El ascenso de Paul Thomas Anderson: una leyenda viviente

      Antes de una batalla tras otra, Simon Thompson se adentra en el ascenso del cineasta Paul Thomas Anderson…

      Paul Thomas Anderson es un cineasta cuyo carrera parece un estudio de la ironía. Es un cineasta de cine de autor, pero posee estatus de insider de Hollywood, aparentemente capaz de contar sus historias incluso en la era más reacia al riesgo en la historia del cine estadounidense. Sus películas suelen tratar sobre marginados, estructuradas en torno a narrativas ambiguas, reflexionan sobre las luchas contra la soledad y están filmadas y construidas con niveles de deliberación al estilo Kubrick, sin embargo, es un director que ha cultivado un seguimiento sorprendentemente grande dado la naturaleza de su obra. En resumen, es una leyenda viva y tenemos la suerte de que todavía hace películas con el mismo nivel de pasión y artesanía que desde que irrumpió en la escena a mediados de los años 90.

      Paul Thomas Anderson nació en California en 1970, hijo de Edwina Anderson, ama de casa, y Ernie Anderson, actor. La carrera de Ernie Anderson como presentador de un programa de horror llamado Shock Theatre y como locutor en ABC despertó la temprana fascinación de Paul por el cine y el entretenimiento. Mientras Anderson tenía una relación difícil con su madre porque quería seguir una carrera artística, Ernie fue más que alentador de las ambiciones de su hijo.

      Anderson empezó a experimentar con la dirección desde los 8 años, pero el punto de inflexión en su incipiente carrera llegó en 1982, con 12 años, cuando su padre compró una cámara Betamax, un equipo relativamente nuevo en ese entonces. Saltando entre 8mm, 16mm y video durante su adolescencia, Anderson realizó su primera producción seria en su último año de secundaria (financiada con un trabajo a tiempo parcial en una tienda de mascotas), un mockumentary de media hora al estilo Spinal Tap sobre una estrella del porno llamada Dirk Diggler, inspirado en la vida y carrera reales de un actor pornográfico llamado John Holmes. Poco sabía Anderson que volvería al mismo tema y personaje solo nueve años después.

      Decidiéndose a aprender su oficio en una escuela de cine, Anderson optó por mantenerse cerca de casa eligiendo el Santa Monica College. Sin embargo, encontró la escuela de cine creativamente asfixiante y aburrida, lamentando que los métodos de enseñanza en Santa Monica convirtieran la realización cinematográfica en "tarea o quehacer", quemando completamente su disfrute del proceso artístico. Durante los siguientes años de principios de los 90, Anderson fluctuó. Primero asistió a Emerson durante dos semestres como estudiante de inglés, siendo enseñado por David Foster Wallace, y pasó unas 48 horas en Nueva York, antes de aprender las bases de su carrera elegida como asistente de producción, dividiendo su tiempo entre Los Ángeles y Nueva York trabajando en televisión, videos musicales, películas y programas de concursos.

      Inspirado por figuras como Robert Altman, Stanley Kubrick, Anthony Mann, Max Ophuls, Billy Wilder, David Mamet, Mike Leigh y Martin Scorsese, Anderson se embarcó en la realización de un cortometraje de 20 minutos titulado Cigarettes and Coffee en 1993. Financiado por una combinación de dinero ganado con apuestas, la tarjeta de crédito de su novia en ese momento y ahorros de su padre para ir a la universidad, Cigarettes and Coffee cuenta la historia de un grupo de completos desconocidos cuyas vidas están todas conectadas a través de un billete de veinte dólares.

      La producción fue un esfuerzo de guerrilla con un equipo sin experiencia, pero la determinación de Anderson impulsó el proyecto a completarse en pocas semanas. Gracias a su amigo Shane Conrad, que trabajaba en Panavision, Anderson pudo alquilar una cámara y un dolly, así como conseguir que Miguel Ferrer participara en un papel principal.

      Cigarettes and Coffee es un capítulo importante en la carrera de Anderson por dos razones. La primera es que representó las primeras señales de rasgos estilísticos de Anderson, como planos largos, un elenco de personajes expansivo/interconectado, la exploración de la soledad, el arrepentimiento, la alienación social, el uso del humor negro y la idea de destino y predestinación. La segunda es que fue su primera colaboración con el actor de carácter consumado Phillip Baker Hall, con quien Anderson había conocido por primera vez como asistente de producción.

      Tras completar Cigarettes and Coffee, Anderson lo inscribió inmediatamente en el circuito de cortometrajes, donde rápidamente atrajo tanto una audiencia de boca en boca como la atención de personajes influyentes de la industria. La fiebre por el cortometraje alcanzó su punto máximo tras ser presentado en el programa de Cortometrajes del Festival de Sundance, y los organizadores quedaron tan impresionados que Anderson fue invitado a la división de largometrajes del festival un año después.

      Fue mentorizado por el veterano director escocés Michael Caton Jones, quien lo describió como poseedor de “talento y una voz creativa completamente formada, pero no mucha experiencia práctica”, y compartió sus conocimientos y habilidades con el joven director durante el proceso de convertir su corto en su primera película. Con la admiración de Sundance en su bolsillo, Anderson rápidamente firmó un acuerdo con Rysher Entertainment, una filial del gigante corporativo Viacom, para dirigir su debut, Sydney, un drama policíaco noir duro.

      La trama de la película narra la historia de John (John C. Reilly), un joven jugador empobrecido y desventurado que vive en Nevada. Por casualidad, John conoce a Sydney (Phillip Baker Hall), un misterioso pero exitoso jugador, quien toma a John bajo su ala y le enseña los matices del juego profesional. Sin embargo, las cosas se complican cuando John gana la confianza de un pequeño criminal llamado Jimmy (Samuel L. Jackson) y se enamora de Clementine (Gwyneth Paltrow), una hermosa camarera de cócteles y prostituta ocasional. De repente, John y Clementine se ven en una situación mucho más grande que ellos, lo que lleva a Sydney al límite.

      Filmad con un presupuesto de 3 millones de dólares, surgió una disputa entre Anderson y Rysher debido a que el estudio reeditó la película sin su consentimiento, por lo que Anderson cambió el título de Sydney a Hard Eight (por una línea dicha por el personaje de Samuel L. Jackson), recaudando 200,000 dólares con la ayuda del elenco para completar Hard Eight en sus propios términos.

      Estrenada en festivales, Hard Eight debutó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 1996, donde rápidamente empezó a atraer atención, como lo había hecho Cigarettes and Coffee tres años antes. La película recibió críticas entusiastas, por ejemplo, de Roger Ebert, quien elogió que le recordaba “qué personajes originales y convincentes pueden darnos a veces las películas”.

      Una obra maestra de narración económica, con un elenco de personajes marginados que, aunque no sean completamente adorables, aún resultan muy empáticos, además de contar con actuaciones sobresalientes de un talento en ascenso, que desde su estreno en 1996 se han convertido en nombres de dominio público, en retrospectiva, Hard Eight es una obra clave en la edad dorada del cine independiente estadounidense de los 80 y 90. Con solo 26 años y medio decenio desde que abandonó la escuela de cine, Anderson ya se le perfilaba como un Robert Altman para los años 90.

      Durante la última fase de producción de Hard Eight, Anderson terminó un guion con el que pensaba seguir después de Hard Eight, titulado Boogie Nights. El guion era una revisión de su cortometraje de falso documental de la secundaria, The Dirk Diggler Story, pero ahora con un metraje de duración completa, respaldo de un gran estudio en forma de New Line Cinema y 15 millones de dólares para jugar.

      Ambientada a finales de los años 70 y principios de los 80, Boogie Nights sigue a Eddie (Mark Wahlberg), un adolescente que trabaja como lavaplatos en un club nocturno en el Valle de San Fernando. Una noche, mientras trabaja, Eddie tiene un encuentro fortuito con el magnate del porno Jack Horner (Burt Reynolds) quien cree que Eddie tiene lo que se necesita para convertirse en una estrella del porno exitosa y también para ayudarle a alcanzar su sueño de hacer pornografia verdaderamente artística. Desde entonces, Eddie se adentra en el mundo de Jack Horner, formando parte de su familia muy unida de estrellas de porno, con Horner como una especie de extraño padre para todos ellos, viviendo un auge y caída como Ícaro.

      Estilísticamente, Boogie Nights combina la estructura narrativa, la cinematografía estilizada y los cambios rápidos propios de un videoclip, como en Goodfellas, un equilibrio entre drama y comedia negra a la Nashville y Pulp Fiction, además de la integración de la música en la narrativa/cronología de un sector en rápida transformación inspirado en el amor de Anderson por Singin’ in the Rain.

      El proceso de casting para Boogie Nights comenzó inmediatamente después de terminar Hard Eight, buscando un joven actor para interpretar a Eddie Adams, alias Dirk Diggler. Al principio, Anderson quería a Leonardo DiCaprio, quien entonces recién había tenido éxito con The Basketball Diaries y empezaba a convertirse en uno de los actores jóvenes más demandados de Hollywood, para el papel de Eddie. Sin embargo, DiCaprio tuvo que rechazar dolorosamente el guion a pesar de disfrutarlo, por comprometerse con Titanic de James Cameron.

      Poco después, Anderson conoció a Joaquin Phoenix para convencerlo de que aceptara el papel, pero no logró aliviar sus preocupaciones sobre el material del guion y la parte de estrella del porno. Sin embargo, la fallida oferta a DiCaprio tuvo un lado positivo, ya que Anderson decidió también conocer a Mark Wahlberg, coestrella de DiCaprio en The Basketball Diaries, a quien DiCaprio recomendó personalmente para el papel. La elección de Wahlberg en ese momento fue arriesgada, ya que apenas había hecho trabajos como actor y era principalmente conocido por ser un rapero blanco mediocre y modelo. Pero Anderson, viendo que tenía las maneras y el carisma adecuados para el papel, se dio cuenta de que valía la pena correr el riesgo.

      Para el papel del deuteragonista, el ambicioso director de porno Jack Horner, Anderson consultó a figuras como Bill Murray, Harvey Keitel, Sydney Pollack, Warren Beatty y Albert Brooks, pero sin éxito. En otra decisión arriesgada, Anderson decidió que Burt Reynolds sería perfecto para el papel. En ese punto de su carrera, Reynolds era visto como una estrella en declive, pasado su apogeo en los años 70 y ya no en la cima, y ahora reducido a papeles secundarios en proyectos no especialmente destacados por dinero.

      Con Wahlberg y Reynolds a bordo, Anderson empezó a armar el elenco de apoyo, incorporando talentos emergentes como Don Cheadle, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore, Heather Graham, John C. Reilly y Thomas Jane en varios papeles secundarios.

      La producción de Boogie Nights sería lejos de ser tranquila. Primero, tras su terrible experiencia con Rysher Entertainment, Anderson peleó fuerte con New Line, exigiendo que la película terminada dura tres horas y tenga clasificación NC-17 (más restrictiva que R, ya que una clasificación R permite que alguien menor de 17 años vea la película con un adulto). En los ojos de Anderson, la película tenía muy poca aceptación comercial desde un principio, así que esa certificación restrictiva no le importaba en absoluto.

      Pero New Line no cedió, así que Anderson aceptó su desafío de obtener una clasificación R. Una vez alcanzado un acuerdo con el estudio, las tensiones se reavivaron por la relación conflictiva de Anderson con Burt Reynolds en el set.

      Básicamente, ambos se fastidiaban. Reynolds resentía la juventud de Anderson y, en su autobiografía, años después, dijo que “no le gustaba que un chaval más joven que algunos sándwiches que he comido le dirigiera”, además de que sentía que el entusiasmo del director por la historia del cine lo condescendía, al usar datos y técnicas de rodaje del cine clásico en alguien que era al menos tres décadas mayor que él.

      Según diversos rumores, Reynolds estaba confundido por el tono de la película en el set, pensando que su agente había firmado por una película que arruinaría su carrera, lo que le llevó a pelearse tanto con Anderson como con los miembros del elenco. Boogie Nights se estrenó en octubre de 1997, con críticas entusiastas y una taquilla fantástica, recaudando 43 millones de dólares con un presupuesto de 15 millones.

      La crítica de Janet Maslin en The New York Times alabó tanto la capacidad de Anderson para mantener el interés pese a la duración de dos horas y media, como la actuación de Reynolds, calificándola como “la mejor y más elegante actuación de muchos años”, y al mismo tiempo elogió a Wahlberg. Mick LaSalle, del San Francisco Chronicle, elogió la habilidad de Anderson para recrear el ambiente y la estética de los 70, y Roger Ebert destacó la película por su narrativa expansiva, su inteligente estudio de personajes y su ritmo vertiginoso, comentando que “Boogie Nights tiene la cualidad de muchas grandes películas, en que siempre parece estar vivo.”

      Si Hard Eight fue el primer paso tímido de Anderson hacia el reconocimiento, entonces Boogie Nights fue un avance a la Usain Bolt en la fama mainstream. A los 27 años, Anderson era ya nominado al Oscar (lamentablemente perdiendo en Mejor Guion Original ante Good Will Hunting de Matt Damon y Ben Affleck) y ganó como mejor nuevo director en los Boston Society of Critics’ Awards. Ahora, en un estatus de estrella del rock, la nueva película de PTA comenzaba a ser un evento que los cinéfilos marcarían en sus agendas.

      Durante el tedioso proceso de posproducción de Boogie Nights, Anderson comenzó a pensar en ideas para distraerse del aburrimiento del montaje. Escribiendo todas ellas meticulosamente, empezó a compilarlas en formato de guion intentando encontrar una estructura específica. Gracias al éxito de Boogie Nights, el estudio le dio a Anderson un cheque en blanco para hacer cualquier película que quisiera, con la garantía de tener el corte final.

      Para su cheque en blanco, que tituló Magnolia, Anderson originalmente imaginó un drama de pequeña escala que pudiera filmarse en 30 días. Pero a medida que empezó a escribir el guion, su visión se amplió a una historia de gran escala con un elenco amplio y conectado, creando un mosaico cinematográfico épico —en sus palabras, “la mejor película sobre el Valle de San Fernando de todos los tiempos.”

      La escritura de Magnolia fue la más experimental de Anderson hasta ese momento, comenzando con listas de palabras, imágenes específicas, actores y música, para impulsar ideas. Se dio cuenta de que quería que sus colaboradores habituales, Phillip Baker Hall y Melora Waters, participaran por la imagen mental recurrente de ellos como padre e hija distanciados, y a través de su investigación sobre los árboles de magnolia, encontró el título perfecto. También recordó su tiempo como asistente en un programa de concursos de televisión llamado Quiz Kid Challenge, y lo incorporó en la trama del guion.

      Anderson se inspiró en dos fuentes musicales para la estructura narrativa de la película. La primera fue la canción A Day In The Life de The Beatles, con una estructura rítmica de “subir, nota por nota, luego bajar o receder, y volver a subir”, que Anderson buscaba emular. La música de la cantautora Aimee Mann, amiga personal de Anderson, realmente sustenta toda la película, con la canción Deathly que lo impulsó a crear el personaje de Claudia Gator y el uso de su música en general, formando el vínculo entre distintos arcos de personajes.

      En cuanto al casting, Anderson contrató a sus colaboradores habituales como Phillip Baker Hall, Phillip Seymour Hoffman, Julianne Moore, William H. Macy y John C. Reilly en papeles principales, pero gracias a su nuevo prestigio tras Boogie Nights, pudo convencer a Tom Cruise — en ese momento en el pico de su estrellato — para que participara en un papel principal. Cruise, gran fan de Boogie Nights, contactó personalmente a Anderson para ofrecerle un papel en su próximo proyecto.

      Cruise estaba nervioso por aceptar el papel de Frank TJ Mackey, un seductor confiado que vende seminarios sobre su técnica a audiencias crédulas, pero en secreto un hombre traumatizado y destruido por dentro. Anderson y el productor Michael DeLuca lograron convencer a Cruise de salir de su zona de confort, presumiblemente vendiendo a la estrella de Magnolia como una oportunidad para mostrar su rango actoral.

      Ambientada en el entonces presente en el Valle de San Fernando, Magnolia narra las vidas de varios personajes, principalmente Donnie, una ex estrella infantil de programas de concursos (William H. Macy); Jim, un policía simpático pero ingenuo (John C. Reilly); Jimmy, un presentador de televisión con un oscuro secreto (Phillip Baker Hall); Linda, una esposa trofeo deprimida (Julianne Moore); Claudia, la hija drogadicta y distante de Jimmy (Melora Walters); Stanley, un prodigio infantil (Jeremy Blackman); Phil, un enfermero masculino (Philip Seymour Hoffman); y Frank (Tom Cruise), un predecesor de Andy Tate, que difunde sus ideas sobre las mujeres y las relaciones a través de seminarios elaborados.

      Cada uno de estos personajes está conectado por la presencia de un hombre rico, anciano y terminalmente enfermo llamado Earl Partridge (Jason Robards), un productor de televisión exitoso tras un programa de concursos de éxito. A lo largo de tres horas, Anderson construye una trama compleja, tejiendo una telaraña en la que cada hilo está meticulosamente enlazado con el anterior.

      En contraste con el estilo exuberante de Boogie Nights, Magnolia es una obra maestra del cine adulto lento, deliberado y kubrickiano. Anderson utiliza planos largos en movimiento, primeros planos y muy pocos cortes, para que la audiencia tenga la ilusión de una conexión íntima con las vidas de estos personajes. Anderson quería que la película tuviera una paleta de colores cálida y apretada, como se muestra por su uso extensivo de verdes, marrones y diferentes tonos de blanco, incluso rodando una secuencia ambientada en 1911 con una cámara de época y de mano de Pathe.

      Tras terminar Magnolia, las tensiones volvieron a surgir entre Anderson y New Line respecto a la estrategia de marketing de la película. Anderson buscaba que la campaña evitara poner el protagonismo de Cruise por encima del resto del elenco, y odiaba el tráiler y el cartel que la productora lanzó, hasta el punto de diseñar uno nuevo y editar su propio tráiler. Aunque el estudio aceptó sus demandas, después de reflexionar, Anderson se dio cuenta de que había sido intransigente.

      Estrenada a finales de 1999 en salas limitadas y luego en un estreno más amplio en enero de 2000, Magnolia tuvo una recepción en taquilla mucho más tibia que Boogie Nights, probablemente por su trama más abstracta, tono sombrío y extensa duración, recaudando en total 48 millones de dólares con un presupuesto de 37 millones.

      La acogida crítica fue mucho más dividida que la de Boogie Nights. Janet Maslin, que había alabado su película anterior, destruyó Magnolia en su reseña para The New York Times, al igual que el crítico del Observer Philip French, considerándola una tentativa poco convincente de una tragedia griega moderna, llamando a los personajes “atrofiados y patéticos”. Por suerte para Anderson, los críticos que amaron Magnolia superaron en número a los que no, y fueron muy vocales en su elogio. USA Today le otorgó tres estrellas de cuatro, calificándola como una de las mejores películas de 1999, Roger Ebert la llamó “éxtasis operático” y le otorgó 4 de 4 estrellas y como su segunda película favorita de ese año, justo detrás de Ser Picard.

      Para Anderson, sin embargo, la guinda del pastel fue recibir elogios de nadie menos que Ingmar Bergman, quien citó Magnolia como ejemplo de la fortaleza del cine estadounidense. Con el tiempo, Magnolia ha sido justamente considerada una obra maestra. Es una película de escala y gran intimidad, y sin entrar demasiado en spoilers, una mezcla magistral de lo mundano y lo surrealista — una exhibición virtuosa de cine que demostró que Paul Thomas Anderson todavía está lejos de ser un destello pasajero.

      La siguiente película de Anderson tras Magnolia, Punch Drunk Love (2002), representó un regreso al estilo de narración de pequeña escala que mostró en su debut Hard Eight, seis años antes. Una comedia romántica absurdista, Punch Drunk Love es a la vez dolorosamente difícil de ver, pero con un tono dulce y desarmantemente tierno que rodea a su protagonista marginado, en línea con trabajos anteriores de Anderson.

      En un movimiento de casting que sorprendió a muchos fanáticos de Anderson en ese momento, el director decidió escoger como protagonista al rey de las comedias groseras Adam Sandler, escribiendo el personaje de Barry Egan pensando en él. Dado su trayectoria previa, Anderson tuvo que argumentar con firmeza ante la productora JoAnne Seller Anderson que Sandler era la elección perfecta para el papel.

      La trama de Punch Drunk Love sigue a Barry Egan (Adam Sandler), un empresario solitario, miserable y aburrido, que equilibra una disfuncional familia extensa y la monotonía de su trabajo. A través de una de sus hermanas, Barry conoce a una mujer hermosa llamada Lena (Emily Watson), por quien queda instantáneamente enamorado. Sin embargo, su relación emergente se ve amenazada por la impulsividad de Barry, que termina siendo víctima de un extorsionador.

      Siguiendo la inspiración en las obras de Jacques Tati y en musicales de Hollywood como The Band Wagon, Punch Drunk Love es un caleidoscopio colorido y audaz de una película. Las titulaciones intercaladas, diseñadas por Jeremy Blake y que funcionan como tomas tipo Ozu y al mismo tiempo aportan un carácter novelesco a la película.

      Punch Drunk Love mostró las cualidades humanistas de Anderson como cineasta, dirigiendo a Adam Sandler y Emily Watson en actuaciones aclamadas que ayudaron a que el primero comenzara a ser tomado en serio como actor. Desafortunadamente, Punch Drunk Love fracasó en taquilla, pero desde 2002 su reputación ha crecido tanto que ha sido incluido en varias listas de las mejores de la década.

      Aunque principalmente recibió elogios (en gran parte por la actuación de Sandler) en ese momento, es una película tan tonalmente poco convencional que, como There’s a Riot Goin’ On de Sly and the Family Stone o Playtime de Jacques Tati, Punch Drunk Love necesitó alrededor de una década para que el consenso crítico reconociera sus múltiples virtudes. Su mezcla de comedia negra, romance dulce y surrealismo raro ha sido adoptada por numerosos cineastas influenciados por el trabajo de Anderson.

      A mediados de los 2000, Anderson sufrió un bloqueo creativo, luchando por escribir un guion sobre una familia conflictuada. Pero la salvación llegaría en forma del escritor gastronómico Eric Schlosser, autor de Fast Food Nation, quien tras leer obras de Upton Sinclair, compró los derechos cinematográficos de su novela Oil! con el auspicio del patrimonio de Sinclair.

      Schlosser buscó inmediatamente a Anderson para dirigir una adaptación de la sátira de Sinclair sobre la industria petrolera, encontrando que sus temas siguen siendo tan relevantes en el siglo XXI como lo fueron en 1927. Tras su encuentro con Schlosser, Anderson compró una copia de la novela de Sinclair durante su estancia en Londres, atraído por la impactante portada de un campo petrolero en California.

      Anderson pronto se dio cuenta de que el libro tenía un enorme potencial cinematográfico y utilizó las primeras 150 páginas de la historia como base para un guion, cambiando el título de Oil! a There Will Be Blood, ya que sintió que no había incluido suficiente del texto de Sinclair (debido a la extensión inmensa de la historia) para considerarlo una adaptación auténtica. Anderson investigó minuciosamente la historia del petróleo en sus inicios, visitando numerosos museos en Bakersfield, California, para que su narrativa fuera lo más histórica posible.

      Para el papel del protagonista, Daniel Plainview, Anderson consideró seriamente solo a un actor: Daniel Day-Lewis. Dado la selectividad de Day-Lewis para aceptar papeles, Anderson se alivió al saber que el actor era un gran fan de Punch Drunk Love, y aunque le había enviado un guion inacabado, Day-Lewis quedó tan enamorado de lo que leyó que aceptó el papel, citando la capacidad de Anderson para equilibrar la escala épica con la escritura de personajes íntimos como la razón principal.

      Para el papel del farsante predicador del milagro, Eli Sunday, Anderson eligió al joven y prometedor actor Paul Dano, quien rápidamente estableció su estatus como favorito de la industria independiente tras su papel en Pequeña Miss Sunshine. A pesar de ser una constante molestia para las ambiciones de Plainview, Eli tiene una brújula moral y una naturaleza duplicitosa que refleja perfectamente la del propio Plainview.

      A Anderson le tomó dos años conseguir financiación para la película, debido a que varias studios pensaron erróneamente que There Will Be Blood no tenía el alcance para ser un proyecto de gran estudio. Finalmente, Paramount decidió correr el riesgo de financiarla, proporcionándole 25 millones de dólares, considerados riesgos por la industria debido al fracaso comercial de Punch Drunk Love.

      Ambientada en los años 1890-1920, There Will Be Blood se centra en un inescrupuloso minero de plata, Daniel Plainview, quien, tras descubrir una cantidad significativa de plata en un pozo profundo, se rompe una pierna. Sobreviviente, se arrastra hacia la libertad y lleva sus hallazgos a una oficina de análisis, que le otorga una reclamación de plata y oro por sus esfuerzos.

      Años después, en otro golpe de suerte, Plainview encuentra petróleo en California. Tras la muerte de uno de sus compañeros en un trágico accidente, adoptando a su hijo H.W., lo usa como una herramienta para proyectar una imagen familiar y amigable, mientras engaña a propietarios rurales para vender sus propiedades ricas en recursos por monedas, mucho menos que su valor real. Esto lo pone en la mira del predicador local, Eli Sunday, quien rápidamente descubre la verdadera naturaleza de Plainview, desencadenando una larga enemistad.

      Este filme épico, una meditación sobre la codicia y el poder en la estela de El tesoro de la Sierra Madre de John Huston y Ciudadano Kane, es uno de los trabajos más ambiciosos de Anderson hasta la fecha. Se demuestra con extensos planos largos, una secuencia inicial sin diálogo y sólo con sonido diegético, y una de las escenas cinematográficas más memorables de los últimos 25 años, donde Plainview y su equipo intentan apagar una torre de petróleo en llamas, en una secuencia de sonidos e imágenes comparable a las obras de Erich Von Stroheim o Fritz Lang.

      There Will Be Blood fue rápidamente reconocido por la mayoría de los críticos, figurando en casi todas las listas de lo mejor del año y siendo nominado a nueve Óscar, ganando dos (Mejor Actor para Daniel Day-Lewis y Mejor Fotografía para Robert Elswit). Las actuaciones de Day-Lewis y Dano son ambas magníficas, retratando a dos estafadores cuya rivalidad se reduce a que comparten más similitudes de las que ambos querrían admitir.

      También marcó la primera de varias colaboraciones con el guitarrista de Radiohead, Johnny Greenwood, cuyo score de estilo clásico e industrial proporciona el fondo sónico perfecto para la historia, hasta el punto que resulta impensable la película sin su música. Desde 2007, There Will Be Blood solo ha crecido en estima popular y crítica y en 2016 fue votada como la tercera mejor película del siglo XXI hasta esa fecha, tras In the Mood for Love y Mulholland Drive.

      A pesar de tener solo 37 años en ese momento, There Will Be Blood consolidó a Anderson como un cineasta de gran prestigio en el cine estadounidense, un autor serio en la misma categoría que Kubrick y Terrence Malick. Desde 2007, Anderson, al igual que los Hermanos Coen antes que él, ha demostrado que puede crear películas que reflejan las dos caras de su estilo.

      Desde There Will Be Blood, ha equilibrado la realización de películas en línea con esa misma línea, como The Master (2012), una sátira juvenil y épica sobre la Cienciología y cultos en general; Inherent Vice (2014), adaptación de la novela de Thomas Pynchon, uno de los mayores novelistas vivos de Estados Unidos, un neo-noir psychodrama; Phantom Thread (2017), un intento de drama romántico, género que Anderson no había explorado antes; y Licorice Pizza (2021), una comedia dramática de crecimiento en tono similar a Boogie Nights.

      Este año, la última obra de Anderson, One Battle After Another, inspirada en la novela Vineland de Thomas Pynchon y protagonizada por Leonardo DiCaprio, está prevista para su estreno [ver el tráiler aquí].

      El lugar que ocupará One Battle After Another en la ilustre filmografía de Anderson solo lo dirá el tiempo, pero en una industria basada en la reutilización infinita y el plagio de ideas ajenas, el hecho de que un autor de verdad siga activo y tan apasionado por hacer cine es algo hermoso.

      Simon Thompson