L'ascesa di Paul Thomas Anderson: Una leggenda vivente

      Davanti a Una Battaglia Dopo l’Altra, Simon Thompson si immerge profondamente nell’ascesa del regista Paul Thomas Anderson…

      Paul Thomas Anderson è un regista la cui carriera sembra uno studio d’ironía. È un cineasta art-house, ma possiede lo status di insider di Hollywood, apparentemente in grado di raccontare le sue storie anche in un’epoca estremamente avversa al rischio nella storia del cinema americano. I suoi film sono spesso su emarginati, strutturati intorno a narrazioni ambigue, meditando sulle difficoltà con la solitudine, e sono girati e costruiti con livelli di deliberazione kubrickiana, eppure è un regista che ha coltivato un seguito sorprendentemente vasto dato la natura del suo lavoro. In breve, è una leggenda vivente e siamo fortunati a averlo ancora al lavoro, con lo stesso livello di passione e maestria che ha mostrato sin dal suo debutto nei primi anni ’90.

      Paul Thomas Anderson nacque in California nel 1970, figlio di Edwina Anderson, casalinga, e Ernie Anderson, attore. La carriera di Ernie come conduttore di uno show horror chiamato Shock Theatre e come annunciatore su ABC scatenò in Paul la prima fascinazione per il cinema e l’intrattenimento. Mentre Anderson aveva un rapporto difficile con sua madre perché desiderava seguire una carriera artistica, Ernie incoraggiava invece le ambizioni del figlio.

      Anderson iniziò a sperimentare con la regia già all'età di 8 anni, ma il punto di svolta nella sua precoce carriera arrivò nel 1982, all'età di 12 anni, quando suo padre gli comprò una videocamera Betamax, all’epoca tecnologia relativamente nuova. Alternando tra 8mm, 16mm e video durante gli anni dell’adolescenza, Anderson realizzò la sua prima produzione seria da matricola alle superiori (finanziata tramite un lavoro part-time in un negozio di animali domestici), un mockumentary di mezz’ora in stile Spinal Tap su una pornostar di nome Dirk Diggler, ispirato dalla vita reale e dalla carriera di un attore porno di nome John Holmes. Poco sapeva Anderson che avrebbe poi ritornato sullo stesso soggetto e personaggio appena nove anni dopo.

      Decidendo di imparare il mestiere alla scuola di cinema, Anderson optò per rimanere vicino a casa scegliendo il Santa Monica College. Tuttavia, trovò la scuola di cinema creativamente soffocante e noiosa, lamentando i metodi didattici di Santa Monica che trasformavano il filmmaking in “compiti a casa o un lavoro da svolgere”, togliendogli completamente il piacere del processo artistico. Nei successivi anni ’90, Anderson si mosse tra varie esperienze. Prima frequentò l'Emerson per due semestri come studente di inglese sotto la guida di David Foster Wallace e trascorse brevemente 48 ore a New York, prima di imparare le basi del suo mestiere come assistente di produzione, dividendo il suo tempo tra Los Angeles e New York lavorando in TV, videoclip, lungometraggi e game show.

      Ispirato da registi come Robert Altman, Stanley Kubrick, Anthony Mann, Max Ophüls, Billy Wilder, David Mamet, Mike Leigh e Martin Scorsese, Anderson iniziò a realizzare un cortometraggio di 20 minuti intitolato Cigarettes and Coffee nel 1993. Finanziato con una combinazione di soldi vinti tramite il gioco d’azzardo, la carta di credito della sua ragazza dell’epoca e i risparmi del padre destinati a pagare il college, Cigarettes and Coffee racconta la storia di un gruppo di sconosciuti le cui vite sono tutte collegate tramite una banconota da 20 dollari.

      La produzione fu un tentativo guerrigliero con un cast inesperto, ma la determinazione di Anderson portò il progetto a termine in poche settimane. Tramite il suo amico Shane Conrad, che lavorava per Panavision, Anderson poté noleggiare una telecamera e un carrello, e riuscì anche a coinvolgere Miguel Ferrer in un ruolo da protagonista.

      Cigarettes and Coffee rappresenta un capitolo importante nella carriera di Anderson per due motivi. Il primo è che mostrò i primi segnali delle caratteristiche stilistiche di Anderson, come lunghe inquadrature, un cast ampio e interconnesso, l’esplorazione della solitudine, del rimorso, dell’alienazione sociale, l’uso di umorismo nero e l’idea di fato e destino. Il secondo motivo è che fu la sua prima collaborazione con l’attore di carattere eccellente Phillip Baker Hall, che Anderson aveva incontrato per la prima volta come assistente di produzione.

      Dopo aver completato Cigarettes and Coffee, Anderson lo promosse immediatamente nel circuito dei cortometraggi, dove attirò rapidamente sia un seguito di passaparola, sia l’attenzione dei big dell’industria cinematografica. Il clamore intorno al corto raggiunse l’apice dopo averlo inserito nel programma di cortometraggi del Sundance, e gli organizzatori rimasero così colpiti che nel 1994 Anderson fu invitato alla divisione dei lungometraggi del festival.

      Furono il veterano regista scozzese Michael Caton Jones e altri mentori a riconoscere in Anderson un talento e una voce creativa già formata, anche se ancora acerba, trasmettendogli conoscenze e abilità durante lo sviluppo del suo primo lungometraggio. Forte del plauso di Sundance, Anderson firmò rapidamente un contratto con Rysher Entertainment, studio sussidiario del gigante Viacom, per dirigere il suo debutto, Sydney, un noir duro e dal carattere noir.

      La trama del film narra la storia di John (John C. Reilly), un giovane giocatore sfortunato e senza soldi che vive nel Nevada. Attraverso un incontro fortuito, John incontra Sydney (Phillip Baker Hall), un misterioso ma di successo giocatore d’azzardo, che prende John sotto la sua ala e gli insegna le sfumature del gioco professionistico. Le cose si complicano quando John, da un lato, fa amicizia con un criminale di basso livello di nome Jimmy (Samuel L. Jackson) e, dall’altro, si innamora di Clementine (Gwyneth Paltrow), una bellissima cameriera di nightclub e prostituta part-time. John e Clementine si trovano improvvisamente in una situazione troppo grande per loro, portando Sydney ai limiti.

      Girato con un budget di 3 milioni di dollari, il film ebbe un contenzioso tra Anderson e Rysher a causa di un intervento della studio che rimodificò il montaggio senza consenso, e Anderson ribattezzò il film da Sydney a Hard Eight (dal verso di un’omonima battuta del personaggio di Samuel L. Jackson), raccogliendo 200.000 dollari con l’aiuto del cast per completare Hard Eight secondo le proprie esigenze.

      Presentato in festival, Hard Eight debuttò nella sezione Un Certain Regard del Festival di Cannes nel 1996, attirando subito l’attenzione come Cigarettes and Coffee tre anni prima. Il film ricevette recensioni entusiastiche da critici come Roger Ebert, che lo elogiò dicendo che “gli ricordava quanto i personaggi originali e coinvolgenti possano dare ai film”.

      Capolavoro di narrazione economica, con un cast di personaggi outsider che, seppur non completamente simpatici, sono comunque molto empatici, e grazie a interpretazioni eccezionali di un cast di talento — che dalla sua uscita nel 1996 sono diventati nomi familiari —, Hard Eight, a posteriori, è considerato un’opera chiave nel periodo d’oro del cinema indipendente americano degli anni '80-'90. A soli 26 anni, e a soli cinque anni dall’abbandono della scuola di cinema, Anderson venne acclamato come un Robert Altman degli anni ‘90.

      Durante la fase finale della produzione di Hard Eight, Anderson completò una sceneggiatura che avrebbe seguito il film, intitolata Boogie Nights. La sceneggiatura era un ritorno al suo primo mockumentary di scuola superiore, The Dirk Diggler Story, ma ora con una durata da lungometraggio, il supporto di uno studio major come New Line Cinema, e 15 milioni di dollari a disposizione.

      Ambientato nel tardo anni ’70-1980, Boogie Nights segue Eddie (Mark Wahlberg), un adolescente che lavora come lavapiatti in un nightclub nel San Fernando Valley. Una sera, Eddie ha un incontro fortuito con il magnate del porno Jack Horner (Burt Reynolds), che crede che Eddie abbia tutte le caratteristiche per diventare una star del porno di successo e possa anche aiutarlo a realizzare il suo sogno di produzioni pornografiche artistiche. Da quel momento, Eddie si immerge nel mondo di Jack Horner, diventandone parte della famiglia allargata di porno star, con Horner come strano figura paterna, vivendo un’ascesa e un’inevitabile crisi simile a quella di Icaro.

      Stilistico, Boogie Nights combina la struttura narrativa, la cinematografia stilizzata e il montaggio rapido da videoclip di Goodfellas, un equilibrio tra dramma e umorismo nero alla Nashville e Pulp Fiction, e l’integrazione della musica nel racconto e nella cronaca di un’industria in rapida evoluzione, ispirata dall’amore di Anderson per Singin’ in the Rain.

      Il processo di casting per Boogie Nights iniziò immediatamente dopo il completamento di Hard Eight, con Anderson alla ricerca di una giovane stella per interpretare il protagonista Eddie Adams, alias Dirk Diggler. All’inizio Anderson voleva Leonardo DiCaprio, fresco del successo di The Basketball Diaries e in crescita come il più richiesto giovane attore di Hollywood, per recitare nel ruolo di Eddie. Tuttavia, DiCaprio dovette rifiutare dolorosamente il ruolo, nonostante lo apprezzasse, perché aveva firmato per Titanic di James Cameron.

      Poco dopo, Anderson incontrò Joaquin Phoenix per convincerlo a interpretare il ruolo, ma non riuscì a convincerlo a causa delle sue preoccupazioni sul materiale della sceneggiatura e sul fatto di interpretare un porno star. La delusione di DiCaprio ebbe però un lato positivo: Anderson decise di incontrare Mark Wahlberg, collega di DiCaprio in The Basketball Diaries, che lo aveva raccomandato personalmente. La scelta di Wahlberg rappresentò un rischio, visto che aveva poca esperienza recitativa e era principalmente conosciuto come rapper bianco mediocre e modello. Ma Anderson, notando le sue caratteristiche e il carisma adatto al ruolo, capì che ne valeva la pena.

      Per il ruolo del deuteragonista, un ambizioso regista porno, Jack Horner, Anderson consultò attori come Bill Murray, Harvey Keitel, Sydney Pollack, Warren Beatty e Albert Brooks, ma senza successo. In un’altra scelta rischiosa, Anderson decise che Burt Reynolds sarebbe stato perfetto per il ruolo. A quel punto, Reynolds era considerato una star decaduta, la sua popolarità negli anni ’70 e il suo ruolo di primo piano erano ormai passati, e si ritrovava a prendere ruoli di supporto in progetti non molto prestigiosi per soldi.

      Con Wahlberg e Reynolds confermati, Anderson iniziò a comporre il cast di supporto, includendo giovani attori emergenti come Don Cheadle, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore, Heather Graham, John C. Reilly e Thomas Jane.

      Le riprese di Boogie Nights furono tutt’altro che tranquille. Prima di tutto, dopo l’esperienza negativa con Rysher Entertainment, Anderson combatté duramente con New Line, pretendendo che il film finito durasse almeno tre ore e fosse classificato NC-17 (una rating più restrittiva dell’R, che permette a chiunque sotto i 17 anni di vedere il film con un genitore). Anderson riteneva che il film avesse poco appeal mainstream, quindi questa restrizione non importava. Tuttavia, New Line non cedette, e Anderson decise di considerarla una sfida: raggiunte le sue condizioni, le tensioni tornarono quando Anderson ebbe un rapporto teso con Burt Reynolds sul set.

      In modo diretto, i due si irritavano a vicenda. Reynolds criticava l’età di Anderson, scrivendo anni dopo nel suo autobiografia che “non gli offriva molta considerazione, dicendo che non era pazzo di essere diretto da qualcuno più giovane di alcuni panini che ho mangiato”, e trovava eccessivo l’entusiasmo del regista per la storia del cinema, sentendosi patronizzato dai continui riferimenti di Anderson a tecniche e nozioni di cinema. Secondo varie voci, Reynolds si confuse sul tono del film sul set, pensando che il suo agente avesse firmato un progetto che avrebbe ucciso la sua carriera, e arrivò a litigare con Anderson e con altri attori.

      Boogie Nights uscì nell’ottobre 1997, ricevendo recensioni entusiastiche e ottimi incassi, con 43 milioni di dollari di incasso su un budget di 15 milioni.

      La critica Janet Maslin del New York Times lodò sia la capacità di Anderson di mantenere vivo l’interesse del pubblico nonostante i due ore e mezza di durata del film, sia la performance di Reynolds, definendola “la sua miglior performance di molti anni, la più elegante e divertente”, e con lo stesso entusiasmo elogiò Wahlberg. Mick Lasalle, del San Francisco Chronicle, apprezzò la capacità di Anderson di ricostruire l’atmosfera degli anni ’70, sia dal punto di vista tonale che visivo, e Roger Ebert ne sottolineò l’ampiezza narrativa, l’intelligente studio dei personaggi e il ritmo vertiginoso, commentando: “Boogie Nights ha la qualità di molti grandi film, poiché sembra sempre vivo.”

      Se Hard Eight rappresentò il primo passo timido di Anderson verso il successo, allora Boogie Nights fu un’incredibile corsa a tutto gas nel riconoscimento mainstream. A soli 27 anni, Anderson divenne candidato all’Oscar (anche se perse nella categoria miglior sceneggiatura originale, vinta da Matt Damon e Ben Affleck per Will Hunting), e vinse come miglior regista emergente ai Boston Society of Critics’ Awards. Ora, assurgendo a livello di star, il nuovo film PTA stava diventando un evento cui gli appassionati di cinema avrebbero fatto il giro del calendario.

      Durante il lungo lavori di post-produzione di Boogie Nights, Anderson iniziò a concepire idee per distrarsi dalla monotonia del montaggio. Scrivendole tutte, iniziò a compilarle in un formato sceneggiativo, cercando di trovare una struttura precisa. Grazie al successo di Boogie Nights, Anderson ricevette un assegno in bianco da New Line per realizzare qualunque film desiderasse, con diritto di taglio finale.

      Per il suo jackpot artistico, che intitolò Magnolia, inizialmente immaginò un dramma di piccolo taglio, facilmente girabile in 30 giorni. Tuttavia, man mano che iniziava a scrivere la sceneggiatura, la sua visione si ampliò verso una grande storia con un cast ampio e connesso di personaggi, creando un mosaico cinematografico epico — il “film più grande mai fatto nella San Fernando Valley”, nelle sue parole.

      La scrittura di Magnolia fu l’opera più sperimentale di Anderson fino a quel momento, iniziando con elenchi di parole, immagini specifiche, attori e musica, per stimolare idee. Realizzò di voler coinvolgere come collaboratori abituali Phillip Baker Hall e Melora Waters, immaginandoli come padre e figlia allontanati, e attraverso ricerche sui tulipani di magnolia trovò il titolo perfetto. Ricordò anche il periodo in cui fu assistente in un game show televisivo chiamato Quiz Kid Challenge, che integrò nel plot della sceneggiatura.

      Anderson trasse ispirazione da due fonti musicali per la struttura narrativa del film. La prima fu il brano dei Beatles «A Day In The Life», con la struttura ritmica “crescendo, nota dopo nota, poi calare o recedere, e di nuovo ricostruire”, che cercò di emulare. La musica effettiva che sottende tutto il film è quella della cantautrice Aimee Mann, amica personale di Anderson, il cui brano «Deathly» spinse Anderson a creare il personaggio di Claudia Gator, e l’uso della musica di Mann nel complesso costituisce il filo conduttore tra i vari archi narrativi.

      Per quanto riguarda il casting, Anderson assunse collaboratori abituali come Phillip Baker Hall, Phillip Seymour Hoffman, Julianne Moore, William H. Macy e John C. Reilly per ruoli principali, ma grazie alla sua nuova influenza ottenuta con Boogie Nights, riuscì anche a convincere Tom Cruise — all’apice della sua carriera da superstar — a partecipare. Cruise era un grande fan di Boogie Nights e contattò personalmente Anderson per un ruolo principale nel suo prossimo progetto.

      Cruise era nervoso nel recitare il ruolo di Frank TJ Mackey, un amante della seduzione che vende seminari e tecniche di approccio al pubblico credulone, ma segretamente un uomo distrutto da traumi interiori. Anderson e il produttore Michael De Luca lo convinsero a uscire dalla sua zona di comfort, presentandolo come un’opportunità per mostrare il suo talento.

      Il film, ambientato nel San Fernando Valley dei primi anni 2000, racconta le vite di alcune figure, tra cui Donnie, ex star di game show (William H. Macy), Jim, un poliziotto simpatico e ingenuo (John C. Reilly), Jimmy, conduttore di show televisivi con un segreto oscuro (Phillip Baker Hall), Linda, una moglie insoddisfatta (Julianne Moore), Claudia, la figlia drogata di Jimmy (Melora Walters), Stanley, un prodigio infantile (Jeremy Blackman), Phil, un infermiere (Philip Seymour Hoffman), e Frank, un grossolano proto-Andrew Tate che diffonde le sue teorie sulle donne e le relazioni attraverso seminari elaborati.

      Questi personaggi sono tutti collegati dal ricco e anziano Earl Partridge (Jason Robards), produttore di successo di un game show di successo. Anderson tesse con cura una complessa rete narrativa di tre ore, intrecciando ogni filo con precisione.

      In contrasto con lo stile vivace e festoso di Boogie Nights, Magnolia è un capolavoro di film adulti lenti, deliberati, kubrickiani. Usa lunghe inquadrature, primi piani e pochissimi tagli, creando l’illusione di un’intima connessione con le vite di questi personaggi. Anderson desiderava un palet di colori caldo e compatto, con ampio uso di verde, marrone e variazioni di bianco, arrivando perfino a girare una sequenza ambientata nel 1911 con una videocamera Pathe d’epoca, fedele al periodo.

      Dopo aver concluso Magnolia, le tensioni con New Line si riaccesero riguardo alla strategia di marketing del film. Anderson voleva che nessuna campagna privilegiasse la presenza di Cruise rispetto al cast corale, e disprezzò il trailer e il poster prodotti dalla studio, arrivando a idearne uno tutto suo e a montare un trailer personale. Nonostante la loro accettazione, Anderson si rese conto che era stato irragionevole e capì di aver esagerato.

      Uscito nel tardo 1999 in sale limitate e poi a gennaio 2000 in un’uscita più ampia, Magnolia ebbe un successo di critica e di incassi più contenuto rispetto a Boogie Nights, probabilmente a causa della trama più astratta, del tono più serio e della lunghezza. Incassò circa 48 milioni di dollari, con un budget di 37 milioni.

      L’accoglienza critica fu più divisa rispetto a quella di Boogie Nights. Janet Maslin, del New York Times, che aveva lodato il film precedente di Anderson, lo massacrarono nella recensione, insieme al critico Philip French dell’Observer, trovando la tragedia greca moderna di Anderson poco convincente e definendo i personaggi “insulsi e patetici”. Fortunatamente, i critici che elogiarono Magnolia superarono di gran lunga quelli che non lo fecero, e il film ricevette numerosi riconoscimenti. USA Today gli diede tre stelle su quattro, giudicandolo uno dei migliori film del 1999; Roger Ebert lo definì “l’euforia operistica” e lo valutò 4 su 4, piazzandolo al secondo posto tra i suoi film preferiti del 1999, appena dopo Being John Malkovich.

      Per Anderson, il vero traguardo fu ricevere i complimenti dal genio svedese Ingmar Bergman, che citò Magnolia come esempio di forza del cinema americano. Nel tempo, Magnolia è stato riconosciuto come un capolavoro. È un film di grande scala ed estrema intimità, e, senza rivelare troppo, un mix magistrale di quotidiano e surreale — un’autentica dimostrazione di maestria nel cinema, che ha dimostrato che Paul Thomas Anderson è ben lontano dall’essere un fuoco di paglia.

      Il suo seguito, Punch Drunk Love (2002), segnò un ritorno alla narrazione di piccolo taglio come quella di Hard Eight. È una commedia romantica assurda, vissuta come un dramma doloroso da guardare, ma con un tono dolce e disarmante, in linea con i lavori precedenti di Anderson.

      In una scelta che sciocca allora molti fan, Anderson decise di affidare il ruolo del protagonista, Barry Egan, al re delle commedie disgustose, Adam Sandler. Anderson scrisse il personaggio di Barry pensando a Sandler, e, dato il suo profilo, si batté con veemenza con la produttrice JoAnne Seller Anderson per convincerla che Sandler fosse l’attore ideale per il ruolo.

      «Punch Drunk Love» narra di Barry Egan (Adam Sandler), un uomo solo, infelice e annoiato, che deve gestire sia una famiglia disfunzionale, sia un lavoro monotono. Una sera, incontrando una delle sue sorelle, Barry conosce Lena (Emily Watson), una donna bellissima di cui si innamora al primo sguardo. Tuttavia, la relazione appena nata è messa in pericolo dall’impulsività di Barry, che lo porta a diventare vittima di un estorsionista.

      Il film, che prende spunto dai lavori di Jacques Tati e dai musical di Hollywood come “The Band Wagon”, è un’esplosione di colori e di fantasia. Le titolature distintive di Jeremy Blake funzionano come immagini simili alle pillow shots di Ozu, e allo stesso tempo donano al film una qualità narrativa alla modo di un romanzo.

      «Punch Drunk Love» mostra le qualità umanistiche di Anderson come regista, dando interpretazioni acclamate a Sandler e Watson, e contribuendo a farlo percepire come un attore serio. Purtroppo il film fu un insuccesso al botteghino, ma dal 2002 il suo valore è cresciuto a tal punto da finire in molte liste dei migliori decenni.

      Pur essendo stato in gran parte criticamente acclamato (soprattutto per la performance di Sandler), e sebbene inizialmente fosse visto come un film atipico, «Punch Drunk Love» ha un tono così anticonvenzionale che, come «There's a Riot Goin’ On» di Sly and the Family Stone o «Playtime» di Jacques Tati, ha richiesto un decennio o più perché il pubblico e la critica ne riconoscessero i meriti. La sua miscela di black comedy, romanticismo dolce e surreale ha ispirato molti registi.

      Verso la metà degli anni 2000, Anderson affrontò un blocco dello scrittore, incapace di scrivere una sceneggiatura su una famiglia tormentata. La salvezza arrivò con lo scrittore di cibo Eric Schlosser, autore di *Fast Food Nation*, che, dopo aver letto le opere di Upton Sinclair, acquistò i diritti di adattamento del suo romanzo *Oil!* con il consenso del patrimonio di Sinclair.

      Schlosser cercò immediatamente Anderson per dirigere una trasposizione della satira di Sinclair sul settore petrolifero, ritenendo che i temi rimanessero pertinenti anche nel XXI secolo, come nel 1927. Dopo il suo incontro con Schlosser, Anderson comprò una copia del romanzo di Sinclair mentre era a Londra, attirato dalla copertina di un campo petrolifero californiano.

      Anderson capì subito il potenziale cinematografico del libro e usò le prime 150 pagine come base per una sceneggiatura, ribattezzandolo *There Will Be Blood*, ritenendo di aver incluso abbastanza del testo di Sinclair (data la lunghezza enorme della storia) perché fosse considerato un’autentica adattazione. Anderson studiò approfonditamente la prima industria petrolifera, visitando moltissimi musei a Bakersfield, California, per rendere il racconto il più fedele possibile alla realtà storica.

      Per il ruolo del protagonista, Daniel Plainview, Anderson prese seriamente in considerazione soltanto Daniel Day-Lewis. Poco abile con le scelte di ruolo, Anderson fu sollevato di sapere che l’attore era un grande fan di *Punch Drunk Love* e, nonostante gli fosse stato inviato un copione non finito, fu così colpito da ciò che aveva letto da decidere di accettare, lodando la capacità di Anderson di bilanciare grandezza epica e scrittura di personaggi intima.

      Per il ruolo del predicatore Eli Sunday, Anderson scelse il giovane emergente Paul Dano, già noto per il suo ruolo in *Little Miss Sunshine*. Nonostante rappresentasse un ostacolo per le ambizioni di Plainview, Eli possiede una bussola morale e una natura duplice che rispecchiano perfettamente quella di Plainview.

      Ci vollero due anni perché Anderson riuscisse a ottenere i finanziamenti necessari, a causa delle esitazioni delle varie major che pensavano che *There Will Be Blood* non avesse la portata di un grande progetto da studio. Alla fine fu Paramount a rischiare, investendo 25 milioni di dollari, considerati rischiosi dopo il fallimento commerciale di *Punch Drunk Love*.

      Ambientato tra gli anni ’90 e i primi decenni del 20°, *There Will Be Blood* ruota intorno a Daniel Plainview, un violento miner di argento senza scrupoli che, dopo aver scoperto un consistente giacimento di argento, si rompe una gamba in una cava. Sopravvissuto e trascinatosi fino alla libertà, porta il suo ritrovamento all’ufficio di analisi e ottiene un titolo di proprietà di argento e oro.

      Anni dopo, in un’altra fortunata scoperta, Plainview trova petrolio in California. Dopo la morte di un collega in un incidente, adotta il suo figlio H.W., usando il bambino come escamotage per proiettare un’immagine familiare e rassicurante, mentre persuade i proprietari terrieri locali a vendere le loro risorse a prezzi irrisori. Questo lo mette nel mirino del predicatore Eli Sunday, che capisce subito la vera natura di Plainview, innescando un lungo conflitto.

      Un’epica meditazione sulla natura dell’avidità e del potere, che richiama *Il tesoro della Sierra Madre* di John Huston e *Citizen Kane*, *There Will Be Blood* è tra le opere più ambiziose di Anderson. È dimostrato da lunghe sequenze senza dialogo, da un’introduzione che si sviluppa con suoni diegetici e da alcune tra le scene più impressionanti degli ultimi 25 anni, come quella in cui Plainview e la sua squadra spengono un oleodotto in un turbinio di immagini e suoni paragonabile a lavori di Erich Von Stroheim o Fritz Lang.

      Il film fu subito unanimemente acclamato dalla critica, comparendo in quasi tutti i top dei migliori film dell’anno e ricevendo nove nomination all’Oscar, vincendone due (Best Actor a Daniel Day-Lewis e miglior fotografia a Robert Elswit). Le performance di Day-Lewis e Dano sono entrambe straordinarie, rappresentando due truffatori le cui inimicizie si riducono a una somiglianza più grande di quanto entrambi ammettano.

      *There Will Be Blood* inaugurò anche la lunga serie di collaborazioni con il chitarrista dei Radiohead Johnny Greenwood, la cui colonna sonora classica e allo stesso tempo industriale fornisce un perfetto sottofondo sonoro alla narrazione, al punto che non si può immaginare il film senza di essa. Dal 2007, *There Will Be Blood* continua a crescere nel favore del pubblico e della critica, ed è stato votato nel 2016 come il terzo miglior film del XXI secolo finora, dietro *In the Mood for Love* e *Mulholland Drive*.

      Nonostante avesse solo 37 anni, *There Will Be Blood* consacrò Anderson come un autore di spessore, un regista d’élite pari a Kubrick e Terrence Malick. Dal 2007, Anderson, come aveva fatto prima di lui il più antico fratello Coen, ha dimostrato di poter creare film che riflettano le due facce del suo stile.

      Dopo *There Will Be Blood*, ha equilibrato produzioni come *The Master* (2012), satira sociale e religiosa di stampo Juvenaliano; l’adattamento di *Inherent Vice* (2014) di Thomas Pynchon, neo-noir di grande effet con tematiche stoner; *Phantom Thread* (2017), un atto di introspezione romantica mai esplorato prima; e *Licorice Pizza* (2021), una commedia di formazione con tono simile a Boogie Nights.

      Quest’anno, il suo ultimo lavoro, *One Battle After Another*, ispirato al romanzo di Thomas Pynchon *Vinealand* e con protagonista Leonardo DiCaprio, è previsto in uscita [guardate il trailer qui].

      Quale sarà la posizione di *One Battle After Another* nella illustre filmografia di Anderson solo il tempo potrà dirlo, ma in un’industria basata su riciclo e plagio continuo, il fatto che un vero autore sia ancora attivo e appassionato di cinema è una cosa meravigliosa.