10 Películas Esenciales de 1966

      Es un viaje de regreso a los años 60 para estos filmes esenciales de 1966…

      1966 tiene mucha relevancia para los amantes del fútbol inglés, ya que ese año marcó el primer (y hasta ahora único) trofeo de la Copa del Mundo de Inglaterra. ¿Recuerdas los días de gloria de Euro 96 y el gran himno de Inglaterra que lo acompañaba, Three Lions (de Baddiel, Skinner y los Lightning Seeds)? Una línea dice: “30 años de dolor.” Bueno, ahora son 60 años de dolor para los aficionados al fútbol. ¿Qué tiene esto que ver con el precio de las manzanas, dirás? Nada, pero hay una Copa del Mundo en el horizonte, así que se me vino a la mente.

      Pero 1966 no fue solo la mejor hora del equipo nacional de Inglaterra. No, también fue un año lleno de cine increíble en un período de notable transición en prácticamente todo el mundo cinematográfico. Hollywood estaba llegando al final de una era, comenzando a empujar más límites en la censura, y la era del Nuevo Hollywood estaba a solo unos años de distancia. Japón se alejaba de las películas de samuráis y del tipo de cine minimalista por el que era famoso el difunto Ozu, para impulsar un extraño, maravilloso y experimental cine de autor. El cine británico estaba en los inicios del "kitchen sink" y un enfoque más inspirado en el neorrealismo en lugar del melodrama que había precedido, mientras que ocasionalmente jugueteaba con convenciones y un enfoque en personajes más complicados (y defectuosos). Otras naciones estaban apreciando un control más relajado sobre la censura. Aquí están las películas esenciales de 1966…

      Andrei Rublev

      El auspicioso debut en largometraje del autor ruso Andrei Tarkovsky, Ivan’s Childhood, fue una película de guerra ágil, etérea y conmovedora. Sigue siendo su más “accesible.” En cuanto a los esfuerzos de segundo año, Andrei Rublev, un biopic épico, de autor y creativamente desatado, fue algo extraordinario. Tres horas (y un poco más) al paciente ritmo de Tarkovsky, pero lleno de imágenes impresionantes, diálogos filosóficos y vuelos de realismo mágico onírico. ¿Quién demonios hace un épico histórico de autor grandioso? Sí, Andrei Tarkovsky.

      Si bien la película requiere un espectador atento, los increíbles visuales te atrapan desde el principio, y las profundidades ocultas recompensan las visualizaciones repetidas. Para muchos, como la mayoría de las obras de Tarkovsky, la experiencia puede ser trascendental.

      El Bueno, El Malo y El Feo

      El clásico que cierra la trilogía de Sergio Leone, El Bueno, El Malo y El Feo, es probablemente la obra más icónica del gran maestro del Spaghetti Western. La película presenta algunas de las imágenes que más definieron el apogeo de Clint Eastwood como héroe del género western. Los impresionantes fotogramas de Leone estallan de color y son acompañados a la perfección por la legendaria música de Ennio Morricone.

      Pocos westerns son tan buenos, y uno que logra estar a la par con él, Érase una vez en el Oeste, de 1968, también fue creado por Leone. Aquí, sin embargo, Eastwood hace el estoicismo mejor que nadie, con grandes enemigos en Lee Van Cleef y Eli Wallach. Todo culmina en uno de los grandes finales del western.

      Alfie

      Bill Naughton adaptó su obra de teatro para la gran pantalla, con Lewis Gilbert dirigiendo. Alfie tiene a Michael Caine en una forma absolutamente icónica como el Casanova de clase trabajadora titular. Alfie se volvió infame por su encantador pícaro que rompe la cuarta pared, y Caine lo interpreta a la perfección. Es un mujeriego narcisista que no exige simpatía, pero que sigue siendo inquebrantablemente agradable.

      La película también se realizó en un momento interesante de la historia, con las dinámicas de género comenzando a cambiar, y el machismo de Alfie y sus travesuras de Playboy comenzando a parecer anticuados. Como tal, la película sigue siendo algo premonitoria, particularmente en la era de la "manosfera". La escritura es increíble, la banda sonora es genial, y el elenco de apoyo también le da a Caine un gran respaldo.

      Blow Up

      Michelangelo Antonioni fue más famoso fuera de Italia por su trilogía de alienación, L’Avventura, La Notte y L’Eclisse. Luego hizo Blow Up, su primera película en inglés. Hecha y ambientada en los años 60, con David Hemmings como un fotógrafo de moda disfrutando de los excesos de la década, pero que comienza a creer que puede haber capturado un asesinato en una de sus fotos.

      El thriller de misterio impregnado de paranoia es estiloso, glamoroso y hermoso de ver, proporcionando mucha inspiración para los cineastas de thrillers de paranoia en los años 70 y más allá (notablemente Brian De Palma). No es la mejor de Antonioni ni tan engañosamente compleja como L’Avventura (por ejemplo), pero probablemente es su trabajo más convencional, que aún mantiene muchas idiosincrasias.

      Persona

      La capacidad de Ingmar Bergman para cambiar entre tonos y géneros, mientras siempre mantiene un drama psicológico profundamente complejo, lo marca como uno de los grandes de todos los tiempos. Su habilidad visual era increíble, capaz de crear y capturar imágenes inolvidables. Lo que también hizo Bergman fue crear un grupo de colaboradores frecuentes y confiables que sabía que podían transmitir su trabajo sin palabras. Las películas esotéricas basadas en mostrar y no contar requieren actores capaces de eso.

      Dos de esos pilares de Bergman, Bibi Andersson y Liv Ullmann, actúan juntas en Persona, un oscuro y fascinante drama psicológico con una actriz (Ullmann) que no hablará después de un incidente en el escenario, que se queda en un retiro con una enfermera (Andersson). En gran medida una pieza de cámara, con los dos personajes, Bergman conjura increíbles visuales en un blanco y negro marcado, llenos de ideas laberínticas y una lenta fusión entre los personajes.

      Seconds

      No fue solo Bergman quien hizo extrañas y perturbadoras películas psicológicas sobre la identidad, con increíbles visuales en blanco y negro en 1966. Seconds de John Frankenheimer fue una película que tardó décadas en realmente encontrar el legado que merecía. Fue nominada a la Palma de Oro en Cannes; sin embargo, eso no suele ir de la mano con el éxito convencional, como fue el caso con la película de bajo presupuesto de Frankenheimer.

      El estilo de la película y sus impactantes fotogramas (fue nominada al Oscar por su impresionante cinematografía), junto con sus cada vez más inquietantes emociones, la hicieron estar adelantada a su tiempo en muchos aspectos, y como tal, ha envejecido bien. Se siente fresca, mientras Rock Hudson se adentra en aguas que se sienten diferentes de su obra, proporcionando poder estelar junto con una de sus actuaciones más interesantes.

      La Batalla de Argel

      Las películas de guerra estaban experimentando un período indiferente en Hollywood, con el género sintiendo que había pasado un pico, y viniendo antes de un período en gran medida centrado en Vietnam en la década siguiente. Sin embargo, en Europa, había muchas que podían sentirse audaces y revitalizantes, mientras aún capturaban adecuadamente los horrores de la guerra. La Batalla de Argel fue una de ellas.

      La película de Gillo Pontecorvo es famosa por su visceral metraje de estilo documental. La película se siente inmediata, terrenal y cruda, y te envuelve bastante rápido. No está exenta de un florecimiento dramático, sin embargo, que proviene más de la banda sonora acompañante de Ennio Morricone, quien te recuerda que esto es cine.

      Tokyo Drifter

      La creatividad se lanza al viento con un enfoque errante hacia la narrativa en forma de Tokyo Drifter. Es colorida, pulposa y salta de la pantalla con colores audaces y decorados vanguardistas. Llegando durante un auge en el cine de gánsteres japonés, resultó ser una película que empoderó creativamente a muchos que vinieron después, y de igual manera, a varias generaciones de cineastas en todo el mundo. Grita ser una película que probablemente ha permeado algunos de los fotogramas de Tarantino.

      Tetsuya Watabi es genial como un ex asesino a sueldo de la Yakuza que intenta salir del mundo, solo para ser rastreado por asesinos. La fantasía libre del director Seijun Suzuki mantiene esta película tan evocadora como lógicamente evasiva.

      Margaritas

      Una piedra angular clave en la Nueva Ola Checa, Margaritas es una sátira absurda, anárquica y mordaz que, entre otras cosas, se burla de los regímenes comunistas. Como tal, fue prohibida durante años en su país natal antes de convertirse inevitablemente en un punto de orgullo en una sociedad más creativamente libre.

      Esta no está hecha para tener sentido, con sus dos protagonistas, Ivan Karbanova y Jitka Cerhova, infecciosas como las dos