David Lowery sobre Mother Mary, Beyoncé y Transponer Sus Preocupaciones a un Ícono Pop

      Ver Mother Mary de David Lowery me hizo pensar, de una manera inesperada, en una escena temprana de Tár de Todd Field, en la que Lydia Tár reprende a un estudiante de Juilliard por su orgullosa indiferencia hacia el canon occidental. Field ha dicho que Tár estaba teniendo una discusión con una versión más joven de sí misma: dos personas, dos generaciones, dos relaciones diferentes con la misma vocación; en cierto sentido, la misma persona.

      Lowery toma esta situación y la desarrolla a lo largo de 80 minutos, poniendo a dos mujeres en una serie de habitaciones, todas cargadas con la oscura intimidad de la confesión nocturna, y dejándolas luchar entre sí. Una es Mary (Anne Hathaway), una estrella pop de casi estatura mítica, emocionalmente asediada, lidiando con lo que significa seguir teniendo y deseando un enorme éxito. La otra es Sam Ansel (Michaela Coel), una diseñadora de serias credenciales reclutada por Mary para hacer un vestido para su próximo concierto.

      No es una coincidencia, creo, que Lowery contratara a Bina Daigeler, quien diseñó los trajes para Tár, para vestir su propia película. Ambas películas entienden que vestirse no es un asunto simple; que lo que uno lleva puesto, y cómo, y para quién, conlleva consecuencias dramáticas, a menudo invisibles, para la relación de uno con los demás y con el mundo.

      Mother Mary es posiblemente la película más lograda de Lowery hasta la fecha, una que exigió mucho de su creador. Hablamos sobre estas exigencias y sus resonancias peculiares en la conversación que sigue.

      The Film Stage: David, felicitaciones por la película. ¿Cómo te sientes al respecto?

      David Lowery: Gracias. Me siento en paz.

      ¿Eso es diferente de cómo te sientes normalmente después de terminar una película?

      A veces me siento genial, a veces siento alivio. Esta vez, me siento cautelosamente optimista y emocionado. Pero ha sido un proceso tan largo que incluso el hecho de que no puedo seguir trabajando en ella, porque está por salir, es un peso menos sobre mis hombros.

      Has hablado sobre cómo la película abrió un diálogo entre dos aspectos de ti mismo, y eso me hizo preguntarme si la paz que dices haber encontrado tiene menos que ver con reconciliar esas dos partes que con aprender algo sobre ti mismo como cineasta. ¿Es justo?

      Es muy justo, y me siento casi tímido por el hecho de que no sé cómo poner en palabras lo que he aprendido. Tal vez al final de este ciclo de la película en la cultura, tendré una mejor idea de eso, pero sospecho que tomará un poco más de tiempo. Creo que pude reconciliar las dos mitades de mí bastante rápido, y me doy cuenta de que, aunque puede haber tensión entre las dos esferas de mi cerebro que me tiran en diferentes direcciones, eso fue un pánico momentáneo que pude poner a descansar.

      Mientras escribía esta película, me di cuenta de que la profunda reflexión en la que me embarcaba era honesta y estaba bien. Está bien sentirse en conflicto sobre lo que estás haciendo. Está bien tener miedos sobre hacia dónde te diriges, sobre lo que has hecho, sobre lo que te espera; como cineasta, como narrador, como artista, como ser humano. Así que pude reconciliar eso bastante rápido, lo cual fue útil porque entonces pude tomar esa chispa inicial de descontento y profundizar más. No tenía que seguir pisoteando esos temas en el suelo. Podía usarlo como un punto de partida que me llevara a algo más profundo y, a un nivel personal, más obtuso.

      Ahí es donde todavía estoy descubriendo lo que he aprendido de esta película, porque realmente profundicé. Fui tan lejos como pude en este material, y en un cierto punto no pude poner en palabras lo que estaba tratando de hacer. No podía dejar que los personajes pusieran en palabras lo que estaba tratando de hacer, tampoco. Hay un punto en la película donde lo que había sido un diálogo muy denso se convierte en algo con mucho más espacio entre las palabras. Todavía estoy tratando de averiguarlo, pero sé que no necesito apresurarlo. Cuando digo que es un alivio, es porque puedo empezar a dar un paso atrás y dejar que esas realizaciones comiencen a revelarse a mí de una manera que no han podido.

      Esa incapacidad de articular me recuerda a Mary al principio de la película. Cuando Sam pregunta qué está tratando de hacer con el vestido, todo lo que puede hacer es gesticular.

      Todo lo que puede hacer son gestos con las manos.

      Mencionaste una chispa personal de descontento. ¿Cuándo la reconociste por primera vez, y cuándo te diste cuenta de que tenía una chispa; que realmente podías ponerla en uso?

      Estaba en el set de The Green Knight en Irlanda, haciendo una película de fantasía medieval; una película de fantasía medieval muy esotérica que tocaba todos los botones de cosas que me interesan. Y fue difícil de la manera en que todas las películas son difíciles, pero me encontré infeliz. Parte de eso fue porque me enfermé mucho durante el rodaje, y eso contribuyó a un sentido de: ¿mi cuerpo me está diciendo algo sobre lo que estoy haciendo ahora? Algo está mal. Era muy consciente de que debería haber estado en la cima del mundo haciendo esa película, y no lo estaba, y sabía que tenía que averiguar cómo solucionar eso.

      También estaba a punto de embarcarme en mi segunda película de Disney. Nos estábamos preparando para Peter Pan & Wendy; iba a ir inmediatamente después. Siempre he dicho que todas mis películas son personales y autobiográficas, y lo sostengo como cierto. Y, sin embargo, en ese momento, recuerdo muy específicamente volver a casa de un día difícil en el set sintiendo que no había conseguido lo que buscaba, y tomando una llamada con nuestros productores en Disney sobre el guion. Simplemente estaba perdido. “No sé si puedo hacer esto. No sé si puedo seguir adelante y hacer esta próxima película…”

      Tenía una especie de boticario irlandés a mi disposición; todos estos remedios herbales que no me ayudaban a descansar, pero tal vez ayudaron a poner mi cerebro en una posición para convertir este sentido de descontento en algo. En cualquier caso, tenía mucho tiempo por la noche porque no podía dormir. Una noche, después de ese día difícil en el set y esa llamada telefónica, simplemente decidí empezar a escribir, a convertir todo lo que estaba dando vueltas en mi cabeza en un diálogo. Y ese diálogo se convirtió muy rápidamente en el tête-à-tête inicial entre Mother Mary y Sam Ansel. Creo que escribí de diez a veinte páginas esa noche. Y al final de la producción de The Green Knight, estaba contándole a la gente sobre ello. Lo llamé mi película gótica.

      ¿Y Mary era una estrella pop en ese momento?

      Casi instantáneamente, creo. Había querido hacer una película sobre una estrella pop durante bastante tiempo. No sabía qué película sería ni dónde encajaría, pero como fan de la música pop, era un personaje que estaba rondando en la periferia, solo esperando encontrar un hogar en un guion. Cuando supe que iba a escribir algo que, debido a su origen, trataría sobre la expresión artística, supe que no quería hacer una película sobre un cineasta. Pero podía transponer todas mis propias preocupaciones sobre la autoexpresión a una estrella pop y regalarme la alegría de crear un ícono pop. ¿A quién querría escuchar? Digo “alegría” entre comillas porque resultó ser increíblemente difícil. Pero ahora es nuevamente alegre, en este punto.

      Cuando vemos a Mary en el escenario, la audiencia está casi completamente oculta: nos muestras una misa negra con puntos de luz. Ella está notablemente libre de manipuladores. Y la única vez que vemos una cámara fotográfica es durante la escena de la sesión espiritista. Es una imagen ambivalente de lo que significa ser una estrella pop.

      Todos esos aspectos de la fama pop son fascinantes para mí. La interacción con la audiencia, los momentos en que Beyoncé camina entre la multitud y le pasa el micrófono a un fan para que cante; esas son cosas tan hermosas. Ciertamente escribí borradores del guion donde todo eso estaba presente. Pero una de las cosas que encontré más impactantes en los documentales de estrellas pop más modernas, donde estos artistas están tocando en estadios que parecen universos en sí mismos, es que salen al escenario y muy a menudo lo único que ves son luces. Y sabes que cada una de esas luces es una persona que está teniendo una conexión personal contigo; con el artista, y el artista tiene que hacer que esa conexión sea profunda para alguien que no puede ver, alguien en quien tiene que confiar que existe detrás de ese punto de luz.

      Las verdaderas grandes estrellas pop; las que pueden llenar estadios con cien mil personas, saben cómo hacer eso. Saben cómo tener una conexión íntima con alguien que está, a todos los efectos, al otro lado de la galaxia. Es luz distante viajando a través de la galaxia, alcanzando a esa estrella pop. Nunca, en su vida, verán realmente el rostro de esa persona, pero van a tener una conexión que es profunda; he ido a esos shows y lo he sentido; y saber que hay personas que tienen ese sentido innato de cómo hacer que esa comunicación sea posible es realmente