personaggi con la sua quinta entrata, rilasciata quasi tre decenni dopo il film originale.

      È facile attribuire questo alla nostalgia; il pubblico tende naturalmente a gravitare verso mondi e personaggi che già conosce e ama. Ma la familiarità da sola non spiega perché i film originali della Pixar un tempo godessero della stessa dominanza culturale. Dopotutto, c'era un tempo in cui il pubblico abbracciava idee completamente nuove con lo stesso entusiasmo che ora riserva ai sequel.

      Quindi, se la Pixar sta ancora producendo storie originali, perché non sembrano più risuonare nello stesso modo?

      La Pixar “ha dimenticato l'incarico?” Su X, un utente ha condiviso la sua frustrazione con Elio e il lavoro originale generale della Pixar dopo il COVID:

      La Pixar era “E se i giocattoli avessero sentimenti?” o “E se i ratti cucinassero?” Ora è “e se un tredicenne socialmente imbarazzato avesse un trauma?” È come se avessero dimenticato l'incarico.

      La critica può sembrare semplicistica, ma mette in evidenza un interessante cambiamento nella narrazione della Pixar. La classica Pixar dell'era 1995-2010 iniziava spesso con premesse ad alto concetto che chiunque potesse immediatamente comprendere.

      Certamente, il pubblico era attratto dalle innovazioni tecniche della Pixar, come le rappresentazioni fotorealistiche del mare in Alla ricerca di Nemo o il dettaglio della ruggine su Wall-E. Ma ciò che ha davvero reso lo studio unico è stata la sua capacità di riflettere l'esperienza umana attraverso concetti stravaganti.

      Toy Story non parlava davvero di giocattoli, ma piuttosto della paura di essere sostituiti. Ratatouille non riguardava solo la cucina, ma il desiderio di perseguire le proprie passioni, nonostante le proprie origini e la mancanza di supporto da parte della propria famiglia. Mentre i concetti fantastici invitavano il pubblico a entrare, la profondità emotiva li faceva rimanere con noi.

      Tuttavia, c'è un rovescio della medaglia. Sebbene questi temi siano estremamente pesanti, specialmente per film principalmente destinati a bambini e famiglie, i vecchi film non hanno mai perso di vista quanto tutto fosse giocoso, colorato e stravagante. Up era una meditazione sul lutto e sul lasciar andare, ma solo dopo aver introdotto il pubblico a una casa che fluttua nel cielo attaccata a palloncini.

      Da Universale a Personale

      Le recenti uscite della Pixar, come Onward, Turning Red, Elemental ed Elio, sono costruite attorno a esperienze emotive profondamente personali. Onward si concentra sul lutto e sulla perdita di un genitore; Turning Red esplora la pubertà e il trauma generazionale; Elemental esamina l'immigrazione e l'assimilazione culturale; Elio si concentra sulla solitudine e sul desiderio di appartenenza.

      Questi sono tutti temi degni, e quindi, il problema non è che la Pixar moderna sia diventata troppo emotiva. La Pixar è sempre stata emotiva. La differenza è che quelle emozioni si trovano sempre più in primo piano nella narrazione piuttosto che emergere naturalmente dalla premessa.

      Un esempio è, ammettiamolo, una delle voci più forti della Pixar degli anni 2020: Soul. Il film evoca temi simili all'esistenzialismo di Toy Story. Segue Joe Gardner, un musicista in difficoltà, che muore bruscamente prima di aver realizzato il suo sogno di una vita. Al momento della sua uscita, molti critici lo hanno considerato un ritorno in forma per lo studio.

      Ironia della sorte, Soul dimostra anche la sfida che affronta la Pixar moderna. I suoi temi di scopo e autovalutazione risuonano profondamente con gli adulti che si sono chiesti se stanno seguendo il giusto percorso nella vita. A differenza di Toy Story, tuttavia, Soul pone quei temi al centro della narrazione.

      Confrontando la paura di Joe Gardner di non realizzare mai il suo sogno con la paura di Woody di essere sostituito da Buzz Lightyear, alla base, entrambe le storie lottano con ansie sorprendentemente simili. La differenza è che Toy Story maschera quelle idee all'interno di una premessa leggera che chiunque può immediatamente comprendere, mentre Soul chiede al pubblico di impegnarsi direttamente con le sue domande filosofiche.

      Altri esempi includono Turning Red. La regista Domee Shi ha attinto pesantemente dalle proprie esperienze e dal proprio background culturale. Segue una ragazza adolescente che si trasforma in un panda rosso ogni volta che sente pressione dalla sua madre autoritaria. Allo stesso modo, il regista di Elemental, Peter Sohn, ha tratto ispirazione dalle esperienze personali della sua famiglia immigrata attraverso il popolo del fuoco spesso discriminato.

      Per molti spettatori, quella specificità è esattamente ciò che rende il film così potente. Tuttavia, rappresenta anche una deviazione dalle storie più ampie che un tempo definivano la produzione della Pixar. Sebbene la volontà della Pixar di esplorare culture diverse e esperienze personali sia ammirevole, queste storie sono spesso più specifiche nel loro focus rispetto ai lavori precedenti dello studio. Un film incentrato sulle aspettative generazionali all'interno di una famiglia cinese-canadese o di una famiglia immigrata, o persino un musicista aspirante che mette in discussione il senso della propria vita, potrebbe risuonare profondamente con alcuni spettatori, ma sono arguibilmente meno immediati rispetto a concetti costruiti attorno a giocattoli viventi, mostri parlanti o un ratto che sogna di diventare chef.

      L'Effetto Docter

      Questo cambiamento nella narrazione coincide con un cambiamento di identità creativa dietro le quinte. Sebbene sarebbe ingiusto attribuire l'evoluzione della Pixar a un singolo individuo, la transizione da John Lasseter a Pete Docter come voce creativa principale dello studio è difficile da ignorare.

      I film di Lasseter nei primi anni della Pixar esploravano frequentemente una vasta gamma di temi attraverso conflitti esterni e concetti più grandi della vita. Che si trattasse di Woody che affrontava la sostituzione o di Lightning McQueen che imparava l'umiltà, i viaggi emotivi erano spesso costruiti attorno a esperienze universali (giocattoli parlanti e auto antropomorfe) che rendevano i film visivamente distintivi e le loro avventure divertenti e colorate.

      Al contrario, la filmografia di Docter ha costantemente mostrato una fascinazione per la memoria, il lutto, il benessere mentale e l'elaborazione emotiva. Conosciuto per Up e Inside Out durante la gestione di Lasseter, il suo lavoro è profondamente introspettivo e preoccupato di comprendere le nostre vite interiori.

      Con il cambi