Crítica de los 2025 cortometrajes de animación nominados al Oscar

      En vísperas de los Oscar, hemos analizado todos los cortometrajes de cada categoría: Animación, Documental y Acción real. A continuación, los nominados al Mejor Cortometraje de Animación: Beautiful Men | Bélgica/Francia/Países Bajos | 18 minutos Tres hermanos. Una cita. Mucha niebla. Bienvenidos a Beautiful Men, de Nicolas Keppens, un cortometraje cómico ambientado en Estambul, en un hotel utilizado principalmente por su proximidad a un centro de trasplantes capilares de renombre mundial, reservado con tanta antelación que el error de Steven (Tom Dewispelaere) hará que todos hayan malgastado una tonelada de dinero. Porque no hay margen de maniobra para asegurarse dos plazas más durante su corto viaje. Y como él tomó la delantera y no se enteró de su error hasta la llegada, le toca a él dar la noticia. ¿Cómo decidirán quién va a cambiar su vida? Aunque al final se plantean esa pregunta, el hecho de que este trío (completado por Koen, de Peter De Graef, y Bart, de Peter Van den Begin) haya viajado tanto para someterse a esta intervención debería indicar que su dilema va más allá del pelo. Es cierto que la calvicie puede provocar ansiedad e inseguridad, pero, en la mayoría de los casos, estos "problemas" superficiales son producto de otros factores. Miedo a la intimidad. Miedo al aislamiento. Miedo a la mortalidad. Cada vez que Steven intenta quedarse a solas con los otros tres para darles la mala noticia, surge algo que distrae, frustra y/o consume a uno o más de ellos. Cada uno de ellos es una variación de un nervio en carne viva. Como tal, el remate obvio no es que quien gane dé un giro a su vida en detrimento de los demás; es la realidad de que adquirir un nuevo pelo no cambiará nada para ninguno de ellos. Seguirán siendo inseguros, celosos y codiciosos. Al final encontrarán otra cosa en la que fijarse o malinterpretar o sabotear. Son seres humanos imperfectos desesperados por un nuevo comienzo cuando parece más fácil que trabajar en el presente. El hecho de que estén representados mediante una de las animaciones en stop-motion más fluidas que he visto nunca, dentro de unos decorados increíblemente diseñados y construidos, no hace sino realzar su malestar, de modo que esos momentos de potencia emocional aterrizan con la auténtica mezcla de deseo y aquiescencia que merecen. B In the Shadow of Cypress | Irán | 20 minutos Los cambios de humor y los ataques de violencia inducidos por flashbacks han resultado ser demasiado para la hija de un capitán de barco retirado que sufre el TEPT de la guerra. Puede soportar la destrucción de la propiedad y las autolesiones porque está acostumbrada a controlarlo con medicación, pero su ceguera ante la realidad ha empezado a extenderse a las interacciones con ella. Así que prepara el desayuno, recoge sus cosas y se dirige a la puerta, deteniéndose brevemente cuando él se despierta para escucharle con la esperanza de que diga algo que la haga quedarse. Él guarda silencio y ella se va. Éste es sólo el prólogo de A la sombra del ciprés, de Hossein Molayemi y Shirin Sohani. La joven no se aleja mucho de su cabaña junto a la playa antes de soltar un grito. Es entonces cuando su padre salta a ver qué ha pasado y los dos se topan con una ballena en la arena. Sin mediar palabra, deciden colaborar para salvar a la bestia e intentan mantenerla mojada mientras tratan de arrastrarla de vuelta al agua mediante el remolque de una lancha motora. La frustración del fracaso desencadena inevitablemente otra reacción de rabia: el capitán se retira a los restos de su barco y a los horribles recuerdos a los que se aferra desesperadamente con sentimiento de culpa. La intensidad del drama aumenta a medida que los animadores ofrecen rápidos vistazos a ese pasado ineludible. Vemos dónde se origina su dolor y comprendemos la vergüenza que impulsa su relación con su hija. La textura de la animación en celdas de color se reduce a líneas para dar una mayor sensación de fractura y emoción abrasadora dentro de su mente, un contraste directo con las delicadamente bellas y surrealistas representaciones de la lucha emocional fuera de ella a través de formas que se derriten y se hacen añicos. En lugar de tratarse de la reconciliación o el perdón entre padre e hijo, el último intento desesperado del veterano por salvar a la ballena se convierte en aceptación y sacrificio. La única forma de seguir adelante es dejar finalmente todo atrás. B+ Caramelos mágicos | Japón | 21 minutos Los otros niños nunca le piden a Dong-Dong (Haruto Shima) que juegue con ellos, así que pasa el tiempo en los márgenes del patio de recreo, detrás de unos arbustos, para tirar canicas él solo. ¿Es producto de que no quieren ser sus amigos? ¿O es que nunca le han visto ni han notado una inclinación por unirse a ellos? Este es el tipo de preguntas que un niño pequeño como Dong-Dong no pensaría en desmontar; a menudo es más fácil ocuparse de uno mismo y no tener que pensar en nada más. No necesitas compartir. No necesitas preocuparte de que las cosas vayan mal. No sabes qué es lo que te estás perdiendo. La adaptación del libro Magic Candies, de Heena Baek, realizada por el director Daisuke Nishio y el guionista Ichiro Takano, introduce una forma fantástica en la que Dong-Dong se ve obligado a enfrentarse a esa incógnita. Sin embargo, no es un mal chico y no se trata de un intento de salvar su alma a lo Cuento de Navidad. Es simplemente una construcción a través de la cual es capaz de madurar, de abrir los ojos al hecho de que no es difícil darse cuenta de que das por sentado el mundo que te rodea. Demonios, no es difícil darse uno mismo por sentado. Al proporcionarle a Dong-Dong una bolsa de caramelos como canicas con la capacidad de darle un sexto sentido para conversar con lo imposible, por fin puede escapar de su propia cabeza. Primero es el sofá. Luego el perro. Le explican cómo les afecta la vida, cómo no es personal cuando roban el mando a distancia o sólo quieren dormir respectivamente. Es simplemente lo que ocurre con el uso y la edad, y él no debería echárselo en cara. Ahora que lo entiende, puede apoyarles mejor para que ellos le apoyen a él. Añade una burbuja al cielo y un vistazo al interior del corazón de un padre duro pero justo -palabras que vuelan por el aire con el físico, como cojines de sofá u hojas, para dejar su huella- y es como si se hubiera abierto una puerta. Dong-Dong sólo debe atravesarla sabiendo que su voz posee el poder de permitir que el mundo le conozca mejor a él también. B+ Wander to Wonder | Países Bajos/Bélgica/Francia/Reino Unido | 13 minutos Es una idea desquiciada y salvajemente inventiva originada por la directora Nina Gantz y Simon Cartwright (que se asociaron con Daan Bakker y Stienette Bosklopper para escribir el guión). Piensa en el "Barrio de fantasía" de Mister Rogers mezclado con Toy Story de una forma oscuramente deprimente en la que las queridas marionetas (Mary, de Amanda Lawrence, Billybud, de Terence Dunn, y Fumbleton, de Toby Jones) existen fuera de la imaginación de su presentador del programa infantil, el tío Gilly (Neil Salvage). Cuando éste muere trágicamente sin previo aviso, estas diminutas criaturas se quedan solas para valerse por sí mismas en el único mundo que han conocido: su estudio de cine de bricolaje. Pero hay una advertencia adicional en Wander to Wonder. Estas "marionetas" son en realidad humanos en miniatura con disfraces peludos. El resultado es un territorio insular en el que los tres deben ingeniárselas para sobrevivir físicamente (destrozar botes de pepinillos ayuda), emocionalmente (leyendo viejos correos de fans y usando la videocámara para grabar "nuevos episodios" en cintas VHS que nunca salen al aire) y psicológicamente (la locura no es suficiente para describir su descenso a la locura de El señor de las moscas). Sin nadie que supervise o sea testigo de esta extraña temporada de programación sin guión, la decencia y la cordura decaen rápidamente. Gantz ofrece otro glorioso ejemplo de animación stop-motion con un impecable diseño de producción para revelar cuánto tiempo lleva solo el trío y lo desesperados que se han vuelto. Una montaña de cintas VHS trepa hacia una ventana esmerilada que da a un mundo en el que no pueden entrar. Las moscas zumban alrededor de la creciente suciedad y los desperdicios. Y dos zapatos permanecen en una posición tal que podemos suponer que siguen en los pies de su difunto cuidador. Es un triste estado de cosas que lleva a la experimentación, a asumir riesgos innecesarios y a una inevitable limpieza destructiva a gran escala que, sin saberlo, proporciona la oportunidad de su tan esperada liberación ¡Asco! | Francia | 13 minutos Combatir la vergüenza ya es difícil de por sí; añadir la capacidad de que el mundo sepa cuándo deseas un beso probablemente mataría a todo el mundo en el acto. Ése es exactamente el mundo en el que viven los jóvenes Léo (Noé Chabbat) y Lucie (Katell Varvat). Cuando una pareja mayor se mira anhelante a los ojos, sus labios empiezan a brillar con un destello resplandeciente. Lo mismo ocurre con la pareja más joven detrás del tobogán. Y los jugadores de fútbol que ven los mejores momentos en su teléfono. A Léo, Lucie y sus amigos les parece tan asqueroso que buscan excitados a otros dúos que corren el riesgo de besarse para reírse, señalar y gritar "¡qué asco!" La película de Loïc Espuche trata de la presión de grupo y de nuestro deseo de conformarnos. Porque no es nuestro miedo a ser señalados por algo malo lo que nos paraliza; es la probabilidad de que nos ganemos esa etiqueta de "malos" independientemente de que nuestra acción lo fuera. Cuando Léo descubre que sus propios labios brillan al ver a Lucie, su reacción instantánea es esconderse. No porque se avergüence de que ella descubra que le gusta, sino porque todos los demás también podrían hacerlo. Y si un compañero se burla de él, los demás están destinados a seguirle. No importa que la persona que más grite "piojos" lo haga a menudo porque debe desviar la atención de sí misma por hacer lo mismo. El resultado puede ser doloroso: la predilección de la humanidad por la autocensura es alta. Preferimos sabotear nuestra felicidad que lidiar con el dolor de los celos externos. Aunque Lucie corresponda a la curiosidad de Léo por devolverle el beso, la humillación que la sociedad utiliza para estigmatizar los actos de naturaleza íntima o sexual no dejará que esa victoria venza la promesa de abuso. Empieza a sentir que se merece el ridículo, que debería despreciarse a sí mismo por querer lo que el mundo dice que está mal como medio de control en lugar de educación. Afortunadamente, cuando cae la noche y la pretensión se borra con la fantasía involuntaria de los sueños, Léo podría descubrir la hipocresía y encontrar el valor para vencer. B A partir del 14 de febrero, los estrenos de la 20ª edición anual de los Cortometrajes Nominados a los Oscar®, presentados por SHORTS, se estrenarán únicamente en los cines. Para saber más sobre los cines participantes y cómo comprar entradas, visite www.shorts.tv/theoscarshorts.