I migliori film in programmazione nelle sale

      Siete alla ricerca di film da vedere al cinema? La nostra rubrica, aggiornata settimanalmente, mette in evidenza i nostri migliori consigli per i film attualmente in sala, dalle nuove uscite ai restauri che ricevono un'adeguata distribuzione nelle sale.

      Sebbene forniamo già un'ampia serie di raccomandazioni mensili per le nuove uscite e settimanali per lo streaming, poiché le uscite dei distributori possono variare, questo è un elenco unico per condividere i film essenziali che potrebbero essere sullo schermo vicino a voi. All We Imagine as Light (Payal Kapadia) Dopo il suo enigmatico e bellissimo debutto A Night of Knowing Nothing, Payal Kapadia mostra un registro completamente diverso con il suo abbagliante vincitore del Gran Premio del Festival di Cannes All We Imagine as Light. Sebbene l'India non l'abbia stupidamente selezionato per concorrere nella categoria dei lungometraggi internazionali agli Academy Awards di quest'anno, si spera che in questa stagione prenda una strada simile a quella di Anatomy of a Fall. Luke Hicks ha dichiarato nella sua recensione: "La regista Payal Kapadia non è interessata al mondo appariscente di Mumbai che attira tanta attenzione a livello mondiale. Come si evince dalla colonna sonora di apertura, All We Imagine as Light intende crogiolarsi nella luminescenza della vita che si trova tra le classi più basse dell'India, il che significa riconoscere la disuguaglianza e l'ingiustizia socio-economica che definisce la loro quotidianità, ma anche mostrare il loro intrinseco splendore e l'ostinato rifiuto di lasciare che l'amore, la bellezza e il cameratismo inalienabili dell'esistenza vengano loro sottratti."Anora (Sean Baker) Anora, la radiosa commedia romantica / thriller avvincente di Sean Baker, è uno dei film più acclamati dell'anno per una buona ragione. Il vincitore della Palma d'Oro è finalmente nelle sale e offre al pubblico la possibilità di assistere all'accattivante performance di Mikey Madison. Luke Hicks ha dichiarato nella sua recensione: "Anora è di una bellezza devastante e straziante - il direttore della fotografia abituale Drew Daniels ha prestato la sua brillantezza all'ennesimo trionfo di Baker - del tipo che ti fa male al cuore e allo stesso tempo ti tiene stretto per riprenderti, con le lacrime di risate che ti scorrono sul viso"."Babygirl (Halina Reijn) Presentato in anteprima con molto fervore alla Mostra del Cinema di Venezia, Babygirl, il seguito di Bodies Bodies Bodies di Halina Reijn, vede Nicole Kidman nei panni di un'amministratrice delegata di alto livello che mette a repentaglio la sua carriera e la sua famiglia quando inizia una torrida relazione con il suo stagista molto più giovane (Harris Dickinson), e che le è valso il premio come miglior attrice al festival. Nella sua recensione, Savina Petkova ha dichiarato: "Non è troppo presto per dire che Reijn ha scritto e diretto uno dei - se non il - film più avvincenti della selezione veneziana di quest'anno e merita un elogio totale per essere riuscito a portare a termine un progetto di questo calibro, realizzando al contempo un terzo lungometraggio che è il più vicino possibile alla perfezione". Babygirl si presenta come un thriller erotico e non perde tempo prezioso prima di dichiararlo; la scena di apertura vede Romy (Kidman) raggiungere l'orgasmo, il suo viso è tenuto in uno stretto primo piano fino a quando non crolla sul marito Jacob (Antonio Banderas)". The Brutalist (Brady Corbet) Certo di essere incoronato come l'impresa cinematografica più ambiziosa del cinema indipendente di quest'anno, The Brutalist di Brady Corbet è un dramma di proporzioni epiche. Della durata di 215 minuti, con un intervallo di 15 minuti, girato in VistaVision e presentato in 70 mm (se siete fortunati), il vincitore di Venezia come miglior regista è ora in distribuzione limitata. Come ha detto Rory O'Connor nella sua recensione, "Nella miracolosa introduzione di Corbet, un'ouverture musicale è interrotta da una vertiginosa scalata: prima il volto di Brody, avvolto nell'ombra nel ventre di una nave, poi una corsa verso il ponte con la cinepresa da 70 mm di Lol Crawley che tiene a malapena il passo. Per alcuni momenti bui è difficile capire cosa stia succedendo, poi, all'improvviso, la colonna sonora si impenna, gli uomini raggiungono il cielo limpido, si abbracciano mentre la Statua della Libertà irrompe nell'inquadratura da sopra di loro, il Nuovo Mondo capovolto. Dopo pochi istanti, abbiamo già un assaggio di ciò che il film di Corbet dirà in definitiva sul sogno americano. Nell'atto iniziale, Tóth si trasferisce dal cugino assimilato (Alessandro Nivola), che ha già un nuovo nome e una nuova religione, e inizia a lavorare nel suo negozio di mobili, ma presto ha la sensazione che la sua sensibilità modernista non sia gradita. La relazione con Van Buren (che incontra dopo aver ricevuto l'incarico di ristrutturare la sua biblioteca, producendo uno spazio luminoso che finisce sulle pagine della rivista Life) offre una speranza di libertà artistica e di mobilità verso l'alto; ma presto ego, invidia e xenofobia fanno capolino. Corbet lascia che questo stato d'animo si incancrenisca lentamente, fino ad arrivare a una metafora tanto volgare quanto crudelmente efficace. Probabilmente è meglio lasciarlo lì". Flow (Gints Zilbalodis) Tutti i proprietari di gatti che hanno visto quest'anno A Quiet Place: Day One di quest'anno possono ricordare lo stress indotto dall'immagine di un gatto che galleggia sott'acqua e pensano spesso a questa immagine mentre il nostro eroe felino sfugge a una situazione difficile dopo l'altra. Ma non sono soli, perché interagiscono con un adorabile gruppo di animali che comprende un capibara, un golden retriever, un lemure e un uccello alto dalle ali flosce. I simpatici amici "parlano" attraverso miagolii, latrati, squittii e grugniti, rendendo Flow essenzialmente un "film d'arte" sufficiente per ottenere la partecipazione ai festival, anche se in fondo è piuttosto semplice: pur essendo apparentemente un film d'animazione per bambini, non ho mai sentito la mia intelligenza insultata. Non so se l'uscita limitata fornita dai distributori nordamericani Janus e Sideshow significhi che Flow troverà un pubblico giovane al di là degli adulti colti che portano i loro figli, ma il film, in fondo, ricorda alcuni classici Disney. - Ethan V. (recensione completa) Hard Truths (Mike Leigh) Da estimatore di Peterloo, Mike Leigh non se n'è mai andato, ma è certamente piacevole vederlo tornare alle sue radici di studio di personaggi su scala ridotta con Hard Truths. Con l'inequivocabile interpretazione dell'anno, la Pansy di Marianne Jean-Baptiste, consumata e tormentata, è contro il mondo, compresi il marito, il figlio, gli amici e qualsiasi conoscente o estraneo che si metta sulla sua strada. Piuttosto che levigare gli spigoli della sua personalità per conquistare potenzialmente le simpatie del pubblico, Leigh percorre la strada opposta, rendendo ancora più catartico il ritratto di una rabbia incancrenita che contiene almeno un briciolo di sentimento che ogni essere umano prova, particolarmente relazionabile quando si tratta delle frustrazioni apparentemente irrisolvibili del nostro mondo attuale.

       I'm Still Here (Walter Salles) Quest'autunno, Walter Salles è finalmente tornato con il suo primo lungometraggio dopo 12 anni, il commovente dramma politico/familiare I'm Still Here, guidato da un'interpretazione di primo piano di Fernanda Torres insieme a Selton Mello e Fernanda Montenegro. Savina Petkova ha dichiarato nella sua recensione: "Torres è stellare, anche con un personaggio così ermetico. Eunice è stoica, quasi santa nella sua devozione alla famiglia, le cui espressioni non riescono mai a sollevare I'm Still Here dalla piattezza visiva, dal suo impegno sorprendentemente profondo nella continuità convenzionale delle inquadrature e dalla durata eccessiva di 135 minuti. La sofferenza non si può misurare, né quella familiare né quella nazionale, ma in questa occasione Salles non è riuscito a trovare la giusta cornice cinematografica per questa narrazione biografica. Il film sembra non calibrato, ma non nel senso libero, di esplorazione della profondità, di liberazione". Memoir of a Snail (Adam Elliot) Memoir of a Snail segna il tanto atteso ritorno al lungometraggio di Adam Elliot, regista di Mary & Max del 2009 e vincitore dell'Oscar per il corto Harvie Krumpet. Con le voci di Sarah Snook, Eric Bana, Jacki Weaver e Kodi Smit-McPhee, il film ha vinto i primi premi ad Annecy e al BFI di Londra. Nella sua recensione, David Katz ha dichiarato: "Il regista di Memoir of a Snail, Adam Elliot (che ha fatto seguito al suo popolarissimo film del 2009 Mary and Max), preferisce il termine "clayography" - il suo personale portmanteau di claymation e biografia - che in qualche modo cattura l'unicità di ciò che sta facendo. È specializzato in studi esaustivi sui personaggi in stop-motion. Il che non vuol dire che manchino di escalation narrativa, ma sottolinea quanto poco abbiamo colto della psicologia o delle motivazioni di personaggi come Wallace, Gromit e Jack Skellington. Elliot predilige fortemente la voce fuori campo come strumento principale per l'esposizione - ovviamente, un peccato per vari teorici della narrazione cinematografica - e Memoir of a Snail mostra i limiti della combinazione di questo approccio con i suoi vari tableaux di argilla, pittura e carta". Nosferatu (Robert Eggers) Con immagini letteralmente evocate dalle viscere più profonde dell'oscurità, è chiaro perché Nosferatu è stato nella mente di Robert Eggers da quando ha visto il classico muto di F. W. Murnau all'impressionabile età di nove anni. Il quarto film del regista è il suo più sicuro e completo, un'odissea impeccabile, consapevolmente umoristica e forse troppo rigida nelle profondità del vero male, in cui è possibile sentire le ossessioni di Eggers scorrere in ogni fotogramma notturno. Se L'uomo del Nord era la prova che poteva lavorare in un campo più ampio, il suo ultimo film è il connubio ideale tra gli spaventi mirati e guidati dai personaggi dei suoi primi due lungometraggi e il mondo immaginifico della sua epopea vichinga, dove nessun dettaglio è stato lasciato inosservato. Come Nosferatu si ricollega alle storie di vampiri che sono venute prima, da Murnau a Herzog a Coppola, l'esperienza non è vedere come il regista reinventa la ruota del mito storico, ma proprio come onora questo mito senza tempo con una visione esigente e corposa in tutto il suo suggestivo, erotico e cruento orrore gotico. - Jordan R. (recensione completa) Nickel Boys (RaMell Ross) Quest'anno ci sono solo pochi film che hanno la sensazione di far progredire radicalmente il linguaggio cinematografico; Nickel Boys, esordio narrativo di RaMell Ross, è certamente tra questi. Dopo aver realizzato uno dei documentari più notevoli degli ultimi anni con il film di Apichatpong Weerasethakul, vincitore del Sundance e nominato agli Oscar, Hale County This Morning, This Evening, Ross ha ora adattato l'acclamato romanzo di Colson Whitehead del 2019, vincitore del Pulitzer. Con la fotografia di Jomo Fray, che ha girato lo scorso anno lo splendido All Dirt Roads Taste of Salt, Nickel Boys vede Ross esprimere ancora una volta un'incredibile potenza formale, raccontando questa storia con un'idea unica ed empatica che ne fa un adattamento radicale e uno dei migliori film dell'anno. Nella sua recensione, Jourdain Searles ha detto: "Nickel Boys è un film difficile da definire o da ridurre in pezzi. Si sente vivo come un cuore aperto e sanguinante. È una storia tragica raccontata con speranza che non suona saccente o eccessiva. A volte si muove come l'acqua, passando dalla bruttezza alla bellezza. Ci sono pochi film americani che si avvicinano a ciò che questo film riesce a fare, sia come film che come adattamento. Nickel Boys fa pensare a un miracolo, con la stoffa di un classico". Presenza (Steven Soderbergh) Per un artista prolifico, un'impennata di creatività può spesso essere sinonimo di un calo di qualità. Ma non se si è Steven Soderbergh. Egli ha continuato a reinventarsi e ad andare avanti con nuove tecnologie, soggetti e azzardi strutturali. Il suo ultimo film, Presence, è un'ossessionante storia di fantasmi avvolta in un dramma familiare ricco di sfumature, e uno dei suoi tentativi formalmente più ambiziosi. E se la telecamera, manovrata da Peter Andrews (alias Soderbergh), fosse il fantasma? E se ogni singola ripresa del film fosse una singola ripresa da questa prospettiva? E, per aumentare ulteriormente i vincoli autoimposti, il fantasma non lasciasse mai la casa? Fin dalla prima inquadratura, quando vediamo la presenza muoversi rapidamente in ogni stanza della casa vuota ancora da vendere, gettando le basi per gli orrori che si svolgeranno, si intuisce che Soderbergh si sta divertendo un mondo con questo concetto. Dopo Kimi, la sceneggiatura da montagne russe di David Koepp non dimentica di dare corpo ai personaggi, dando vita a un esercizio di genere divertente, inquietante e agile, che dimostra ulteriormente che Soderbergh è uno dei registi più inventivi del settore. - Jordan R. (recensione completa) La stanza accanto (Pedro Almodóvar) Il film più caldo e leggero sulla morte è un risultato notevole. Il debutto di Pedro Almodóvar nel lungometraggio in lingua inglese La stanza accanto riunisce Julianne Moore, Tilda Swinton, John Turturro e Alessandro Nivola nell'adattamento del ricco, spiritoso e toccante romanzo di Sigrid Nunez Che cosa stai passando? Nella sua recensione di The Room Next Door, Rory O'Connor ha detto: "Parlando da persona che si è allontanata dal gregge di Almodóvar alcuni film fa, The Room Next Door rappresenta una gradita sorpresa. La sua recente produzione di cortometraggi e mediometraggi (Strange Way of Life e The Human Voice) faceva pensare a un regista che si stava riducendo nei modi sbagliati. The Room Next Door è l'altro tipo di film, il più vicino a un esercizio di stile tardivo: è succinto, leggero, assolutamente serio e, nonostante alcune conversazioni indulgenti sull'arte e la scrittura, non dà mai la sensazione di sforzarsi troppo. Un artista che sentisse di avere ancora qualcosa da dimostrare scriverebbe una scena come quella in cui Martha fissa fuori dalla finestra della sua stanza d'ospedale, citando Joyce mentre fiocchi di neve rosa cadono delicatamente sullo skyline di Manhattan? Il fatto che la sequenza funzioni è una prova tanto della forza delle interpretazioni (si osservi il primo piano della Moore nella scena, un vero e proprio classico del genere) quanto della convinzione del regista". Santosh (Sandhya Suri) Sia un avvincente thriller poliziesco che uno studio struggente del personaggio, Santosh opera nel delicato spazio tra realismo e narrazione di genere. Con la sua macchina da presa senza fronzoli, Suri cattura la trasformazione di Santosh con silenzi, gesti e sguardi che parlano chiaro. Momenti di poesia visiva punteggiano la narrazione: il lavaggio di un'uniforme insanguinata, statue velate di stoffa, la rimozione di un anello al naso. Questi momenti carichi, intrecciati con la trama grintosa e generale, si traducono in un viaggio avvincente attraverso l'ambiguità morale, in cui le domande sull'agenzia e sulla complicità perseguitano sia Santosh che lo spettatore, fino a un climax agghiacciante. - Lucia A. (intervista completa) Il seme del fico sacro (Mohammad Rasoulof) Ecco un film che chiede, nella vena di un altro titolo: ti sei chiesto chi ha sparato? Ma in The Seed of the Sacred Fig di Mohammad Rasoulof, ambientato in concomitanza con le proteste iraniane di Jina (Women, Life, Freedom), la domanda è sarcastica piuttosto che interrogativa. Questa pistola non è letterale e corporea, ma metaforica e mortale, e il suo fuoco è la volontà collettiva di centinaia di donne che non sopportano il regime teocratico e la polizia morale del paese. Non c'è dubbio che il film abbia anche un'impronta didascalica. - David K. (recensione completa) Soundtrack to a Coup d'Etat (Johan Grimonprez) Uno dei migliori documentari presentati in anteprima al Sundance Film Festival di quest'anno, Soundtrack to a Coup d'Etat è uno sguardo radicale e ritmato sulla politica globale. John Fink ha detto nella sua recensione: "Mark Twain disse: "La storia non si ripete, ma spesso fa rima"", che è un modo per avvicinarsi al vasto film del regista e artista multimediale belga Johan Grimonprez, Soundtrack to a Coup d'État, ricco di jazz. Il saggio politico rivisita il 1960, un anno turbolento per gli affari globali: Patrice Lumumba sale al potere in Congo proprio mentre gli Stati Uniti, attraverso la rete radiofonica Voice of America, sostenuta dalla CIA, mirano ad ammorbidire l'immagine dell'America a bordo, inviando in tournée nel mondo i musicisti jazz Louis Armstrong, Duke Ellington, Nina Simone, Dizzy Gillespie, Abbey Lincoln e Max Roach. Il film posiziona i jazzisti come una sorta di gabinetto politico, mentre Gillespie immagina la sua corsa alla Casa Bianca nei talk show televisivi in patria. Procede con un tono piuttosto cinetico e di sfida, in cui il jazz, le notizie dell'ultima ora, le citazioni e le testimonianze interrompono le riprese storiche su cui un documentario più standard avrebbe potuto concentrarsi". Vermiglio (Maura Delpero) Guarda una clip esclusiva qui sopra. Il film italiano candidato all'Oscar Vermiglio, che racconta le prove e le tribolazioni di una famiglia che vive in una piccola comunità di montagna durante il periodo della guerra, è uno dei film più belli dell'anno. Lucia Ahrensdorf ha dichiarato nella sua recensione all'AFI Fest: "Vermiglio è ambientato nell'omonimo villaggio alpino durante gli ultimi giorni della Seconda Guerra Mondiale. Il film di Maura Delpero, splendidamente girato dal direttore della fotografia di Leviathan Mikhail Krichman, è una favola lenta che si svolge come una serie romanzesca di tavole pastorali. I brevi capitoli evocano il realismo poetico balzachiano e ricordano le trame sensuali di Il sapore delle cose, dello scorso anno. Ma a differenza di quel film, che emanava calore autunnale e celebrava il piacere - quindi la libertà - la bellezza spoglia e invernale di Vermiglio arriva al prezzo dei desideri dei suoi personaggi. Le inquadrature pittoriche costringono fisicamente i soggetti, in particolare le donne che soffrono in modo acuto le restrizioni sociali di questo tempo e luogo". Altri film ora in sala Conclave Il conte di Monte Cristo Den of Thieves 2: Pantera The Last Showgirl Liza: A Truly Terrific Absolutely True Story Love Me Wicked: Parte I L'uomo lupo I migliori nuovi restauri ora in sala L'elenco che segue presenta i film appena restaurati in uscita nelle sale. Per i film di repertorio specifici di New York, consultare il sito NYC Weekend Watch. Ma Mere Picnic ad Hanging Rock Pilgrim, Farewell and Dying Leggi tutte le recensioni qui.