Entrevista exclusiva – la diseñadora de vestuario de Hamnet, Malgosia Turzanska

      Entrevista exclusiva con la diseñadora de vestuario de Hamnet, Malgosia Turzańska…

      Con la temporada de premios a la vuelta de la esquina y recién salida de la temporada de festivales, hablamos con la diseñadora de vestuario de Hamnet, Malgosia Turzańska, sobre la respuesta a la película, la implicación de la directora Chloé Zhao y la creación de una visión única de una película basada en Shakespeare.

      ¿Cuál fue su punto de partida y cuánto involucrada estuvo Chloé Zhao?

      Cuando empecé a hablar con Chloé sobre la película, quedó muy claro que nuestro objetivo era centrarnos en la historia de Agnes y Will, su poderosa historia de amor y su intento de encontrarse a sí mismos y el uno al otro frente a esta increíble tragedia. Siempre fue Will y Agnes más que William Shakespeare y Anne Hathaway. Fue una exploración viva y respirante del duelo y de la identidad artística más que un intento de reconstrucción histórica. Creo que por eso la historia está resonando tanto con el público: Chloé la impregnó de vida en lugar de intentar encontrarla en el pasado.

      Hamnet es más agreste que las habituales películas sobre Shakespeare. ¿Cómo abordaste eso?

      Para quitar a los personajes históricos del pedestal, me pareció importante que los vestuarios no fueran en absoluto pretenciosos. Miré muchas pinturas de clases bajas para obtener ideas sobre cómo se llevaba la ropa de la época de una manera no afectada. De ahí surgió la camisa abierta de Will, sus mangas remangadas. Queríamos asegurarnos de que todo se sintiera real y vivido. Sus dedos están cubiertos de manchas de tinta; siempre lleva un penner en el cinturón en lugar de una daga (un contenedor para un tintero portátil y una pluma).

      Agnes, como criatura del bosque, siempre está cubierta de algún barro o manchas de plantas. Hay sudor, hay suciedad, hay la evidencia del entorno en su ropa. Trabajé muy de cerca con nuestra increíble diseñadora de producción, Fiona Crombie, y quería asegurarme de que sintiéramos el mundo que ella había construido para nuestros personajes, que pareciera que pertenecen a él.

      ¿Hubo inspiraciones particulares para los vestuarios de Agnes y William? ¿Puedes contarnos la evolución de los vestuarios de Agnes y William a lo largo de la película, a medida que evoluciona la naturaleza de su relación?

      Mi punto de partida para el personaje de Agnes fue la imagen de un corazón gigante bombeando sangre fresca y vibrante, palpitando lleno de vida. Ella también es un producto del bosque: cuando la vemos en la primera toma acurrucada entre las raíces del árbol, parece haber crecido orgánicamente de él. Es como una baya: una que podría curarte, pero que también podría envenenarte si no sabes cómo manejarla. Para mí era importante enfatizar su conexión con la naturaleza a través del tacto y las texturas de su ropa. El primer corpiño que lleva está hecho en realidad de tela de corteza, el textil fibroso que se encuentra entre la corteza y el tronco de un árbol. No es un textil isabelino en absoluto; se consiguió en Uganda, pero su aspecto y tacto maderoso lo hicieron perfecto para Agnes.

      Sus otras prendas son principalmente de lino, también una fibra vegetal, y los corpiños están sutilmente bordados para parecer corteza, o venas con sangre fluyendo. A medida que avanza en el arco de la historia, sus rojos vibrantes se vuelven más oxidados, un poco como sangre secándose; luego, cuando llora a Hamnet, los colores pierden todo su matiz por completo y se convierten en grises, marrones y tonos ciruela, como costras. Su corpiño se asemeja a un trozo de corteza reseca que se convertiría en polvo al tocarlo. Cuando la vemos viajar a Londres al final, el flujo de su sangre vuelve gradualmente y recupera algo del color inicial.

      Para Will hubo un par de hilos en juego. Uno fue la escala de grises, que obtuvimos diluyendo la tinta de agallas de roble con hierro, la tinta real que usaba Shakespeare. Añadimos algunos verdes y azules a sus looks iniciales, enfatizando su conexión con el río: lo vemos procesando sus sentimientos a través de su contacto con el agua. La escala de grises también caracterizaba los trajes de su casa familiar. Como viven con un padre abusivo, me pregunté qué haría la madre, interpretada brillantemente por Emily Watson, para proteger a sus hijos de sus arrebatos. Ella no se enfrenta físicamente a él, pero pensé que equiparía a los niños con algún tipo de escudo. Sus vestuarios están todos en una escala de grises, para que puedan mezclarse un poco con las paredes de la casa y no provocarlo, no destacar demasiado. Pero también estaba mirando ropa deportiva vintage para acolchados (además de las ya pronunciadas formas isabelinas), así que la ropa está ya sea acolchada o tiene algún acolchado en la tela, para que pueda amortiguar un posible golpe.

      Will lleva un jubón acolchado de forma irregular cuando lo conocemos por primera vez. También lleva una capa hecha de cuero con marcas hechas con láser que parece casi la parte inferior de un hongo. Imaginé metafóricamente que viene de las constantes puyas de su padre hacia él. El padre lleva un collar con un palillo de dientes —lo cual era costumbre en la época—. Es como una garra y tiene un aspecto violento, y pensé que lo usa para pinchar constantemente a su hijo, intentando romper su piel y su espíritu. Empezamos con esos arañazos y luego, a medida que avanzamos en la historia y Will se frustra cada vez más consigo mismo, cambia a un jubón de cuero grueso, que parece casi cuero de elefante agrietado, y está cubierto de tajos.

      Esta es una técnica isabelina tradicional llamada pinking, pero para nosotros, en lugar de usarla de forma ornamental, significa el viaje emocional del personaje. Tras la muerte de Hamnet, vemos a Will en Londres con un jubón donde los cortes pequeños se han convertido ahora en tajos gigantes que gritan en silencio. Finalmente, cuando lo vemos como un fantasma, está cubierto por una capa de arcilla agrietada que se rompe más con cada movimiento, hasta que se lava todo y por fin empieza a llorar.

      Debes estar encantada de que tanto Train Dreams como Hamnet estén siendo tan bien recibidas por el público y por los organismos de premios.

      Ha sido increíble ver al público responder con tanta emoción a ambas. Hice estas dos películas una tras otra, así que mientras conducía por las nieves de Spokane escuchaba podcasts sobre el Londres isabelino, sobre Shakespeare, o libros como How To Be a Tudor, solo para ponerme en la mentalidad adecuada antes de viajar al Reino Unido. Pero ambas películas resuenan profundamente en mí. Como cineastas, estamos tanto tiempo fuera de casa para seguir nuestros sueños de trabajo, pero, por supuesto, eso significa dejar atrás a los seres queridos durante largos periodos e intentar navegar esas relaciones y equilibrar la vida y el trabajo. Ambas películas, por supuesto, tratan de aprender a afrontar la pérdida y el duelo. Ambas son tan especiales para mí, ¡y estoy muy orgullosa de ellas!

      ¿Hubo desafíos particulares para los vestuarios de Hamnet?

      El mayor desafío fue navegar la época y los personajes, asegurándonos de mantener el respeto por los detalles históricos sin asfixiar a los personajes ni perder su identidad.

      Pero creo que mi desafío favorito fue todo el Globe, tanto los intérpretes en Hamlet como el público. En cuanto al público del Globe, teníamos 350 actores de fondo. Como los rodamos al final del calendario, hicimos pruebas de vestuario para extras durante toda la duración del rodaje. Tuvimos tiempo para construir piezas que nos faltaban —algunos tocados, partletas, cinturones, bolsas— solo para asegurarnos de que todos pertenecieran a un mundo coherente, pero, sobre todo, que cada persona pareciera un personaje real, con capas y texturas. Los actores de fondo están justo allí alrededor de Jessie y Joe en el último momento de la película, rodeándolos, riendo y llorando, respondiendo a la obra. ¡Fueron simplemente increíbles!

      En cuanto a los intérpretes, decidí tomar un poco de licencia poética para que funcionara. En la época de Shakespeare, los actores habrían llevado ropa muy parecida a la del público. Esto les ayudaba a conectar con la obra y verse a sí mismos en la historia. Eso no funciona para nosotros como audiencia cinematográfica moderna, así que decidí apartarme de la exactitud histórica. Mantuve las bellas formas isabelinas, pero construimos los vestuarios con lino crudo y luego pintamos la tela con una capa de pintura de látex moderna, con pinceladas visibles y dejando asomar parte del lino.

      Servía para un par de propósitos. Imaginé que si vieras vestuarios así hoy en un teatro de Brooklyn, aún funcionarían y no parecerían anticuados. Así que existen en algún punto entre ahora y entonces, con la esperanza de conectarnos con ellos de forma significativa. Y lo otro era que ver las pinceladas enfatizaba que esto es solo el comienzo de la vida de esta increíble obra. No está calcificada de ninguna manera todavía; no se ha representado un millón de veces. Esto es solo su principio, y ves el proceso de cómo se crea, se piensa. Es simple y sin adornos, e imaginé que para el vestuario de Hamlet, Will intentaría recordar a su hijo y representarlo de una manera simplificada, pintando el vestuario con los colores de Hamnet, incluyendo el pelo dorado pintado, como sus hijos.

      Muchas gracias a Malgosia Turzańska por tomar su tiempo para esta entrevista.

      Chris Connor