Publicado en julio de 2025: Juntos, Eddington, Drowning Dry y más

      Claro, julio trae de vuelta a Los Cuatro Fantásticos (25 de julio), Superman (11 de julio) y Parque Jurásico (2 de julio), pero esas no son las reboots que llamaron mi atención. No, esa distinción pertenece a Rihanna interpretando a Pitufina (18 de julio).

      No solo es increíble que esta franquicia todavía se crea relevante, sino que la cantidad de veces que ha sido resucitada en este siglo me hace preguntarme si el mundo terminaría de alguna forma en el momento en que Gargamel erradicara a sus pequeños enemigos azules. Paramount quizás nos mantiene vivos. O prisioneros. No estoy seguro de cuál.

      Porque claramente hay un problema de reconocimiento de marca que hace que se sientan cómodos enterrando intencionadamente el título real de Los Pitufos en la página (si es que aparece en absoluto) para que el crédito de Rihanna pueda captar nuestra atención. Ella es su principal arma de venta, así que no se pueden quejar.

      Todo lo viejo vuelve a ser nuevo, si un fenómeno global sigue vendiendo.

      Por suerte, también tenemos algunas novedades en cartelera.

      

      Caras

      

      Aunque pongo el cartel de Santa Clara (limitado y VOD, 18 de julio) bajo la categoría de “Caras” porque Bella Thorne llena toda la página con su rostro, la parte que más me gusta de todo es el tratamiento del título.

      Claro, la textura granular, los colores apagados y la cruz brillante en su ojo lo hacen cautivador con la información en color amarillo brillante superpuesta, pero me encanta la tipografía y la eliminación de las barras horizontales dentro de la ‘A’. Algo en el espacio que dejan crea una sensación extraña, incómoda. No puedo dejar de mirarlo, como si hubiera un secreto, un significado oculto por descifrar. Es puramente estético, pero justo lo bastante inesperado para cuestionar mi propia cordura.

      De manera similar, aunque la cara de Masaki Suda ocupa una parte central del cartel de La Nube (limitado, 18 de julio), todo lo demás exige que desvíe la vista.

      Está el hermoso título difuminándose en el fondo, como una niebla al principio que luego se funde para formar una nueva figura de vapor de agua condensado al final. También, la profundidad de campo superficial difumina la pistola que sabemos que tiene en la mano y apunta en nuestra dirección. Su rostro está nítido y claro para que reconozcamos su estado de ánimo, pero lo demás crea ambiente, suspense e intriga.

      Es un claro avance respecto al enfoque más directo de la película japonesa, que muestra a Suda con arma en mano en medio de una toma amplia. Casi desaparece en el fondo porque su ropa tiene el mismo color que la escena de construcción detrás. Me gusta este efecto porque imita el titilar del título entre sólido y gaseoso—aquí y allí—, pero se pierde el drama que ofrece el enfoque selectivo.

      Esa verdad cambia si cortas partes de su escena para crear una sensación más gráfica, tipo collage, al estilo Kill the Jockey de Fable (limitado, 2 de julio). Sí, todo está enfocado, pero es un collage recortado más que un trasfondo en pose. Trata de colocar muchos elementos en un lienzo y reorientarlos para crear un concierto visual memorable que cuente una historia.

      Una pistola apunta hacia el jockey, pero este está invertido en la parte superior del encuadre. Quizá indica que está loco. O tal vez significa que no será tan fácil matarlo como cree el tirador. Es tanto una provocación de contenido como de tono, poniendo a los personajes (con dos reflejados en sus gafas, presumiblemente responsables del disparo) y la acción en modo broma.

      Esto se vuelve aún más evidente en la segunda hoja: el jockey ahora monta la pistola como si fuera un caballo. La absurdidad es la intención. La confusión de si él es el blanco o el tirador nos permite disfrutar sin preocuparnos por la trama en sí. También es mucho más limpio en composición, equilibrando texto y imagen, mientras que la otra buscaba tener bloques de información en cualquier rincón. Aquí, todo respira movimiento, dirigiendo la mirada de izquierda a derecha y directamente a nuestros asientos.

      

      Parejas

      

      Dos primos desesperados por escapar. Esa es la historia que vemos en la lámina del filme To a Land Unknown (limitado, 11 de julio). Está en los ojos de sus retratos translúcidos y en la quietud oscura del fondo nocturno debajo. Dos hombres atrapados. No pueden volver a Palestina y no pueden dejar Atenas sin dinero, así que idean un plan y esperan en silencio decidido el momento de ponerlo en marcha.

      Es una composición sencilla que ofrece entorno y carácter, uno sobre el otro. El tratamiento del título también sigue esa sencillez, con una línea en blanco sólida y otra en contorno. Ahí y no. Existiendo y sobreviviendo. Listos y dudosos.

      Eso se refleja un poco en la hoja original del festival, donde los dos están sentados y mirando fuera de cuadro, pero la versión de Watermelon Pictures definitivamente aumenta la carga emocional. Al quitar la vibrancia y reemplazar el amarillo por azules y grises fríos, nos lleva de una ventana al mundo del filme a una que mira en su alma.

      El adelanto de Bianca Moran Parkes y Bangers & Mash para Together (limitado, 30 de julio) es, por el contrario, una mirada hacia adentro. Literalmente. Dos ojos que se acercan, sin espacio para moverse, mientras las pestañas y párpados que los rodean comienzan a fusionarse y extenderse. Es una imagen incómoda que seguramente hará que algunos se retuerzan y duden si comprar un boleto; para otros confirmará que deben comprarlo. Y al reflejar el título en ese mismo efecto, con un kerning apretado que une cada letra, no hay duda del significado de la palabra.

      Me gustó cómo la campaña de Neon avanzó lentamente sin perder el rumbo. Desde ojos hasta labios y brazos, la cámara hace un zoom para revelar las identidades de los protagonistas, manteniendo la potencialidad de horror corporal de su unión, y al mismo tiempo, presenta el cambio de intimidad a terror a medida que la realidad de su situación se aclara.

      Pero, para mí, el cartel de MOCEAN para Abraham’s Boys (limitado, 11 de julio) realmente me altera. Los materiales del filme anterior tienen un brillo de efecto digital que mantiene a los espectadores a distancia; este, en cambio, conserva autenticidad con el trabajo de maquillaje más práctico, mostrando dos heridas punzantes y rastros de sangre fluyendo.

      Es muy estilizado en su encuadre y cautivador en su aparente indiferencia ante la pesadilla que representa. Esa mujer no tiene miedo. Ella presenta sus heridas como algo a ser presenciado y, tal vez, deseado. El texto y los agujeros están perfectamente centrados a lo largo del eje y y el título en la base de su cuello, para que la mirada recorra los ríos rojos y finalmente se pose en el crucifijo en su cuello. Es una escena de contradicción e intriga. ¿Cómo no querer saber más?

      

      Cumbres

      

      Si U2 pudo hacerlo, ¿por qué no nosotros? Es el sentimiento que rodea el adelanto de GrandSon para Eddington (18 de julio), considerando que esta edición del Untitled (1988–89) de David Wojnarowicz—que en sí misma es un recorte fotográfico intencional de un diorama del National Museum of American History en Washington, D.C.—no es la primera vez que se usa en la cultura popular. U2 lo empleó en 1992 para su sencillo “One”.

      Como explica Min Chen en Artnet, la decisión tiene sentido temáticamente. La obra original de Wojnarowicz usaba imágenes de búfalos siendo obligados a caer por un acantilado para comentar sobre la epidemia del SIDA y el papel del gobierno estadounidense en lo mismo. U2 utilizó la obra y posteriormente donó todos los derechos a la investigación del SIDA. Y ahora, Grandson la usa para conectar el oeste de la era COVID de Ari Aster con su trágico canon.

      Sigue siendo una metáfora impactante, y el paso de paisaje a retrato no pierde fuerza visual. Hay que dar crédito a los diseñadores por mantener el texto pequeño y blanco, legible sin distraer del escena misma. Solo el título en rojo intenso se atreve a captar nuestra atención, causando un efecto de brillo contra el gris marrón. Es difícil de leer en ese fondo, así que nos obliga a cerrar los ojos casi por completo para procesar solo esa imagen.

      La ilustración de Jack C. Gregory en la última hoja crea un bonito contraste, pero no puedes evitar sentirte defraudado por la pérdida de ese misticismo inicial. Grandson asegura todo con mucha legibilidad y literalidad: collage de personajes, bloque de texto, información en fondos oscuros sobre claros. Me pregunto si A24 inició un trueque: sí, usaremos tu teaser artístico, pero solo si produces también un equivalente de Hollywood comercial que no confunda a nadie.

      De una imagen de montaña fotografiada a una hormiga ilustrada, pasamos a Collective Monologue de Pablo Bronstein, pintado con maravillosa habilidad (limitado, 17 de julio). La pilota de tierra en el centro de la página permite a una hormiga-cuidadora subirse por un lado y girar su largo lengua en una versión cursiva del título en español en la esquina opuesta.

      Eso por sí solo sería una imagen memorable, pero aún mejor es la enmarcación floral con enredaderas y coronas de margaritas que entregan el nombre del director. Tiene una energía de “manuscrito iluminado”, pero con un tono delicado y divertido, creando tanto una escena (esa lengua tiene un destino para seguir) como un cartel.

      No hay duda de que destacará en una pared llena de collages fotográficos glossy.

      Sin embargo, mi favorito del mes es la lámina del festival para Drowning Dry (limitado, 18 de julio). Su punto culminante es un triángulo de color superpuesto que nos guía por un muelle hacia la trayectoria de salto de unos niños que se lanzan a la expanse blanca más allá. La forma geométrica enmarcando a los niños guía la vista hacia arriba de la página, pero también puede interpretarse como un segmento de tiempo que avanza en sentido horario desde el lateral derecho del muelle.

      ¿Y por qué? Porque esa es una escena muy importante de la película. Una que coloca todo lo que sucede después en un tipo de purgatorio. Y como eventualmente volveremos a ella en pantalla, ese triángulo puede leerse en ambas direcciones, según la forma en que se siga la dirección. Hacia adelante en sentido horario. Hacia atrás en sentido antihorario.

      La tipografía también contribuye mucho al éxito del cartel. Pequeña y centrada, se convierte en un punto final para la vista mientras ascendemos por los cuerpos brincando de los niños. El asterisco funciona como marca de descanso y reflexión, complementando a los dos niños que también “existen” fuera de escena (uno en el título, el otro en el campo naranja). El espacio vacío nos da un respiro para movernos libremente a través de toda la composición.