I film di Darren Aronofsky dal peggiore al migliore

      La filmografia del regista Darren Aronofsky…

      Il termine “giocare sul sicuro” non fa parte del vocabolario cinematografico di Darren Aronofsky, soprattutto se si guarda alla sua produzione. I suoi film sono spesso stimolanti e, a volte, polarizzanti e persino controversi – il che rende le sue opere ancora più interessanti e meritevoli di essere viste. I ricorrenti temi di Aronofsky, come la vita, la morte, l’ossessione e la religione, sono evidenti dal suo straordinario debutto in bianco e nero Pi, al suo successo Requiem for a Dream fino al kolossal biblico Noah. Con il suo tanto atteso ultimo film, Caught Stealing [leggi la nostra recensione qui], nelle sale, ecco i primi otto film di Darren Aronofsky, classificati dal peggiore al migliore…

      Noah (2014)

      La Paramount ha scommesso su Darren Aronofsky e ha concesso al regista anticonformista un incredibile budget di 125 milioni di dollari per dirigere l’epopea biblica Noah. Ma invece di rimanere fedele al noto mito dell’Arca di Noè, Aronofsky, che ha anche co-scritto la sceneggiatura, si è preso molte libertà creative nel ristrutturare la sua storia, che fonde uno stile epico e mainstream con le sensibilità da film indipendente del regista. Quest’ultima caratteristica è particolarmente evidente nella contemplativa seconda metà del film, che si concentra maggiormente sul dramma guidato dai personaggi, mettendo in rilievo il Noè conflittuale, interpretato dal solenne Russell Crowe, in lotta con la sua coscienza tra l’adempimento della missione di Dio e il risparmiare le vite dei neonati della moglie di Sem (Douglas Booth) (Emma Watson).

      Il tentativo di Aronofsky di rendere il tutto più personale qui soffre di un tono melodrammatico pesante e di un ritmo erratico. Noah funziona meglio soprattutto nella prima metà, nonostante l’introduzione dei giganti di pietra detti Watchers che sembrano usciti direttamente dalla catena di montaggio de Il Signore degli Anelli, con una scena di battaglia su larga scala, immagini coinvolgenti e una posta in gioco tangibile che porta al viaggio dell’arca durante il Diluvio Universale. Noah è poi diventato il film di maggior incasso nella carriera di Aronofsky fino ad oggi, incassando quasi 360 milioni di dollari in tutto il mondo.

      The Whale (2022)

      Le protesi da 300 libbre e il pesante trucco di Brendan Fraser per interpretare un professor inglese gravemente obeso in The Whale gli sono valsi l’Oscar come Miglior Attore, riconoscimento più che meritato. La sua interpretazione empatica è l’asse su cui poggia la maggior parte del film, un dramma di camera che si svolge dentro e fuori la residenza di Charlie (Fraser). La sua grave obesità deriva da un disturbo alimentare sviluppatosi dopo la morte del suo compagno, ed è sul punto di morire. Non che gli interessi o che voglia essere salvato, nonostante l’arrivo di un tenace missionario della New Life interpretato da Ty Simpkins. Charlie ha una malattia cardiaca e l’ultima cosa che vuole è riconnettersi con sua figlia adolescente estraniata, Ellie (Sadie Sink). The Whale è melodrammatico, ma è difficile non fare il tifo per la sottile prova di Fraser, sostenuta da Hong Chau nel ruolo dell’infermiera e migliore amica di Charlie, e dalle ottime performance di Sink e Simpkins.

      The Fountain (2006)

      Il romance sci-fi da 35 milioni di dollari di Aronofsky vanta un impianto ambizioso che intreccia tre storie parallele ambientate nella Spagna e nell’America Centrale del XVI secolo, negli Stati Uniti del XXI secolo e nello spazio esterno del XXVI secolo – tutte guidate da Hugh Jackman in non uno ma tre ruoli diversi. Interpreta il conquistador spagnolo barbuto Tomás, lo scienziato ricercatore Dr. Tommy Creo e il viaggiatore spaziale Tom con risultati sottili e malinconici. Si combina perfettamente con la splendida Rachel Weisz, e la loro chimica sullo schermo è ciò che sostiene il peso di questa storia altrimenti irregolare sull’amore eterno e la mortalità.

      The Fountain avrebbe potuto beneficiare di una durata maggiore, poiché i 93 minuti della versione teatrale compromettono la visione ambiziosa di Aronofsky di una storia che attraversa i secoli. Da incolpare la Warner Bros., che si è tirata indietro nel concedergli il budget iniziale di 70 milioni, costringendo Aronofsky a rielaborare il film con solo la metà del costo. Ma anche con il taglio del budget, Aronofsky riesce a trasformarlo in un capolavoro visivamente stupefacente. Gli effetti speciali sono di prim’ordine con ottime prove tecniche provenienti dalla colonna sonora atmosferica di Clint Mansell, dai sontuosi costumi di Renée April e dall’incisiva scenografia di James Chinlund.

      Mother! (2017)

      Ecco un film che o si ama o si odia, mentre l’inarrestabile regista Darren Aronofsky spinge il suo racconto allegorico verso un’esperienza cinematografica unica, estremamente ambiziosa ma straordinariamente frustrante. In Mother! proietta gli spettatori direttamente nella psiche della protagonista eponima interpretata da Jennifer Lawrence, che appare altrettanto perplessa quanto noi spettatori. Colpisce il fatto che il film si svolge prevalentemente nella casa isolata, con le riprese fluide di Matthew Libatique che seguono la protagonista mentre il personaggio di Lawrence tenta di dare un senso a tutto ciò che sta accadendo.

      Presto vengono introdotti altri personaggi, in particolare quelli accreditati semplicemente come “Man” e “Woman”, interpretati rispettivamente da Ed Harris e Michelle Pfeiffer. Il film si presenta come un lento e deliberato crescendo di horror psicologico, esplorando tutto, dal motivo fortemente religioso al tema ambientale del cambiamento climatico. Mother! va apprezzato con visioni ripetute, nonostante la natura polarizzante che ha diviso critici e pubblico fin dall’uscita.

      Pi (1998)

      Aronofsky iniziò umilmente con Pi, realizzato con un micro-budget e girato in una cinematografia in bianco e nero ad alto contrasto. L’estetica monocroma riflette perfettamente la psiche travolgente del protagonista del film, un teorico dei numeri di nome Max Cohen. Interpretato da Sean Gullette con risultati ipnotici, vediamo il suo personaggio notoriamente riservato lavorare senza sosta, ossessionato dallo svelare i numeri nel suo appartamento angusto.

      Aronofsky incorpora elementi neo-noir con un uso prominente della voce narrante di Gullette, approfondendo vari argomenti dalla matematica alla scienza, alla mortalità e all’ebraismo. Pi beneficia altrettanto dell’esplorazione del regista nel thriller paranoico e nel dramma esistenziale fino al finale nostalgico. Il film d’esordio di Aronofsky ebbe successo al botteghino, incassando oltre 3 milioni di dollari con un budget misero di 134.815 dollari e vinse diversi premi, tra cui il Premio alla Regia nella sezione Dramatic Features del Sundance Film Festival.

      Requiem for a Dream (2000)

      Il secondo film di Aronofsky, Requiem for a Dream, dimostra che questo fenomeno indie non è un fuoco di paglia. È il film che ha messo Aronofsky sulla mappa, consacrandolo come uno dei cineasti più eccitanti da tenere d’occhio. Allontanandosi dal mondo paranoico dei numeri e dei modelli matematici di Pi, Aronofsky esplora il sogno febbrile e le brutali conseguenze della dipendenza da droghe. E per rispecchiare la sensazione inebriante dell’esperienza del tossicodipendente, adopera stili visivi audaci, dallo split screen ai match cut, dai primi piani estremi a immagini surreali.

      I temi della grave dipendenza, della solitudine e dei comportamenti autodistruttivi sono esplorati a fondo attraverso il misero stato dei personaggi interpretati da Jared Leto, Marlon Wayans, Jennifer Connelly ed Ellen Burstyn. Quest’ultima brilla particolarmente nel ruolo della madre casalinga sempre più sopraffatta, ossessionata dalla perdita di peso nella speranza di apparire bene in televisione, risultato che le valse una meritata candidatura all’Oscar come Miglior Attrice.

      The Wrestler (2008)

      Ecco un cambiamento di ritmo radicale per Darren Aronofsky: le immagini stilistiche e contemplative che avevano definito i suoi primi tre film (Pi, Requiem for a Dream e The Fountain) vengono sostituite da un dramma crudo e ridotto all’essenziale. The Wrestler è diverso da tutto ciò che aveva fatto fino a quel momento e no, non ha venduto l’anima al cinema mainstream hollywoodiano. È invece uno studio di personaggio intimo che si concentra sugli ultimi giorni del wrestler professionista (fittizio) Randy “The Ram” Robinson, interpretato da Mickey Rourke.

      Ricalcando la carriera pugilistica dell’attore, la scelta di Rourke è azzeccata e lui offre la performance della sua vita, che ha rivitalizzato brevemente una carriera in calo. I meriti vanno anche ad Aronofsky per aver tirato fuori il meglio da lui – risultato che valse a Rourke una candidatura all’Oscar come Miglior Attore. È difficile non fare il tifo per il percorso di redenzione del suo personaggio, in particolare nella riconnessione con la figlia a lungo dimenticata, Stephanie (Evan Rachel Wood). Aronofsky attenua significativamente la sua consueta estetica visiva a favore di qualcosa di più sincero e sentito.

      Black Swan (2010)

      Il numero uno tra i migliori film di Darren Aronofsky fino ad oggi va ancora a… Black Swan, un horror psicologico che esplora il mondo spietato del balletto e richiama le opere sinistre di Michael Powell ed Emeric Pressburger, come The Red Shoes del 1948. Il film è noto per la migliore prova recitativa di Natalie Portman nei panni di Nina Sayers, una ballerina ventenne di New York che si allena duramente nella speranza di ottenere l’ambito ruolo della Regina Cigno.

      Oltre all’indagine sul mondo del balletto, Aronofsky esplora sottilmente la profondità psicologica e tematica della paranoia, della claustrofobia e della linea sfumata tra realtà e immaginazione. Senza dimenticare il tema importante della dualità, che specchia i due lati della Regina Cigno tra l’angelico Cigno Bianco e l’oscuro e seducente Cigno Nero.

      L’interpretazione scomposta di Portman le valse l’ambito Oscar come Miglior Attrice, e i meriti vanno anche ad Aronofsky per aver massimizzato l’effetto profondamente agitato del soggetto con le riprese spesso a mano di Matthew Libatique, i primi piani estremi e immagini macabre influenzate dai topoi dell’horror corporeo di David Cronenberg e dai profondi toni psicologici di Roman Polanski.

      Cosa pensate di questa classifica? Come classifichereste i film di Aronofsky? Fatecelo sapere sui nostri canali social @FlickeringMyth…

      Casey Chong

      Pubblicato originariamente il 29 agosto 2025. Aggiornato il 30 agosto 2025.