Prismatic Ground 2026 Forja un Camino Vibrante y Accesible para los Festivales de Cine

      Prismatic Ground es un festival de cine al que he asistido en persona durante casi tres años, y aunque mi racha de asistencia desafortunadamente terminó este año, he continuado viendo y cubriendo desde su edición inaugural en 2021. Prismatic Ground sigue siendo tan especial porque mantiene los principios de su concepción, que el fundador y director Inney Prakash explicó como un intento de llenar el vacío de festivales dedicados al cine experimental y un festival que no trata el cambio a la visualización de películas accesibles en línea debido a la pandemia de COVID como meramente un “parche”, sino como un verdadero “esfuerzo por repensar la experiencia” de un festival.

      El cambio radical y la transformación del circuito de festivales tanto para los espectadores de cine como para los cineastas—que incluye pagar realmente a los cineastas por su trabajo para ser presentado y eliminar el geo-bloqueo para que tantas personas como sea posible que no pueden asistir a proyecciones en persona aún puedan ver algunas películas en línea desde cualquier lugar—se relaciona bien con la película de cierre de este año, Gangsterism de Isiah Medina. Siempre un artista seguro de sí mismo y divisivo, especialmente después de Inventing the Future, Medina, en su última película, es tanto su más combativo como autorreflexivo. Gangsterism es combativo por cómo parece deconstruir las críticas dirigidas a las películas anteriores de Medina, como su supuesta obtusidad o el marco académico pesado para teorizar cosas como el robo de arte y la liberación de tecnología que parece alejado de la realidad material. Su autorreflexión surge de un tema importante de discusión: que el personaje central, Clem, considera insultante que los posibles financiadores encuentren sus películas difíciles de entender. El estilo de Medina es tan distintivo como siempre. Los patrones de repetición, sonido e imagen interrumpiéndose entre sí se contrastan a través de secuencias prolongadas de personajes formando argumentos sobre la economía actual del cine, la financiación de ser cineasta, las responsabilidades sociales y roles de la academia, y, central a su trama, la proliferación del cine a través de la piratería digital.

      Cada contacto deja un rastro

      El festival otorga solo un premio por año: el premio Ground Glass, un reconocimiento a la trayectoria. En su año inaugural, se otorgó a la artista de Brooklyn Lynne Sachs, y este año fue para el artista experimental japonés Kohei Ando. Sachs también tiene una película este año, Cada contacto deja un rastro, que combina bien con el trabajo de Ando. La película de Sachs es un documental de auto-inserción donde la cineasta mira hacia atrás para recordar y reencontrarse con personas con las que compartió y guardó tarjetas de presentación. Estos encuentros varían de amistosos a incómodos, tanto en los recuerdos que traen de vuelta como en las ideas inherentes que empujar una cámara en la cara de alguien podría provocar. Consideraciones de “performance”, “simulación” y “vulnerabilidad” emergen en primer plano a través de la lente. Sachs considera en voz alta, mientras revisa las tarjetas de presentación, cuáles de estas personas estarían dispuestas a volver a encontrarse con ella. Una directora de festival alemana llamada Angela, a quien Sachs conoció hace 30 años, relata la Alemania de la posguerra y la historia del Holocausto en la memoria colectiva de las personas mientras otro genocidio en Gaza se desarrolla hoy. El cineasta experimental Lawrence Brose habla sobre la persecución que enfrentó como artista gay mientras escenas de su película se reproducen en montaje sobre la conversación. Al igual que la película de Sachs, el cine de Kohei Ando está muy relacionado con ideas de tiempo, memoria y conexión con las personas. La obra más directa que refleja a Sachs es el divertido cortometraje Mis amigos en mi agenda, que pasa por un montaje de amigos de Ando sonriendo para la cámara y sosteniendo trozos de papel con sus nombres. Otros cortos, como su serie Passing Train, exhiben el tiempo como algo continuo y desde múltiples ángulos—íntimo e implacable en lugar de algo que crea distancia. Hay un sentido de sentimentalismo que perdura cálidamente a lo largo de estas películas—especialmente En el lado lejano del crepúsculo, que utiliza una dulce partitura de piano y una narración encantadora que resalta sus recuerdos desde la infancia hasta la vejez. La composición de la imagen es inmaculada, distintiva en su brillante coloración, e imaginativa en cómo rompe la cuarta pared del plano cinematográfico, quemándola, recortándola y transformándola en varias formas mientras se mueve a diferentes velocidades.

      Vale la pena destacar varios cortos que traen a la luz la examinación y consideración de dónde está hoy el cine experimental. A Flower Falling Back Into the Earth de Rajee Samarasinghe comprende extractos y tomas descartadas del notable documental de largometraje de la cineasta Your Touch Makes Others Invisible sobre niños desaparecidos en Sri Lanka. La recontextualización de estas tomas descartadas de entrevistas—muchas de las cuales presentan las imperfecciones del sonido, el encuadre y el enfoque—nos confronta con cómo las experiencias difíciles y traumáticas de personas reales no pueden ser descontextualizadas del proceso de realización cinematográfica. Injured? de Eislow Johnson es el más “lleno de acción” y divertido de los cortos—un montaje rápido de un viaje por una carretera centrado en la letanía de carteles publicitarios de bufetes de abogados para accidentes automovilísticos. Es irónico en su clara conexión entre la obsesión de América con los automóviles y demandar a las personas, pero también está diseñado como una especie de intensa película de acción, imitando el volumen y la ferocidad de uno de los grandes entretenimientos del cine: la persecución a alta velocidad.

      Una flor cayendo de nuevo a la tierra

      Archura Leaves the City Forever de Yusuf Demiror es una hermosa y hipnótica fábula. Su cálida iluminación y frías exteriores urbanos, mezcladas con fantásticos trajes y exuberantes elementos naturales, crean una obra transportadora que recuerda a una mezcla entre Permanent Vacation de Jim Jarmusch y Emotion de Nobuhiko Obayashi. That Sanity Be Kept de Michael Barwise es una película melancólica y nostálgica, pero también aterradoramente contemporánea en su representación de la vigilancia y la destrucción de la privacidad mientras las agencias gubernamentales rastrean los movimientos, rostros y vestimenta de varios jóvenes durante un alto el fuego en medio de The Troubles.

      Finalmente, tres tesoros fenomenales y raros del cineasta iraquí Parine Jaddo––Atash, Aisha y Teyh––destacan los conflictos (o falsos conflictos) del artista sobre la sexualidad con la religión, y los discursos modernos de ficción y los roles de hombres y mujeres en la sociedad iraquí en un mundo que se occidentaliza rápidamente. Todo esto ocurre en medio de constantes recordatorios de bombas y cómo la existencia en la posguerra para el Medio Oriente siempre es un estado de pre-guerra.

      Primastic Ground 2026 se llevará a cabo del 29 de abril al 3 de mayo en lugares de Nueva York.