I 10 migliori film del 2025 di Caleb Hammond

      Dopo la classifica collettiva delle 50 migliori pellicole del 2025 stilata da The Film Stage, come parte della nostra copertura di fine anno, i nostri collaboratori condividono le loro top 10 personali.

      Creare una lista di fine anno significa confrontarsi con tre momenti distinti nel tempo: si riflette sul momento esattamente un anno prima, quando, pieni di cieco ottimismo e speranza, si prevedeva l’anno a venire. Poi si riflette su quell’anno passato vero e proprio. (insert clip “Expectations vs. Reality” da (500) Days of Summer.) Infine si guarda di nuovo avanti con un’ottimismo sfrenato per l’anno imminente.

      L’anno scorso prevedevo un 2025 guidato dal cinema spettacolare. Non è stato proprio così, per varie ragioni, la più evidente delle quali è che il mio film preferito del 2025 è un indie di 76 minuti che si svolge in un’unica location con due attori. Adesso guardo al 2026 e penso che forse ero solo un anno in anticipo. Succede spesso nello sport: una squadra scambia per una superstar e tutti la incoronano subito favorita per il titolo, ma in realtà è l’anno successivo che è più attrezzata per vincere tutto. Quindi il 2026 potrebbe essere l’anno vero per i blockbuster. A sostegno del mio punto, gli ascoltatori del podcast The Town sapranno che gli incassi al botteghino potrebbero superare i 10 miliardi di dollari per la prima volta dal 2019. Uno sguardo distratto al calendario rivela The Odyssey di Chris Nolan e un film sugli UFO estivo di Spielberg — una coppia promettente come poche. Pur essendoci sempre indie che catturano il mio cuore — da Friends and Strangers di James Vaughan a Good One di India Donaldson fino a AGGRO DR1FT di Harmony Korine — ogni anno porta la promessa di un sano mix di tutto: il grande e il piccolo, l’intimo e il abbagliante.

      Tornando al 2025, l’inverso della celebre battuta di Amleto — «la donna protesta troppo, credo» — suona verosimile: la generale mancanza di dibattito sul fatto che sia stato un buon anno o meno significa che lo è stato senz’altro. Molti film che mi sono piaciuti sono assenti dal riepilogo qui sotto, ma fortunatamente figurano nella lista principale di questa pubblicazione. Alcuni critici l’hanno considerato più un anno di quantità, con una moltitudine di titoli buoni ma senza nessuno veramente grandioso. Potrei accettare quel pensiero, anche se le mie tre scelte migliori potrebbero competere in qualsiasi anno.

      Menzioni d’onore: Avatar: Fire and Ash – Pur essendo per lo più una riproposizione scena per scena del superiore Way of the Water, giova del fatto di essere il più divertente dei tre. Blue Moon – L’ho visto tardi e probabilmente sarebbe stato nella mia top 10 se l’avessi visto prima. Richard Linklater dovrebbe collaborare più spesso con lo sceneggiatore Robert Kaplow. The Chair Company – La sua inclusione è dovuta al fatto che molti critici hanno inserito Twin Peaks: The Return nelle loro liste di fine anno del 2017. Una delle opere lynchiane più autentiche della memoria recente; mi sono trovato a guardare i nuovi episodi la domenica sera e di nuovo la mattina seguente. Hamnet – Un film più strano di quanto mi aspettassi da Chloé Zhao. One Battle After Another – Come Anora, l’ho adorato alla prima visione e pensavo che mi avrebbe spinto a rivederlo, ma curiosamente non l’ho ancora fatto… Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery – Le ossessioni da Reddit di Rian Johnson in Glass Onion, pur rimanendo godibile, lasciano più spazio a qualcosa di sostanziale: la Fede.

      10. 28 Years Later (Danny Boyle)

      L’ho visto nella sala Dolby Atmos del Landmark Sunset e, forse desiderosi di sfoggiare i loro nuovi impianti, il suono era alzato troppo. A parte l’esperienza assordante, 28 Years Later è la sceneggiatura più solida di Alex Garland fino ad oggi con una regia che dimostra che Boyle ha ancora energie. A volte i punti di partenza più stupidi e datati (una Gran Bretagna infestata dagli zombie lasciata a marcire come metafora della Brexit) portano a un’arte ispirata. Sono molto curioso del sequel The Bone Temple tra qualche settimana, che ho sentito dire da un amico in studio che ha letto la sceneggiatura è molto violento e cupo.

      9. After the Hunt (Luca Guadagnino)

      Continuavo a imbattermi a Los Angeles in amici che si avvicinavano e dicevano: «È bello, vero?» sorpresi della ricezione mista o negativa del film prima a Venezia e poi al NYFF. Ho rapidamente confidato che no, non sono pazzi. Anch’io amo come il cinema classico del film si fonde con una trama nonsensica. Ancora non riesco a capire che Guadagnino e il suo team abbiano costruito tutto Yale su uno studio a Londra, dopo aver ricreato in studio anche la Città del Messico d’epoca per Queer. Sono curioso se gli studios continueranno a lasciare che Guadagnino spenda così tanti soldi su queste pratiche cinematografiche di vecchio stampo, ma spero di sì.

      8. No Other Choice (Park Chan Wook)

      Non dai tempi di A Cure for Wellness di Gore Verbinski avevo sentito un regista sfoggiare così tanto con la macchina da presa e il montaggio. Preferisco Park quando mette i personaggi, che ingenuamente credono di essere brave persone pur comportandosi in modo spregevole, in posizioni invidiabili. I temi sul capitalismo non sono eccessivamente complessi, ma a volte il cinema può essere usato come un oggetto contundente. Park è al suo meglio quando asseconda il suo lato cinico e cattivo, che si sposa perfettamente con il suo wicked sense of humor.

      9. Marty Supreme (Josh Safdie)

      Josh Safdie si dimostra l’erede naturale di Martin Scorsese e, come i migliori lavori di Scorsese, Marty Supreme non ha paura di sperimentare, di essere sciolto, un po’ disordinato. L’ingovernabile è indubbiamente vivo. Quando entra Tear for Fears tra i pianti dei neonati negli attimi finali del film, ho capito che la mia decisione post-rottura di comprare e tenere le azioni del Team Josh era azzeccata.

      6. Chronology of Water (Kristen Stewart)

      Come i due film che mi ha ricordato — Knight of Cups e Blonde — il debutto alla regia di Kristen Stewart impiega tempo a trovare i suoi ritmi. Era presto, durante un montaggio con colonna sonora punk in cui Lidia Yuknavitch (Imogen Poots) lascia la sua casa repressiva e va al college, tuffandosi rapidamente in una vita da festa, quando ho capito quanto fossi coinvolto da questo film — e quanto sia impressionante il montaggio di Olivia Neergaard-Holm. È significativo che, sebbene trovi la poesia femminista di Yuknavitch datata e imbarazzante, ciò non ha influenzato minimamente la mia esperienza narrativa. L’interpretazione di Stewart del viaggio di Yuknavitch da teen protetta a poetessa celebrata è incantevole sui suoi termini.

      5. The Love That Remains (Hlynur Pálmason)

      Un film di Pálmason per chi non ama i film di Pálmason, l’usuale angoscia maschile del regista e sceneggiatore islandese lascia spazio a qualcosa di più gioioso, seppur ancora doloroso. Il film alterna osservazioni sulle dinamiche familiari disordinate o sulle difficoltà di mantenere una pratica artistica in una piccola città, a tocchi surreali in cui un cavaliere imbottito pieno di frecce prende vita, o un gallo bullo cresce di dimensioni per tormentare il padre che non è riuscito a ucciderlo. A metà film ho pensato che Pálmason sarebbe perfetto per dirigere un’immaginata miniserie basata sulla serie My Struggle di Karl Ove Knausgaard. Qualcuno dovrebbe farlo accadere.

      4. Eephus (Carson Lund)

      Burro d’arachidi e marmellata, sale e patate, tristezza e stupidità — quest’ultima una combinazione collaudata, e in Eephus, sotto la raffica di battute e i personaggi bizzarri, esiste una profonda tristezza, mentre riflette su ciò che perdiamo quando scompaiono i nostri terzi luoghi. Fan di Eephus segnatevi: molti dei collaboratori del film si sono riuniti per Raccoon, le cui riprese si sono appena concluse qualche mese fa (leggi di più al #69 della lista).

      3. Eddington (Ari Aster)

      L’ho visto due volte in due martedì consecutivi al mio multisala preferito, l’AMC Burbank 16, una mossa azzardata per un film di questa durata. Quando l’ho fatto qualche anno fa per Killers of the Flower Moon, quel titolo sembrava lungo al secondo giro. Nessun problema qui. Con Beau Is Afraid, Aster ha rivelato la sua vera abilità nel tempismo comico ed esercita quel muscolo con grande efficacia qui. Nelle prime tre opere di Aster, il suo lavoro di macchina da presa sembrava esibizionistico fine a se stesso, ma l’aggiunta di Darius Khondji come direttore della fotografia porta una maturità nel posizionamento e nel movimento della camera — pur restando appariscente, sembra motivata dalla narrazione. Qualche anno fa The Sweet East suscitò risate e sopracciglia alzate per la sua sottotrama ANTIFA dozzinale, ma Eddington dimostra che la vera trollata è vindicare le peggiori paure dei Boomer che scorrono su Facebook rendendo l’ANTIFA competente e ben finanziata. È l’impulso più astuto. Esilarante, teso, diretto con maestria e non timido nel prendersela con tutti, Eddington è il primo grande film di Aster.

      2. Afternoons of Solitude (Albert Serra)

      Il primo documentario di Serra offre uno sguardo intenzionalmente fisso nel mondo della corrida. Per esempio, mentre il protagonista Andrés Roca Rey potrebbe avere una vita sociale vivace, festeggiando dopo gli incontri in arena, ci è vietata una finestra su quell’aspetto — ammesso che esista. I tifosi in arena vengono relegati al sound design fuori campo, evidenziando l’isolamento sia della corrida che della celebrità come concetto più astratto. Ci sono i viaggi in auto da e per l’arena mentre la squadra di Rey lo loda, riciclando metafore poco ispirate che tipicamente sottolineano la grandezza dei suoi attributi. Afternoons of Solitude è costruito astutamente, utilizzando la ripetizione e la trattenuta per crescere in qualcosa di significativo per il pubblico.

      1. Peter Hujar’s Day (Ira Sachs)

      È sempre un piacere quando il congegno di un film funziona contro ciò che normalmente preferisci. Non sono un tipo da drammi da camera. Se due persone stanno avendo una conversazione in una stanza, preferirei che fosse un’opera teatrale. Datemi respiro, location e personaggi. Quindi, sebbene Peter Hujar’s Day non dovrebbe funzionare per me, mi sono trovato infinitamente incantato da quanto sia cinematografico e non teatrale. Ira Sachs e i suoi collaboratori prendono una serie di piccole decisioni per espandere il film, che siano gli intermezzi di ritratti fotografici, una pausa sigaretta sul tetto, o una breve scena di Hujar (Ben Whishaw) e Linda Rosenkrantz (Rebecca Hall) che ballano su un disco. Curiosamente, con i suoi 76 minuti, è emersa una tendenza: le pellicole più corte dominano le mie liste di fine anno per questo sito. Forse dovrei prioritizzare l’aumento della mia capacità di attenzione nel 2026.

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