Nella 'Batteria di Scimmia' di Jeremy Lu, un Ragazzo e Suo Padre Busseranno alla Porta di uno Sconosciuto in un

      “Monkey Drum” di Jeremy Lu inizia con una semplice impostazione: Un padre e un ragazzo, persi in una foresta giapponese, bussano alla porta di un uomo più anziano, che vive in un isolamento semplice ma sicuro. Lui offre riparo e cibo.

      Il film, che fa il suo debutto mondiale questo weekend al Rhode Island Film Festival di Flickers, si svolge con apparente immediatezza. Ti chiedi: Sarei profondamente soddisfatto, vivendo in isolamento, in una lussureggiante tranquillità? Affidandomi agli alberi per conforto e riparo? E potrebbero questi personaggi – tre generazioni di uomini – darsi a vicenda un simile senso di pace?

      Poi le cose vanno male, e inizi a notare problemi che, forse, sono stati lì fin dall'inizio.

      Lu, nativo della Bay Area di San Francisco e neolaureato del programma di cinema della New York University, abbraccia un tono formale e analogico per il film, riflettendo il suo ambiente. In un ritorno alla cultura DIY degli anni '80 e '90, ha realizzato un zine sulla realizzazione del suo film, che sta distribuendo ai festival. Gli abbiamo posto alcune domande prima della sua premiere di domenica, dove ai partecipanti sarà offerto l'accesso online al zine tramite codice QR.

      “Monkey Drum” scrittore-regista Jeremy Lu. Cortesia del cineasta.

      MovieMaker: Sono rimasto molto colpito dal fatto che qualcuno così giovane — 22 anni — abbia realizzato un film così formale e freddo. Ho letto del tuo influsso di Kurosawa e si percepisce sicuramente. Hai anche scritto un zine sulla realizzazione di questo film, per tracciare i suoi progressi, il che sembra una cosa molto anni '80, inizio anni '90. In quanto editore di una rivista cartacea, lo adoro. Chi sei, e come sei arrivato a questa estetica?

      Jeremy Lu: Apprezzo le parole gentili. Sono un grande fan di film che hanno una qualità sensoriale e artigianale, quindi portare queste sensibilità nel genere horror è stato sicuramente uno dei miei obiettivi principali mentre affrontavo questo film. Il cinema è uno di quei mezzi in cui il creatore ha molteplici modi per coinvolgere i sensi del proprio pubblico. È sempre il mio obiettivo come cineasta cercare un linguaggio cinematografico che vada oltre l'aspettativa di un'esperienza puramente audio/visiva.

      Il zine, che non era originariamente destinato a una pubblicazione pubblica, è stato un tentativo da parte mia di vedere se potessi creare un “artefatto fisico” che il pubblico potesse portare a casa dalla propria esperienza cinematografica con il film. È quasi come se un piccolo frammento del film seguisse il suo pubblico a casa.

      Una scena di “Monkey Drum”, di Jeremy Lu. Cortesia del cineasta.

      MovieMaker: Hai menzionato in passato di essere tri-culturale — quali sono le tre culture e come ti influenzano? Jeremy Lu: Sono filippino, cinese, giapponese e americano, quindi la mia crescita è sempre stata un vero melting pot intersezionale di tutte e tre le culture. Qualcosa con cui credo che molte persone miste – specialmente quelle miste nelle arti – possano identificarsi è la lotta infinita per capire quale parte di te stesso rivelare nel lavoro che produci. Ho sempre trovato piuttosto strano questa pressione di “scegliere” un lato di me, quindi naturalmente “Monkey Drum” ha attraversato diverse bozze all'interno di diverse culture prima di decidere di ambientare il film nella tranquilla campagna giapponese.

      C'è un elemento sottostante alla narrazione del film che è fondamentalmente costruito sulle aspettative sociali e sulla paura di apparire “impropri” per coloro che ci proteggono. La costante presenza di questi temi narrativi ha sempre reso difficile per me immaginare la trama che si svolgesse in un luogo diverso dal Giappone.

      MovieMaker: Ci siamo incontrati su Instagram, quindi non sei un Luddista. Ma il film e il zine sono così analogici. Cosa ti attrae in questo? Pensi che la tua generazione stia ribellandosi all'inondazione di stress online, o è solo qualcosa che le persone più anziane come me vogliono credere?

      Jeremy Lu: Non penso che sia lontano da ciò che sta accadendo nella nostra generazione. Almeno dalla mia prospettiva, ho visto un crescente desiderio di tornare ai giorni completamente analogici, specialmente tra i giovani cineasti e artisti. Mentre film come Backrooms sono uno dei più ovvi film di “nostalgia horror” che mi vengono in mente, l'aumento costante del genere horror analogico su Internet è un grande indicatore per me che i giovani pubblici desiderano film che portano quegli elementi “artigianali”.

      Mentre sviluppavo il zine All Alone in the Soil con il nostro fotografo Calvin Mumm, uno dei nostri obiettivi principali era portare gli elementi “artigianali” del film in qualcosa che potessi fisicamente portare a casa e leggere. A un certo punto nella pagina introduttiva del zine, ho scritto qualcosa del tipo: “Speriamo che queste immagini mostrino un angolo in più dei nostri cuori che il film ha perso.” e lo intendevo davvero. In un mondo che continua a minacciare di convertire secondi delle nostre capacità di attenzione in profitto, avere qualcosa su cui sedersi e leggere per informare e contestualizzare ulteriormente un'esperienza cinematografica è qualcosa che ho apprezzato sempre di più. La mia unica speranza è che gli altri inizino a sedersi di più con le cose.

      Tadashi Mitsui, a sinistra, e Akira Simoneau in “Monkey Drum.” Cortesia del cineasta.

      MovieMaker: Nella sesta pagina del tuo zine, includi un'annotazione di un quaderno con le tue idee per il film, ed è, senza offesa, un pasticcio. Dubito che qualcuno tranne te possa capirlo. Eppure si traduce in un film incredibilmente pulito ed elegante. Puoi parlare di come quelle pagine disordinate si evolvono in un film così elegante?

      Jeremy Lu: Nessuna offesa presa. Sono completamente d'accordo sul fatto che quelle note fossero un completo pasticcio. Nessun regista in pieno possesso delle proprie facoltà lascerebbe mai vedere quelle a qualcuno, quindi naturalmente ho deciso di metterle nel zine affinché tutti potessero vederle. Apprezzo comunque che tu descriva il film come elegante! Penso che il processo di realizzazione di questo film ci abbia costantemente fatto oscillare tra l'intero spettro di “raccolto” e “caos totale”, quindi sono felice che il prodotto finale sia atterrato più sul primo. Penso che alla fine tutto si riduca a quanto si ha fiducia nell'integrità strutturale della sceneggiatura stessa. Come sceneggiatore/regista, anche se tendo a elaborare informazioni e creare con un processo piuttosto libero e disordinato, cerco sempre di assicurarmi che tutto sia meticolosamente mappato nella mia testa quando arriviamo alla produzione. La foto del quaderno presente nel zine è stata scattata tre mesi prima della produzione, ma non fraintendermi, c'è una netta differenza tra quelle note e le note che ho finito per prendere sul set.

      MovieMaker: Questo film sembra svolgersi in una foresta giapponese metaforica. Non penso che siamo nell'aldilà, perché c'è un telefono fisso. Ma c'è una sorta di qualità di No Exit in cui queste persone non possono sfuggirsi l'un l'altra. Puoi parlare del tuo ambiente?

      Jeremy Lu: Una delle prime cose di cui ho discusso con Tian Pei, il direttore della fotografia, e Vivian Zhang, la scenografa, è stata come far sentire l'ambientazione della casa “della Terra” — come se la casa stessa fosse una forza antagonistica che minaccia il libero arbitrio dei nostri personaggi. C'è una sorta di qualità mitica e popolare che stavamo inseguendo nell'estetica del film, dove la casa, così come i suoi abitanti, sono radicati profondamente nel suolo e non possono scappare. Questa regola è finita per estendersi al linguaggio visivo che stavamo usando, poiché la macchina da presa stessa non lascia mai realmente la casa, nonostante alcune scene si svolgano all'aperto. Abbiamo preso molti riferimenti dall'estetica della casa delle bambole di Hereditary di Ari Aster, poiché c'è una qualità miticamente condannata nei personaggi che volevamo accentuare. L'orrore e gli eventi che accadono nel film sono così oltre la comprensione dei nostri protagonisti e volevamo che la casa riflettesse ciò.

      Non c'è un “mostro maledetto” sotto il letto in questo film. Solo persone maledette