Prismatic Ground 2026 Forgia un Percorso Vibrante e Accessibile per i Festival del Cinema

      Prismatic Ground è un festival cinematografico a cui partecipo di persona da quasi tre anni e, mentre la mia serie di partecipazioni è purtroppo finita quest'anno, ho continuato a guardare e coprire il festival sin dalla sua edizione inaugurale nel 2021. Prismatic Ground rimane così speciale perché mantiene i principi della sua concezione, che il fondatore e direttore Inney Prakash ha spiegato come un tentativo di colmare il vuoto di festival dedicati al cinema sperimentale e un festival che non tratta il passaggio alla visione di film online a causa della pandemia COVID come un semplice "rimedio temporaneo", ma come un vero e proprio "sforzo per ripensare l'esperienza" di un festival.

      Il cambiamento radicale e la trasformazione del circuito festivaliero sia per gli spettatori di cinema che per i cineasti—che include il pagamento effettivo ai cineasti per il loro lavoro da presentare e la rimozione del geo-blocking affinché il maggior numero possibile di persone che non possono partecipare a proiezioni di persona possa comunque vedere alcuni film online da qualsiasi luogo—si collega bene al film di chiusura di quest'anno, Gangsterism di Isiah Medina. Sempre un artista sicuro di sé e divisivo, soprattutto dopo Inventing the Future, Medina, nel suo ultimo lavoro, è sia il più combattivo che il più auto-riflessivo. Gangsterism è combattivo per come sembra de-costruire le critiche rivolte ai film precedenti di Medina, come la loro presunta ottusità o il pesante quadro accademico per teorizzare cose come il furto d'arte e la liberazione della tecnologia che sembra distaccato dalla realtà materiale. La sua auto-riflessione emerge da un tema di discussione principale: che il personaggio centrale, Clem, considera offensivo che potenziali finanziatori trovino i suoi film difficili da comprendere. Lo stile di Medina è distintivo come sempre. I modelli di ripetizione, suono e immagine che si interrompono a vicenda sono contrastati da sequenze prolungate di personaggi che formano argomentazioni sull'attuale economia del cinema, il finanziamento per essere un cineasta, le responsabilità sociali e i ruoli dell'accademia e, centrale nella sua trama, la proliferazione del film tramite la pirateria digitale.

      Ogni contatto lascia una traccia

      Il festival assegna solo un premio all'anno: il premio Ground Glass, un riconoscimento per il conseguimento di una carriera. Nella sua edizione inaugurale, è andato all'artista di Brooklyn Lynne Sachs, e quest'anno è andato all'artista sperimentale giapponese Kohei Ando. Sachs ha anche un film quest'anno, Ogni contatto lascia una traccia, che si abbina bene al lavoro di Ando. Il film di Sachs è un documentario auto-inserito in cui la cineasta guarda indietro per ricordare e reincontrare persone con cui ha condiviso e mantenuto biglietti da visita. Questi incontri variano da amichevoli a imbarazzanti a scomodi, sia nei ricordi che evocano sia nelle idee intrinseche che spingere una telecamera in faccia a qualcuno potrebbe suscitare. Considerazioni su "performance", "simulazione" e "vulnerabilità" emergono in primo piano attraverso l'obiettivo. Sachs si chiede ad alta voce, mentre sfoglia i biglietti da visita, quali di queste persone sarebbero disponibili a incontrarla di nuovo. Una direttrice di festival tedesca di nome Angela, che Sachs ha incontrato 30 anni fa, racconta la Germania del dopoguerra e la storia dell'Olocausto nella memoria collettiva delle persone mentre un altro genocidio a Gaza si sta svolgendo oggi. Il cineasta sperimentale Lawrence Brose parla della persecuzione che ha affrontato come artista gay mentre scene del suo film scorrono in montaggio durante la conversazione. Come il film di Sachs, il cinema di Kohei Ando si confronta molto con le idee di tempo, memoria e connessione con le persone. Il lavoro più diretto che rispecchia Sachs è il divertente corto My Friends in My Address Book, che presenta un montaggio di amici di Ando che sorridono per la telecamera e tengono in mano pezzi di carta con i loro nomi. Altri cortometraggi, come la sua serie Passing Train, mostrano il tempo come qualcosa di continuo e attraverso molteplici angolazioni—intimo e implacabile piuttosto che qualcosa che crea distanza. C'è un senso di sentimentalismo che persiste calorosamente in questi film—soprattutto On the Far Side of Twilight, che utilizza una colonna sonora di pianoforte zuccherosa e una narrazione carina che mette in evidenza i suoi ricordi dall'infanzia alla vecchiaia. La composizione dell'immagine è impeccabile, distintiva nella sua colorazione brillante, e immaginativa per come rompe la quarta parete del piano filmico, bruciandola, ritagliandola e trasformandola in varie forme mentre la muove a diverse velocità.

      Vale la pena evidenziare una serie di cortometraggi che portano avanti l'esame e la considerazione su dove si trova oggi il cinema sperimentale. A Flower Falling Back Into the Earth di Rajee Samarasinghe comprende estratti e fuori campo dal notevole documentario di lungometraggio del cineasta Your Touch Makes Others Invisible sui bambini scomparsi in Sri Lanka. La ricontestualizzazione di questi fuori campo da interviste—molte delle quali presentano le imperfezioni del suono, dell'inquadratura e della messa a fuoco—ci confronta con come le esperienze difficili e traumatiche di persone reali non possano essere decontestualizzate dal processo di realizzazione cinematografica. Injured? di Eislow Johnson è il più "ricco di azione" e divertente dei cortometraggi—un montaggio frenetico di un viaggio su un'autostrada che si concentra sulla litania di cartelloni pubblicitari per studi legali per incidenti automobilistici. È ironico nella sua chiara connessione tra l'ossessione dell'America per le automobili e il fare causa alle persone, ma è anche concepito come una sorta di intenso film d'azione, mimando il volume e la ferocia di uno dei grandi intrattenimenti del cinema: l'inseguimento ad alta velocità.

      Un fiore che torna sulla terra

      Archura Leaves the City Forever di Yusuf Demiror è una bella, ipnotica favola. La sua illuminazione calda e i freddi esterni urbani, mescolati a costumi fantastici e lussureggianti punti naturali, creano un'opera trasportativa che ricorda un mix tra Permanent Vacation di Jim Jarmusch e Emotion di Nobuhiko Obayashi. That Sanity Be Kept di Michael Barwise è un film malinconico e nostalgico, ma anche terribilmente contemporaneo nella sua rappresentazione della sorveglianza e della distruzione della privacy mentre le agenzie governative tracciano i movimenti, i volti e i vestiti di vari giovani durante un cessate il fuoco in mezzo ai Troubles.

      Infine, tre tesori fenomenali e rari del cineasta iracheno Parine Jaddo––Atash, Aisha e Teyh––mettono in evidenza i conflitti (o falsi conflitti) dell'artista tra sessualità e religione, e i discorsi moderni di finzione e i ruoli di uomini e donne nella società irachena in un mondo in rapida occidentalizzazione. Tutto ciò avviene in mezzo a costanti promemoria di bombe e di come l'esistenza post-bellica per il Medio Oriente sia sempre uno stato pre-bellico.

      Prismatic Ground 2026 si svolgerà dal 29 aprile al 3 maggio in diverse sedi di New York City.