Posterizzato luglio 2025: Insieme, Eddington, Drowning Dry e altri

      Certamente, luglio riporterà sullo schermo i Fantastici Quattro (25 luglio), Superman (11 luglio) e Jurassic Park (2 luglio), ma non sono i reboot che mi hanno colpito. No, quella distinzione spetta a Rihanna nei panni di Cicatrice blu (18 luglio).

      Non è solo incredibile che questa saga ancora si consideri rilevante, ma il numero di volte che è stata risorta in questo secolo mi fa chiedere se il mondo potrebbe finire nel momento stesso in cui Gargamella eliminasse i suoi piccoli nemici azzurri. Paramount potrebbe letteralmente mantenerci in vita. O imprigionati. Non sono sicuro di quale delle due.

      Perché c’è chiaramente un problema di riconoscibilità del marchio, tant’è che si sente sicuro di seppellire volutamente il titolo originale dei Puffi sulla pagina (se è presente), così da attirare l’attenzione sul credito di Rihanna. È il loro principale punto di vendita, quindi non si può biasimarli per aver puntato tutto su di lei.

      Tutto ciò che è vecchio diventa nuovo di nuovo––se un fenomeno globale sta spingendo vendite.

      Per fortuna, anche abbiamo alcune novità in arrivo nelle sale.

      

      Volti

      

      Sebbene io inserisca il poster di Santa Chiara (limited & VOD, 18 luglio) sotto la voce “Volti” a causa della faccia di Bella Thorne che occupa tutta la pagina, la mia parte preferita di tutto è il trattamento del titolo.

      Certamente, la texture granulosa, i colori opachi e il luminare crocifisso nell’occhio rendono l’immagine affascinante, con le informazioni gialle brillante sovrapposte, ma adoro il carattere tipografico e la rimozione delle barre orizzontali all’interno della lettera A. Qualcosa della mancanza di queste barre crea uno spazio che la rende stranamente inquietante. Non riesco a smettere di guardare, come se ci fosse qualcosa da scoprire o un significato nascosto da decifrare. È puramente estetico, ma abbastanza inaspettato da mettere in dubbio anche la mia stessa sanità mentale.

      Allo stesso modo, mentre il volto di Masaki Suda è il elemento centrale del poster di Cloud (limited, 18 luglio), tutto il resto mi invita invece a distogliere lo sguardo.

      C’è il titolo, meravigliosamente sfocato e sfumato nel background, come una nebbiolina all’inizio che si fonde formando una nuova forma di vapore condensato alla fine. C’è anche la profondità di campo ridotta che sfoca la pistola, che sappiamo essere in mano a lui e puntata nella nostra direzione. Il suo volto è nitido e riconoscibile, per cogliere il suo stato d’animo, ma il resto crea atmosfera, suspense e mistero.

      È un miglioramento evidente rispetto all’approccio più diretto del poster giapponese, che mostra Suda con la pistola in mano al centro di un’inquadratura larga. Quasi scompare nel sfondo, dato che i suoi vestiti hanno lo stesso colore della scena di costruzione sullo sfondo. Mi piace questo effetto perché imita il flickering del titolo tra solido e gas––qui e là––ma si perde un po’ del dramma che il fuoco mirato dovrebbe dare.

      Questa verità cambia se si rimuovono alcuni pezzi dalla scena per costruire un’atmosfera più grafica, collage-style, come in Kill the Jockey di Fable (limited, 2 luglio). Sì, tutto è a fuoco, ma è un montaggio piuttosto che una posa sullo sfondo. Si tratta di posizionare molti elementi su una tela e riorganizzarli per creare un concerto memorabile di motivi visivi per raccontare una storia.

      Una pistola punta verso il fantino, ma lui è posizionato capovolto attraverso la parte superiore della cornice. Forse simboleggia che è pazzo. Oppure significa che l’atto di ucciderlo non sarà così facile come pensa il tiratore. È un doppio gioco tra contenuto e tono, creando tensione mettendo in scena i protagonisti (con due persone riflesse, diritte, nei suoi occhiali, presumibilmente responsabili dell’omicidio) e il gesto in modo scherzoso.

      Questo diventa ancora più evidente nel secondo poster: il fantino ora cavalca la pistola come se fosse un cavallo. L’assurdità è il punto centrale. La confusione tra essere il bersaglio o l’autore permette di goderci il divertimento senza lasciarci appesantire da una narrazione. È anche molto più pulito nella composizione, equilibrando testo e immagine, mentre l’altro cercava di inserire blocchi di informazioni ovunque potesse. Quest’ultimo respira movimento, guidando lo sguardo da sinistra a destra e dritto verso i nostri posti.

      

      Coppie

      

      Due cugini disperati in fuga. Questa è la drammatica rappresentazione che vediamo nella locandina di To a Land Unknown (limited, 11 luglio). È negli occhi dei loro ritratti traslucidi e nel silenzio oscuro dello sfondo notturno sottostante. Due uomini bloccati. Non possono tornare a casa in Palestina e non possono lasciare Atene senza soldi, così escogitano un piano e attendono in silenzio deciso il momento di metterlo in atto.

      È una composizione semplice che fornisce ambiente e carattere, uno sopra l’altro. Il trattamento del titolo segue lo stesso principio, con una riga in bianco solido e l’altra just in outline. Là e non. Esistenti e sopravviventi. Pronti e incerti.

      Si percepisce un po’ di questo anche nel poster originale del festival, con due uomini seduti e che guardano fuori scena, ma la versione di Watermelon Pictures sicuramente alza la posta in gioco emotiva. Eliminando la vibranza e rimuovendo il giallo in favore di blu freddi e grigi, passiamo da una finestra sul mondo del film a una che sembra scavare nell’anima.

      Il teaser di Bianca Moran Parkes e Bangers & Mash per Together (limited, 30 luglio), invece, guarda dentro se stesso. Letteralmente. Due occhi che si avvicinano, senza spazio per muoversi, mentre le ciglia e le palpebre che li circondano cominciano a fondersi e stratturarsi. È un’immagine sgradevole che sicuramente farà rabbrividire qualcuno e mettere in dubbio l’acquisto del biglietto; per altri sarà conferma che devono farlo. Aggiungendo il titolo che riflette questo effetto con una spaziatura tra le lettere ristretta, non ci saranno fraintendimenti sul significato della parola.

      Mi è piaciuta l’evoluzione lenta, ma costante, della campagna di Neon senza perdere il filo. Dagli occhi alle labbra, alle braccia, la cinepresa si allontana per svelare le identità dei due protagonisti, mantenendo il potenziale horror del loro—union, pur introducendo il passaggio dall’intimità al terrore quando la realtà della loro situazione si fa più chiara.

      Per me, tuttavia, il poster di MOCEAN per Abraham’s Boys (limited, 11 luglio) è quello che più mi fa storcere la pelle. I materiali del film precedente hanno tutti una patina di effetti digitali che tengono gli spettatori a distanza; questo invece mantiene un’autenticità attraverso il trucco pratico, con due piaghe da foro e le tracce di sangue che scorrono.

      È molto stilistico nel taglio e affascinante nella sua apparente indifferenza al incubo che rappresenta. Questa donna non ha paura. Al contrario, mostra le sue ferite come qualcosa da osservare e, forse, desiderare. Il testo e le ferite sono perfettamente centrati lungo l’asse y, con il titolo posizionato sul collo in modo che gli occhi possano scorrere lungo i flutti rossi e fermarsi infine sul crocifisso al suo collo. È una scena di contraddizione e mistero. Come si può non voler scoprire di più?

      

      Picchi

      

      Se U2 può farlo, perché non noi? Sono le sensazioni che circondano il teaser di GrandSon per Eddington (18 luglio), considerando che questa modifica di Untitled (1988–89) di David Wojnarowicz––una composizione volutamente ritagliata fotograficamente da un diorama al National Museum of American History di Washington, D.C.––non è il primo esempio di utilizzo in cultura pop. U2 usò un montaggio nel 1992 per il loro singolo “One”.

      Come analizza abilmente Min Chen su Artnet, la decisione di farlo è coerente con il tema. L’opera originale di Wojnarowicz mostrava bufali spinti giù da una scogliera per commentare l’epidemia di AIDS e il comportamento del governo americano nei confronti di chi era infetto. U2 ha usato quell’immagine e successivamente donato tutti i diritti d’autore alla ricerca contro l’AIDS. Ora Grandson la utilizza per collegare il West americano di Ari Aster all’epoca del COVID e al suo tragico canone.

      Rimane una metafora potente, e il passaggio da paesaggio a ritratto non ne perde l’impatto visivo. Merito anche dei designer, per aver mantenuto il testo piccolo e bianco, così da rimanere leggibile senza distogliere l’attenzione dalla scena. Solo il titolo, di un rosso acceso, osa catturare la nostra attenzione, con tonalità che creano un bagliore contro il grigio-bruno. È difficile da leggere sullo sfondo, quindi dobbiamo mettere in atto una sorta di totale concentrazione sensoriale per non perdere nient’altro.

      L’illustrazione di Jack C. Gregory sull’ultima pagina offre un bel contrasto, ma non si può fare a meno di sentirsi delusi dalla perdita di quell’atmosfera di mistero iniziale. Grandson assicura che tutto sia molto leggibile e letterale, con collage di attori, blocchi di testo e informazioni scure su sfondi chiari. Mi chiedo se A24 abbia promosso un accordo: sì, useremo il tuo teaser artistico, ma solo se produci anche un corrispettivo hollywoodiano mainstream che nessuno confonderà.

      Da un’immagine di montagna fotografata a un formicaio illustrato, si passa a Collective Monologue di Pablo Bronstein, dipinto meravigliosamente (limited, 17 luglio). La mucetta di terra si trova al centro della pagina, in modo che un formichiere possa sollevarsi su un lato e fare roteare la lunga lingua in una scrittura corsiva del titolo in spagnolo lungo l’altro.

      Da sola, sarebbe già un’immagine abbastanza memorabile, ma è un bonus ricevere anche la cornice floreale che trasmette il nome del regista tramite viti e ghirlande di margherite. Questa creazione ha un’energia di “manoscrittura illuminata”, ma con un tono delicato e giocoso che crea sia una scena (quella lingua ha una destinazione da seguire) sia un cartellone pubblicitario. Non c’è modo che non spicchi in un muro di montaggi fotografici lucidi.

      Ma il mio preferito del mese, invece, è il foglio festival di Drowning Dry (limited, 18 luglio). La punta di diamante deriva da un triangolo di colore sovrapposto, che ci conduce lungo un molo verso la traiettoria di salto di bambini che si tuffano nell’espansione bianca oltre. La forma geometrica incornicia i bambini, portandoci su per la pagina, ma potrebbe anche essere una fitta di tempo che ci muove in senso orario dal lato destro del pontile.

      Perché? Perché questa è una scena cruciale del film. La quale colloca tutto ciò che avviene dopo in una sorta di purgatorio. E dato che alla fine torneremo su di essa, si può interpretare quel triangolo in entrambi i modi, a seconda della direzione—avanti in senso orario o indietro in senso antiorario.

      Anche la tipografia contribuisce molto al successo del poster. Piccola e centrata––diventa un punto di arrivo per i nostri occhi mentre risaltiamo lungo le traiettorie dei bambini che saltano. L’asterisco funziona come un punto di riferimento da cui fermarsi e riflettere, come complemento alle due figure “fuori” (l’asterisco nel titolo e i bambini nel campo arancione). Lo spazio vuoto ci dà respiro per muoverci liberamente.

      L’uscita americana cerca di aggiornare l’aspetto, ma nel farlo perde gran parte di ciò che funzionava. Il cambio di colore da bianco a grigio scuro, al contrario, risulta molto opprimente. L’ampliamento del triangolo arancione che ormai avvolge completamente il molo rompe la sua potenzialità di diventare una forbice temporale. E il grande titolo, disegnato a un angolo di 90°, raddopplicando la lettera “D” di entrambe le parole, pone un confine che sembra più minaccioso che drammatico.

      Una scena accogliente in cui non ci aspettiamo che succeda qualcosa di tragico. L’altra ci avverte di stare all’erta, perché il pericolo è in agguato.