8 grandi film di fantascienza cult del 1985

      Casey Chong analizza otto grandi film di culto di fantascienza del 1985…

      Il 1985 fu un anno importante per un certo film di fantascienza chiamato Ritorno al futuro, che incassò oltre 210 milioni di dollari solo negli Stati Uniti. Il capolavoro di Zemeckis che definisce il genere, con il suo opere di viaggi nel tempo, rimane un'icona cinematografica ancora oggi. Tuttavia, quell'anno uscirono anche altri film di fantascienza, alcuni diventati un successo (Cocoon) e altri come Enemy Mine e Explorers, che furono in gran parte ignorati dal pubblico dell'epoca. Di seguito la nostra selezione dei film di fantascienza essenziali usciti nel 1985, oltre a Ritorno al futuro…

      Re-Animator

      Sicuramente non per gli stomaci sensibili, Stuart Gordon si dà da fare nel nome dell’orrore lovecraftiano con elementi di fantascienza in Re-Animator. Il film ci propone l’unica ed inconfondibile interpretazione di Jeffrey Combs nel suo ruolo iconico di Herbert West, lo studente di medicina impazzito deciso a fare un passo avanti nella scienza per riportare in vita i morti con il suo siero sperimentale.

      La regia di Gordon, ricca di know-how di genere, abbraccia l’atmosfera sfrenata di un B-movie di fantascienza horror ricco di commedia dark. È esageratamente sanguinoso e cruento, e rappresenta un traguardo tecnico negli effetti pratici, senza perdere tempo in inutili eccessi, grazie a un ritmo complessivamente sicuro. Il successo di culto di Re-Animator generò altri due film, tra cui Bride of Re-Animator e Beyond Re-Animator.

      Brazil

      Il capolavoro di fantascienza di Terry Gilliam, spesso frainteso e sottovalutato al momento della sua uscita, è stato successivamente acclamato come uno dei migliori del suo genere. Gilliam, che ha co-scritto anche la sceneggiatura, porta la sua visione unica di un futuro distopico pieno di incubi burocratici e dell’assurdità esagerata di un impiegato di basso livello del governo interpretato dal simpatico Jonathan Pryce, diviso tra sogni e realtà monotona.

      Oltre alla stupefacente palette visiva di Gilliam e all’umorismo strano che diventa uno dei tratti distintivi del suo stile, il film presenta una profondità narrativa che si deve ai temi orwelliani di totalitarismo e oppressione nel sistema sociale e politico dell’universo di Brazil. La durata di quasi 2 ore e mezza può scoraggiare alcuni spettatori, ma la regia stratificata di Gilliam, che mescola immaginazione e sottile commento sociale, rende questo un’esperienza cinematografica imperdibile.

      Enemy Mine

      Il compianto Wolfgang Petersen ci ha regalato alcune delle sue opere più iconiche, come Das Boot, In the Line of Fire e Air Force One. Poi, c’è Enemy Mine, purtroppo sottovalutato, uscito un anno dopo il grande successo di La storia infinita. Enemy Mine fu travagliato da problemi dietro le quinte, tra cui il regista originale Richard Loncraine, che aveva già girato alcune scene, ma fu poi licenziato prima che Petersen prendesse in mano il progetto. Invece di riprendere le sequenze già girate da Loncraine, decise di rifare tutto da zero.

      Nonostante il suo impegno, Enemy Mine non funzionò al botteghino, ma il film merita di più, con Petersen che, partendo dalla sceneggiatura adattata da Edward Khmara, basata sulla novella di Barry B. Longyear, combina efficacemente temi di armonia e unità, superamento dei pregiudizi e empatia universale in questo thriller di fantascienza. Per lo più, un film a due personaggi, evidenziando il conflitto tra il pilota umano Willis Davidge (Dennis Quaid) e un umanoide rettiliano chiamato Jeriba Shigan (Louis Gossett Jr., irriconoscibile con tutto il trucco prostetico), Petersen riesce a mettere in risalto il meglio di questi attori. La dinamica disconnessa tra i due personaggi è ciò che eleva Enemy Mine oltre una semplice storia di sopravvivenza.

      The Quiet Earth

      Questo film neozelandese esplora il “e se” del mondo dopo una catastrofe globale che ha quasi annientato l’umanità. Diretto da Geoff Murphy, che poi avrebbe diretto produzioni hollywoodiane come Young Guns II, Freejack e Under Siege 2, apre con un momento forte: un uomo (Bruno Lawrence) si risveglia in una stanza una mattina, solo per scoprire di essere completamente solo in città. I primi 35 minuti circa si concentrano sul suo personaggio solitario, Zac Hobson, che cerca di passare il tempo in ogni modo (ad un certo punto si sente a suo agio indossando un vestito da donna). La performance di Lawrence, un one-man show, è eccellente nel catturare le emozioni contrastanti di isolamento, frustrazione e auto-gioia.

      Il film poi introduce altri due personaggi: una giovane donna, Joanne (Alison Routledge), e in seguito, un uomo Maori di nome Api, interpretato da Pete Smith. Adattato dal romanzo di Craig Harrison del 1981 con lo stesso titolo, il film evidenzia anche temi come gli istinti umani, la fiducia e le tensioni razziali tra Zac e Api, prima di culminare in un finale surreale ma ambiguo.

      Cocoon

      Credeteci o no, Robert Zemeckis inizialmente voleva dirigere Cocoon, ma i dirigenti della Fox si fecero prendere dal panico dopo le reazioni negative alla prima versione di Romancing the Stone (che comunque avrebbe avuto successo). Ron Howard, che con Splash aveva ottenuto ottimi risultati al botteghino, lo rimpiazzò e la sua regia deliberata si rivelò perfetta per trasformare la sceneggiatura di Tom Benedek, riguardante un gruppo di anziani a una casa di riposo che scopre una piscina simile alla Fonte dell’Età, con delle grandi bozzoline come crostacei sul fondo, in una fiaba di fantascienza commovente.

      Temi stimolanti di invecchiamento e giovani ritrovati, insieme ai soggetti universali di vita e morte, sono esplorati con sensibilità attraverso gli occhi di questi anziani interpretati da Don Ameche, Wilford Brimley e Hume Cronyn. La recitazione di questa vecchiaia del cast non è nostalgia fine a se stessa, Howard evidenzia il meglio nelle loro performance. Gli effetti speciali, in particolare gli alieni luminescenti, possono sembrare datati oggi, ma è difficile negare il fascino positivo sottostante alla rappresentazione delle creature extraterrestri. Cocoon fu uno dei grandi successi di quell’anno e, purtroppo, un seguito di qualità inferiore chiamato Cocoon: The Return, senza Howard, arrivò tre anni dopo.

      The Stuff

      Il titolo si riferisce alla sostanza bianca misteriosa, con una consistenza simile alla schiuma da barba, dal gusto dolce e dipendenza. Questa sostanza divenne presto un fenomeno sahcondo, un dessert irrinunciabile che tutti in America volevano senza sosta, questa “stupidaggine”. Lo sceneggiatore-regista Larry Cohen abbraccia l’assurdità e il grottesco del suo bizzarro presupposto, che satira il tema del consumismo e di come un prodotto impossibile da ignorare possa influenzare molte persone, giovani e anziani.

      La sostanza bianca in The Stuff non solo fa desiderare di averne di più, ma controlla anche le menti e gli appetiti e uccide se necessario. Pensate a un blob bianco appiccicoso, simile a quello del Stay Puft Marshmallow Man, in grado di soffocare la vittima o di uscire dalla bocca di qualcuno. Il film trae beneficio dalla performance convincente di Michael Moriarty nel ruolo dell’ex agente FBI scettico, diventato sabotatore industriale, che indaga sull’origine di questa sostanza bianca.

      Lifeforce

      Lasciate fare a Tobe Hooper, che ci propone qualcosa di strano, lurido e grottesco in Lifeforce, che combina horror di fantascienza sul vampirismo, ovvero i vampiri cosmici resi con un’atmosfera da B-movie senza compromessi. In Lifeforce, Hooper non si tira indietro nel mostrare sesso e nudità, grazie a Mathilda May, spesso nuda, nel ruolo dell’aliena femminile in un corpo umano.

      La regia sopra le righe e volgare di Hooper potrebbe aver disorientato il pubblico mainstream in attesa di un film più classico, date le sue uscite estive. Ma gli appassionati di generi, disposti a tollerare l’erotismo sfrenato e il sangue, troveranno in Lifeforce un’esperienza forte, soprattutto nella seconda metà, incentrata sull’infezione vampirica apocalittica che attraversa Londra.

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      Explorers

      Il successore di Gremlins di Joe Dante vede il regista esplorare la fantascienza fantasia in stile Amblin, con i nuovi protagonisti Ethan Hawke e River Phoenix nei loro debutti cinematografici. Explorers tratta temi familiari come il desiderio di realizzare i sogni e di raggiungere le stelle—letteralmente e figurativamente—mentre la storia si immerge nelle (dis)avventure di tre ragazzini pre-adolescenti (il terzo interpretato da Jason Presson) che costruiscono una navicella spaziale artigianale usando materiali di scarto, con l’aiuto del computer del genio scientifico di Phoenix.

      La prima metà mostra un ritmo promettente, dal presentare questi tre personaggi all’avventura iniziale nello spazio vicino. Sia Hawke che Phoenix dimostrano di essere le stelle emergenti di allora, dando una prima idea delle loro capacità recitative che avrebbero definito le carriere. Tuttavia, il film inciampa una volta che la storia si sposta nello spazio e l’introduzione degli alieni spiritosi non è esattamente quello che il pubblico sperava di vedere. Nonostante le carenze, Explorers colpisce molto nel rappresentare il punto di vista dei bambini e la loro pura immaginazione nel sognare in grande.