Encontrando el hogar entre el realismo y el surrealismo: el director de cine Wencai Yao sobre So Long, Mom - Revista MovieMaker

      El 19 de junio de 2026, So Long, Mom fue seleccionada para proyección y discusión en la Universidad de Ginebra como parte de un programa curado presentado por el 30°NSFF. Como el primer festival internacional de cortometrajes en la China continental acreditado por la Conferencia Internacional de Cortometrajes (SFC), el 30°NSFF ha seguido de manera constante la trayectoria creativa de la directora Wencai Yao en los últimos años. So Long, Mom marca la segunda vez que una de las obras de Yao ha sido seleccionada por el festival, reflejando un reconocimiento continuo de una plataforma de la industria respetada tanto por su habilidad cinematográfica como por su distintiva voz autoral.

      Escrita y dirigida por Wencai e inspirada en sus propias experiencias al crecer, So Long, Mom se centra en una breve reunión entre una madre y su hija durante unas vacaciones de verano. A través de una representación contenida y finamente observada de la vida cotidiana, la película explora temas de crecimiento, lazos familiares y despedidas—experiencias aparentemente ordinarias que, sin embargo, moldean el curso de una vida. Desde su finalización, la película ha sido seleccionada por numerosos festivales de cine nacionales e internacionales y ha recibido múltiples premios y honores.

      Tras su proyección en Suiza, invitamos a Wencai Yao a reflexionar sobre la realización de So Long, Mom. Desde la transformación de la memoria personal en narración cinematográfica hasta el diseño espacial de la película, la construcción de personajes, el lenguaje audiovisual y la expresión emocional, esta conversación ofrece una mirada más cercana al proceso creativo detrás de la obra y el viaje que la trajo a la vida.

      1. Orígenes de la película: Cuando una tintorería se convierte en un recipiente de emoción

      P: Más allá de su papel en la historia, ¿hubo otras razones por las que elegiste una tintorería como el escenario principal?

      R: Absolutamente. Desde una perspectiva cinematográfica, una tintorería es un lugar fascinante, ¿no? El vapor blanco que se eleva de las planchas, el zumbido constante de las mesas de planchado al vacío, el funcionamiento rítmico de las lavadoras industriales, la luz del sol de la mañana filtrándose a través de la vitrina, y las luces que permanecen encendidas hasta bien entrada la noche—todos estos elementos proporcionaron una rica base para el diseño audiovisual de la película. En muchos sentidos, el espacio ofreció una abundancia de posibilidades creativas.

      2. El espacio como narrativa: Encontrando una tintorería que pudiera contar una historia

      P: ¿Cómo encontraste un lugar así?

      R: Fue sorprendentemente difícil. Pasé mucho tiempo buscando porque muchas tintorerías hoy en día han sido renovadas en espacios comerciales brillantes y pulidos. Sin embargo, para esta película, las relaciones entre los personajes a menudo se expresan a través de su relación con el espacio mismo. La ubicación necesitaba ser más que un lugar de trabajo.

      Buscaba una tienda más antigua con un sentido de historia—un lugar con un pequeño alféizar donde los objetos olvidados de los bolsillos de los clientes podrían acumularse con el tiempo, y con equipos de tintorería y planchado en funcionamiento aún en uso. Estos detalles no solo anclaron la historia en la realidad, sino que también redujeron la necesidad de una extensa construcción de sets. Al mismo tiempo, el espacio tenía que acomodar el movimiento de la cámara, la grabación de sonido y las demandas prácticas de la producción. El problema era que la mayoría de las tiendas que mantenían este carácter estaban ubicadas en vecindarios ruidosos, con espacio limitado y instalaciones incompletas.

      Siempre he creído que elegir es más importante que cambiar. Ya sea en el casting o en la búsqueda de locaciones, invertir más tiempo en el proceso de selección a menudo vale la pena.

      P: ¿Hiciste alguna modificación al espacio?

      R: Bastantes. Originalmente, la tienda tenía dos entradas y una gran ventana frontal, lo que creaba una iluminación muy uniforme en el interior. Si bien eso funcionaba bien en la vida real, ofrecía poca profundidad visual para la cinematografía y hacía que la modelación de personajes fuera más desafiante. Junto con el equipo de diseño de producción, construimos una pared falsa para cerrar una de las entradas y añadimos una ventana con cortinas. Esto le dio al director de fotografía un mayor control sobre la luz y nos permitió crear texturas visuales más dramáticas.

      La intervención también remodeló cómo funcionaba el espacio en pantalla. La entrada principal original se convirtió en parte del fondo, mientras que una puerta más pequeña, previamente pasada por alto, se convirtió en el punto de entrada principal. Añadimos un mostrador de servicio, similar a los que se encuentran en muchas tintorerías más antiguas, lo que influyó directamente en el movimiento de los personajes, el bloqueo de escenas y la composición.

      Siempre he sentido que el espacio real y el espacio cinematográfico son fundamentalmente diferentes. Los espacios reales están diseñados en torno a la función; los espacios cinematográficos están diseñados en torno a la narrativa. En So Long, Mom, estas intervenciones espaciales se convirtieron en última instancia en una extensión de las relaciones y emociones que están en el corazón de la película.

      3. Reconstruyendo el tiempo: Transformando la Wuhan actual en el verano de 2005

      Encontrar la tintorería adecuada fue solo el comienzo. El mayor desafío fue transformar un espacio contemporáneo en funcionamiento en el mundo que recordaba de 2005. En lugar de depender de símbolos nostálgicos obvios, construyó la atmósfera de época de la película a través del diseño de producción, detalles acumulados y huellas de la vida cotidiana.

      P: Una vez que encontraste la ubicación, ¿cómo la convertiste en "2005"?

      R: Cuando vimos por primera vez la imagen de esta tienda, ya se sentía cercana a lo que requería el guion. Pero en el sitio, nos dimos cuenta de que muchos detalles habían cambiado. El exterior había sido recientemente renovado, y las ventanas de madera originales habían sido reemplazadas por marcos blancos modernos. Esas actualizaciones tenían perfecto sentido para el negocio diario, pero se sentían demasiado contemporáneas para una historia ambientada en 2005.

      Debido a que nuestro presupuesto era limitado, evitamos la construcción de sets a gran escala y nos enfocamos en detalles vividos. Añadimos bicicletas, macetas, mopas, sillas de ratán, periódicos viejos y anuncios descoloridos. Incluso los marcos de las ventanas fueron tratados para coincidir mejor con la paleta visual de la época. La autenticidad, en mi opinión, proviene menos de un solo objeto que de la atmósfera general de un espacio.

      P: El alféizar de la ventana es particularmente memorable. ¿Fue diseñado con un propósito específico?

      R: Absolutamente. Usamos cortinas transparentes para suavizar la luz natural y crear el realismo cálido y contenido que queríamos para la película. Luego, el departamento de arte llenó el alféizar con pequeños objetos supuestamente encontrados en los bolsillos de los clientes. Para mí, se convirtió en una vitrina de secretos de adultos, pero también en una ventana a través de la cual la joven comienza a observar el mundo más amplio. Envejecimos la señalización y cada detalle visible con un único objetivo en mente: crear un espacio que se sintiera genuinamente habitado.

      P: ¿Por qué era tan importante para ti la autenticidad?

      R: Porque el espacio influye directamente en la actuación. Cuando los actores entran en un entorno en el que realmente creen, comienzan a habitar el mundo del personaje de manera más natural. Nuestra joven protagonista estaba actuando en un proyecto como este por primera vez. Era increíblemente intuitiva y talentosa, y quería darle un espacio en el que pudiera confiar. Una vez que el entorno se siente real, las actuaciones, las emociones y, en última instancia, la película misma se vuelven más creíbles.

      4. Diseño de vestuario: Crecimiento a través de la ropa y el cabello

      P: Los tres personajes femeninos son memorables. En una película realista arraigada en la vida cotidiana, ¿cómo ayudó el estilismo a definirlas?

      R: Fue una parte importante de la preparación. La madre y la hija son personajes contenidos; rara vez se expresan a través de diálogos o comportamientos dramáticos. Así que quería que el público leyera su estado interno a través de su apariencia. En el cine realista, un buen diseño de vestuario no se trata de hacer que los personajes se vean mejor, sino de hacer que se sientan más verídicos.

      Para la joven actriz, el primer cambio importante fue su cabello. Originalmente tenía el cabello largo, pero sentí que la niña debería parecer una "pequeña adulta". Creciendo en una familia divorciada, es más madura que los niños de su edad y ha encontrado el mundo adulto antes. Le dimos un corte de cabello corto con flequillo recto, lo que la hizo parecer un poco mayor mientras creaba un contraste sutil con su rostro aún infantil.

      Su ropa también cambia con la historia. Al principio, usa uniformes escolares, camisetas y jeans—ropa neutral y simple que refleja su incertidumbre en un nuevo entorno. A medida que se acerca más a su madre y a su tía, los vestidos