10 Películas De Terror Esenciales De Combustión Lenta Para Ponerte De Los Pelos De Punta

      Casey Chong con diez espeluznantes películas de terror a cámara lenta…

      Una de las cosas más interesantes del género de terror son sus diversos elementos de la A a la Z, desde horror corporal hasta metraje encontrado, fantasía oscura, slasher y sobrenatural. Luego, está el horror de combustión lenta y, como su nombre indica, este subgénero se centra en la acumulación deliberada de personajes y la situación antes de que la historia se convierta gradualmente en una recompensa emocionante. Una sensación típica de pavor con el uso de música, diseño de sonido, imágenes y estilo de dirección se ve a menudo en las películas de terror de grabación lenta. Algunos espectadores pueden odiar el subgénero debido a la naturaleza de su narración, pero si eres uno de ellos que ama todo lo relacionado con el terror de combustión lenta, tenemos una lista aquí con 10 de los mejores que vale la pena echarle un vistazo…

      El resplandor (1980)

      "¡Aquí está Johnny!"Esa línea icónica de Jack Nicholson sigue siendo uno de los momentos más definitorios de la cultura pop en la historia de las películas de terror (de combustión lenta). Pero antes de que Jack Torrance, de Nicholson, se vuelva completamente loco, la dirección magistral de Stanley Kubrick en El Resplandor toma las cosas de manera lenta pero segura en su enfoque deliberado desde el principio. Cómo un escritor, que también es un alcohólico en recuperación, intenta completar su historia mientras se convierte en el cuidador del Hotel mountainside Overlook con su familia (Shelley Duvall y Danny Lloyd).

      Kubrick usa inteligentemente la sensación de aislamiento para evocar la salud mental de Jack Torrance junto con el suceso enigmático y sobrenatural que ocurre en el hotel antes de que llegue a su punto de quiebre. La película también incorpora imágenes vívidas (la legendaria toma de seguimiento de Steadicam de Danny montando en un triciclo de plástico por el pasillo antes de tropezar con dos gemelos idénticos, el río de sangre que fluye penetrando a través del ascensor) y el temor premonitorio que sigue llegando hasta que se desata el infierno. Pago suelto.

      El bebé de Rosemary (1968)

      El entonces famoso corte de pelo de duendecillo de Mia Farrow, diseñado por el legendario Vidal Sassoon, puede haber sido lo más destacado de la película, pero hay más en este clásico de terror lento de Roman Polanski de 1968. El tipo de ejemplo de libro de texto de cómo una película usa temas provocativos, en este caso, alegoría religiosa y práctica satánica, con un efecto deliberadamente lento e hipnótico.

      Polanski se toma su tiempo para contar la historia del personaje principal (Farrow, en una de las mejores actuaciones de su legendaria carrera) y cómo su embarazo infunde miedo y trastorno de ansiedad continuos. Su ritmo pausado también le permite incorporar una persistente sensación de inquietud con el estado de ánimo que se vuelve cada vez más siniestro a medida que avanza la película. Para cuando la película finalmente aterriza con una recompensa escalofriante, Rosemary's Baby sella el trato como uno de los horrores de combustión lenta más influyentes jamás creados.

      La bruja (2015)

      Hay algo maligno al acecho dentro del bosque aislado de la Nueva Inglaterra ambientada en el siglo XVII, lo que le permite a Robert Eggers, en su asegurado debut como director, envolver a La Bruja con capas de temor siniestro. Su enfoque lento es el trabajo de un cineasta hábil que sabe bien cómo hacer uso del entorno claustrofóbico y el diseño de sonido junto con el poder de la ambigüedad y la sugerencia. Él cree que enfatizar el estado de ánimo y la atmósfera puede ser más aterrador que el susto, la sangre y la violencia habituales en la cara. La película también puso a la entonces desconocida Anya Taylor-Joy en el mapa de Hollywood como uno de los jóvenes talentos más prometedores para la generación actual.

      Hereditario (2018)

      Hereditary marca el debut como director de Ari Aster, mostrando su talento para un horror elevado de ritmo deliberado con un excelente control en la ubicación de la cámara y una paleta visual atmosférica desde el primer momento. Aster, quien también escribió el guión, puede haber pisado un terreno familiar al explorar el dolor y la familia disfuncional, pero la acumulación que induce al temor es un golpe maestro de cómo debería ser un horror de combustión lenta. Algo está mal que desencadena la familia aparentemente maldita liderada por Annie (Toni Collette, en una de sus actuaciones más intensas hasta la fecha) y cómo su hija Charlie (Milly Shapiro), emocionalmente distante, a menudo actúa de manera extraña. Aster hace un gran trabajo sorprendiendo a los espectadores con la guardia baja en un momento de la película mientras avanza sigilosamente su película con imágenes siniestras, un diseño de sonido escalofriante y la formidable partitura de Colin Stetson.

      Midsommar (2019)

      Siguiendo Hereditary, la secuela de segundo año de Ari Aster ve al escritor y director cruzar sin problemas al territorio del horror popular en Midsommar. Rinde homenaje a The Wicker Man, el clásico del género de 1973 y ciertamente no tan desacertado remake de 2006, ya que la historia sigue a un grupo de jóvenes amigos (entre ellos interpretados por Florence Pugh y Jack Reynor) en un viaje al festival titular de Suecia en algún lugar de un pueblo remoto.

      Aster continúa empleando la misma técnica deliberada de grabación lenta para absorber los resultados mientras llena su película con imágenes evocadoras y una paleta visual distintiva. Puede que la película haya durado más que su debut en 2018, pero seguro que no se queda más allá de su bienvenida, gracias a la brillante dirección de Aster. Él sabe bien cómo presionar el botón correcto cuando se trata de la recompensa, lo que resulta en una serie de momentos espeluznantes y sorprendentemente gráficos. Si es posible, busque el corte del director de 171 minutos, que agrega alrededor de 25 minutos de metraje adicional.

      No mires ahora (1973)

      La meditación deliberada de Nicholas Roeg sobre el dolor que impacta a la afligida pareja interpretada por Donald Sutherland y Julie Christie después de la trágica muerte de su pequeña hija (Sharon Williams) es un clásico lento. También profundiza en la visión psicológica y emocional de los arcos de personajes de Sutherland y Christie, al tiempo que saca lo mejor de sus respectivas interpretaciones. La premonitoria sensación de pavor se filtra lenta pero seguramente con una paleta de colores cambiantes, una cinematografía atmosférica y motivos recurrentes que dominan a lo largo de la película.

      Y sin olvidar, el ingenioso estilo de edición de mezclar y combinar que refleja sutilmente lo enigmático que sucede antes de que Roeg termine su película con una revelación impactante, donde puede que lo veas venir o no. Don't Look Now puede haber sido demasiado lento para los estándares actuales (léase: períodos de atención cortos), pero aquellos que sean lo suficientemente pacientes serán recompensados con la dirección de prestidigitación de Roeg destinada a desafiar su percepción e interpretación en su narración ambigua.

      Sesión 9 (2001)

      Las obras de Brad Anderson pueden haber sido inconsistentes en estos días. Pero hubo un momento en que solía darnos algunas tarifas de género notables y una de ellas incluye Session 9 en 2001. El gancho narrativo radica en el brillante uso que hace la película del entorno de la vida real: el Hospital Psiquiátrico Estatal de Danvers ubicado en Massachusetts, que se lleva a cabo de manera destacada para contar una historia sobre un equipo de eliminación de asbesto de cinco personas asignado a un trabajo de limpieza en un asilo mental abandonado. Dirigida por David Caruso, anterior a CSI: Miami, en una de sus actuaciones más atractivas hasta la fecha, la película no solo está bien actuada, sino que los créditos también se refieren al enfoque deliberado y lento de Anderson al evocar miedo y pavor genuinos que te mantienen enganchado hasta el final.

      Sigue (2015)

      Imagina si alguien o algo peor, algo te está siguiendo. Esto hace que valga la pena explorar un tema escalofriante, ya que el guionista y director David Robert Mitchell explora el miedo a lo desconocido asociado con el miedo, el pavor y la paranoia en It Follows. Vale la pena señalar que esta es solo su segunda película después de su drásticamente diferente, una comedia romántica, en The Myth of the American Sleepover de 2010 y, sin embargo, ya se estableció como un estilista visual seguro.

      Su enfoque se hace eco de las películas de terror al estilo de los años 70 y 80, al tiempo que incorpora ubicaciones de cámaras de la vieja escuela y composiciones filmadas que evocan las obras anteriores de John Carpenter, en particular su seminal Halloween. Se basa en gran medida en el estado de ánimo y la atmósfera acentuados por la partitura de Disasterpeace, cargada de sintetizadores, pero inquietante. It Follows también presenta la atractiva actuación central de Maika Monroe, mientras que Mitchell logra deslizarse en el contexto alegórico de las ETS y el sexo adolescente más allá de la convención de género de la película.

      Deja entrar al Correcto (2008)

      Esta importación sueca del director que luego haría el intrincado thriller de espías de la vieja escuela Tinker Tailor Soldier Spy demuestra su talento para un horror deliberado de combustión lenta infundido con su distintiva sensibilidad de autor. Let the Right One puede haber estado lidiando con el género de vampiros tan común, pero Tomas Alfredson, trabajando a partir del guión adaptado de John Ajvide Lindqvist de la novela homónima de 2004 de este último, explora el interesante ángulo de una relación improbable entre un chico solitario (Kåre Hedebrant) y una chica misteriosa( Lina Leandersson), que resulta ser un vampiro. El enfoque de la mayoría de edad y el romance es lo que distingue a Let the Right One In, mientras que Alfredson imbuye su película de imágenes cambiantes y un sutil drama impulsado por los personajes. La película también se destaca por su pago escalofriante, pero violento, ambientado en una piscina.

      VER TAMBIÉN: Deja Entrar al Correcto: Una Obra Maestra del Horror Poético

      El orfanato (2007)

      Mucho antes de que J. A. Bayona explorara diferentes territorios de género, desde el desastre (Lo Imposible) hasta la fantasía (Un monstruo viene a verme), la ciencia ficción (Jurassic World: El Reino Caído) y la historia real(La Sociedad de la Nieve), el aclamado cineasta español comenzó a dirigir un horror sobrenatural. El tipo de historia de fantasmas de la vieja escuela hecha en un estilo clásico, ya que la historia sigue a un niño pequeño que se hizo amigo de un nuevo "amigo" invisible en el antiguo orfanato titular. Guillermo del Toro, quien se desempeña como productor ejecutivo, tiene sus impresiones visuales de influencia gótica en toda la película, pero Bayona demuestra ser un as estilista visual, incorporando el brillante uso del sonido, las sombras y las formas para resaltar la creciente sensación de pavor.

      Casey Chong

      La película de terror de Flickering Myth, The Baby in the Basket, se está transmitiendo ahora a través de Tubi en los EE. UU. y a través de Prime Video, Apple TV y Sky Store en el Reino Unido, así como en tiendas y en Amazon y HMV en DVD.