Cómo hicimos American Meltdown, nuestra comedia criminal, por 75.000 dólares

      American Meltdown, la ópera prima del guionista y director Andrew Adams, es una película anticapitalista que hace las delicias del público sobre una mujer que pierde su trabajo y no puede pagar el alquiler... hasta que se hace amiga de un carterista que la convence de que la única forma de salir adelante en Estados Unidos es cometiendo pequeños delitos.

      La narración profundamente personal de Adams impulsó a la película a una carrera estelar en festivales, en la que American Meltdown ganó el premio a la mejor película en el Festival de Chattanooga, donde se estrenó, así como el premio al mejor guión en FilmQuest, y múltiples premios de interpretación para las actrices principales Jacki Von Preysing y Nicolette Sweeney. A continuación, Adams y el equipo explican cómo hicieron un largometraje de micropresupuesto que supera con creces su categoría en términos de valor de producción, interpretación, historia y estilo. Nicolette Sweeney como Mari, a la izquierda, y Jacki Von Preysing como Olivia comparten un trozo de vida de furgoneta en American Meltdown. Distribución Quiver.

      EL DINERO (I-D) Equipo de American Meltdown Alejandro Ramos (1AC), Mark Evans (DP), Andrew Adams (Director), Stewart Cory (Productor), Josh Atwell (Mezclador de campo), Clayton Farris (actor, "Lou"), Jacki Von Preysing (actriz, "Olivia"), Mercedez Gonzalez (peluquería y maquillaje), Alex Kumph (sustituto de Ivan de Crécy como grip/gaff) y Crystal Collins (coproductora).

      Andrew Adams: El presupuesto de American Meltdown fue de 75.000 dólares. Perder el trabajo de mis sueños tuvo un lado positivo: Conseguí un préstamo para catástrofes económicas de 35.000 dólares a bajo interés. Luego, cuando mi difunto y querido abuelo se enteró de mis planes, me envió por correo un cheque de 5.000 dólares. Los fondos restantes procedían de ahorros personales y tarjetas de crédito, repartidos en cuatro años de gastos. Nuestro objetivo era hacer que 75.000 dólares parecieran 1.000.000. Andrew Crabtree (productor): Una de las cosas más importantes a la hora de elaborar un presupuesto para un proyecto independiente es recordar que el presupuesto no hará más que aumentar. Es tan seguro como la muerte y los impuestos. Si sólo tienes 100.000 dólares, y construyes un proyecto con 100.000 dólares en mente... Necesitarás 170.000 dólares. De repente estás muy por encima de tus esquís y ya estás a mitad de camino por la montaña. Así que elaboramos nuestro presupuesto objetivo en 40.000 dólares, sabiendo que podríamos estirar los fondos personales hasta 75.000 dólares cuando aparecieran esos inevitables costes adicionales. Y lo hicieron. Andrew Adams: Gastamos unos 20.000 dólares en producción (artesanía, vestuario, atrezzo, cámara e iluminación, seguros, permisos), 17.000 en localizaciones, 23.000 en honorarios del reparto y el equipo, y 15.000 en postproducción. ELENCO Y EQUIPO Andrew Crabtree: El elemento más importante de una película independiente es el equipo. Esta película tiene un aspecto y un sonido tan buenos no gracias a un equipo caro y sofisticado, sino a nuestro director de fotografía (Mark Evans), al mezclador de audio (Josh Atwell), al montador (Josh Cole), a la maquilladora (Mercedez Gonzalez), al productor (Stewart Cory), a los coproductores (Crystal Collins y Coraline Kong) y a muchos más. Del mismo modo, la película es divertida y atractiva por el talento del reparto. Son cosas a las que, siendo realistas, no se les puede poner precio.

      Andrew Adams: Reparto y equipo con intención. Y contrata a amigos. Los actores Jacki Von Preysing, Shaun Boylan y DeMorge Brown llevaban años colaborando estrechamente, y el actor Clayton Farris era amigo de Drew. Las historias compartidas crearon una sensación de confianza que fue esencial para superar los momentos más duros de la producción. Todos sabíamos que nos cubríamos las espaldas y que estábamos haciendo algo genial".

      Lee también: En American Meltdown, Andrew Adams canaliza el sentimiento de robo de una generación Andrew Crabtree: Todo el mundo tiene que entender qué película estás haciendo. La primera conversación que teníamos con cualquier nuevo empleado era explicarle abierta y honestamente qué tipo de película era. No teníamos los recursos ni los lujos que tienen otros rodajes más grandes, y no queríamos pretender ser más grandes que nuestras botas. Necesitábamos gente que entendiera la tarea. Hacer una película independiente no es para todo el mundo, ¡y no pasa nada! Pero el reparto y el equipo comprendieron desde el principio en qué se estaban metiendo y tuvimos la suerte de contar con un equipo que disfrutó con el reto, se puso manos a la obra y colaboró para hacer la mejor película posible. Andrew Adams: Ensayé con el reparto en Zoom durante los encierros de Covid, dejando mucho espacio para la improvisación, y luego reescribí el guión para incorporar las ideas de los actores. Clayton se volvió más villano y Nicolette más realista. Integramos este espíritu de colaboración e improvisación en el guión desde el principio, para poder llegar al plató con un guión ajustado y listo para rodar".

      

      

      CÁMARA Mark Evans (director de fotografía): Es muy fácil hacer que una película parezca tan buena con tan poco dinero si estás dispuesto a hacer un pacto con el diablo para entregar el alma inmortal de tu primogénito. Sinceramente, gran parte del éxito visual de la película se debe a las localizaciones, que fueron elegidas con mucho cuidado. La hora del día y la ubicación del sol eran mucho más importantes que el equipo que teníamos en la serie, y planificar previamente nuestras ventanas de rodaje en función de la posición del sol nos ayudó a estirar el aspecto de la película más allá de nuestros limitados medios. Andrew Adams: No teníamos departamento artístico, así que busqué durante meses localizaciones que ya fueran bonitas. Luego dejamos que el mundo hiciera su trabajo. Rodamos en diciembre para que el sol estuviera más bajo en el cielo todo el día, fuera más fácil conseguir contraluces y rebotes naturales, y pudiéramos rodar (en general) de 11 de la mañana a medianoche y conseguir muchas escenas nocturnas oscuras sin obligar a nuestro equipo a trabajar toda la noche. Mark Evans: También tuvimos que conciliar los estilos de iluminación que queríamos con la realidad de lo que podíamos permitirnos. Sólo contaba con la ayuda de un joven estudiante de cine francés, Ivan de Crécy, que me ayudó a sujetar y colocar los trípodes de todo el largometraje, y siempre estaré en deuda con él, no sólo por su increíble ética de trabajo, sino también por su voluntad de aceptar los retos de un largometraje de bricolaje.

      Elegí luces que pudieran montarse con sólo dos personas, que no necesitaran generadores ni plantas de remolque y que pudieran funcionar con batería en caso necesario. El tubo Astera Titan y los kits Nyx Bulb Edison reinaron por encima de todo. Envolví casi todos los tubos en rejillas de control y fideos blancos baratos de piscina (conseguidos en Amazon) para suavizar y dispersar la fuente, y luego los escondí por todas partes. Las unidades más grandes que teníamos eran dos Mole LED 1600w Tener Fresnels, unas de las primeras de su clase (lo que las hacía muy baratas de alquilar). Eran auténticas bestias y resultaba devastador moverlas, pero no por ello eran menos eficaces. Sólo estaban equilibrados para luz diurna, por lo que los envolvíamos constantemente en geles de colores para conseguir la paleta deseada para nuestro trabajo nocturno. La cámara era una vieja Alexa SXT de Andrew Adams: Mark y yo estuvimos de acuerdo, desde el principio, en que un aspecto de estudio pulido era lo que mejor se adaptaba a la historia. Lo cual era un reto, dado que no teníamos manos extra para ayudar a "pulir" el aspecto y sólo una fracción de los recursos de un estudio. Mark Evans: Esa decisión probablemente me quitó cinco años de vida.

      Mari y Olivia en Cine Tracer... Andrew Adams: Mark también me presentó el programa Cine Tracer de Matt Workman, que utilizamos para previsualizar cada fotograma de la película. Mark Evans: Cine Tracer fue fundamental. Después de explorar las localizaciones, reconstruí virtualmente cada uno de los decorados en el programa. Podíamos colocar cámaras virtuales junto a modelos de "actores" posables, lo que nos permitía ver los bloqueos y la acción de cada escena.

      Cuando se hace una película independiente como ésta, tener conversaciones de antemano sobre la colocación de la cámara, la intención y el diseño es un salvavidas. Creó un plan en el que Andrew y yo podíamos confiar (aunque a menudo lo desechábamos) y nos dio confianza en el plató. No me canso de repetir lo mucho que nos salvó el pellejo. Cuando se dispone de pocos recursos y se está contra la espada y la pared con un calendario como el que teníamos, mantener conversaciones difíciles por adelantado te ayuda a salir adelante. El plano final tal y como aparece en American Meltdown Cortesía de Andrew Adams. EDICIÓN DE AMERICAN MELTDOWN El equipo de postproducción se redujo básicamente a cuatro personas: el montador Joshua Cole, el coeditor Jon Falk, el diseñador de sonido/mezclador Alex Britten y el colorista Billy Hobson.

      Josh Cole (editor): ¿Podemos hablar de que la edición tenía tan poco presupuesto que se financió con burritos? Andrew Crabtree: 100% sí, sin ironía.

      Andrew Adams: La regla número 1 del cine de bajo presupuesto es que un equipo bien alimentado es un equipo feliz.

      Josh Cole: Nos dimos cuenta de que era importante ver los cortes de la película en salas con gente, porque empiezas a ver la película de forma completamente diferente que en la suite. A menudo, al final de la proyección ya sabes lo que hay que cambiar, incluso antes de recibir comentarios.

      Como esta película es una delicada mezcla de comedia, drama y crimen, la nota principal que recibimos fue sobre el tono. Gran parte del equilibrio tonal se estableció en el primer acto de la película, por lo que nuestros primeros diez minutos requirieron más experimentación y edición que cualquier otra sección de la película. Al principio, el comienzo era demasiado largo y lento, así que lo redujimos a lo esencial, pero descubrimos que habíamos perdido demasiado y el público dejó de conectar con nuestro protagonista. Los primeros cortes tenían un tono cómico. Incluimos todos los chistes que hacían reír, pero luego descubrimos que socavaban el drama. Nuestros siguientes cortes abrazaron el drama. Recortamos todos los chistes que pudimos, y descubrimos que la historia se volvía más emocionalmente convincente... pero menos divertida de ver. Lo que requirió una tercera etapa: el equilibrio. Intercambiamos chistes y pistas musicales hasta que supimos cuáles rompían la realidad y cuáles la sostenían. Encontrar el ritmo y el tono adecuados requirió mucho tiempo, experimentación, debate y la voluntad de matar a los queridos.

      Además de burritos. MÚSICA Andrew Adams: Una vez trabajé en una película de terror exuberante y cinematográfica en la que el 25% del presupuesto se destinaba al departamento artístico, y eso me ayudó a comprender que las decisiones presupuestarias de un cineasta pueden definir su voz y su estilo. Estoy obsesionado con la música y sabía que era un departamento en el que no quería compromisos, así que prometí gastar lo que hiciera falta para conseguir la partitura adecuada.

      Buscamos al mejor compositor posible y nos decidimos por la estrella emergente Jason Martin Castillo después de congeniar tomando un café. Le pedí una partitura oscura y funky que fusionara a Marvin Gaye con Jonny Greenwood. Jason compuso una música que sonaba como si una banda de funk de cinco músicos estuviera tocando en directo. El resultado es un conjunto de canciones angustiosas, percusivas y hermosas. COLOR Andrew Adams: Billy Hobson es un colorista de primera clase en Harbor Picture Company, con créditos como The Peanut Butter Falcon, New Life y Los Frikis. Aceptó trabajar en nuestra película no por el presupuesto, sino por los buenos momentos que pasó hace años trabajando en un estudio de fotografía con nuestro director de fotografía. La lección es: sé amable con todo el mundo. Las amistades que haces a los 22 años pueden mover montañas en el futuro. Comunicamos nuestra visión a Billy compartiendo un PDF de imágenes de referencia para cada escena y aspecto. Le gustaron las sombras oscuras, el grano cinematográfico y una sensación de imperfección naturalista. VFX Andrew Adams: Todos los que leyeron el guión durante la preparación tenían una pregunta: "¿Cómo demonios vas a quemar una casa?" Era vital para una secuencia culminante y temáticamente clave. La respuesta corta es que contratamos a un increíble artista de efectos visuales llamado Jared Potter. Pero si no está disponible para tu próximo proyecto... aquí está la respuesta larga.

      Antes de escribir la escena del incendio, estudié bibliotecas de material de archivo de efectos visuales como ActionVFX en busca de elementos preexistentes en torno a los que pudiera crear una escena. Después de ver algunos elementos de "llamas de ventana" especialmente potentes a la venta, invertí la ingeniería de los detalles de la trama para centrar la acción en torno a una ventana. Mientras Mark y yo diseñábamos los planos, consultábamos constantemente ActionVFX para asegurarnos de que ya existían elementos con llamas similares. En el plató, rodamos planos generales de la casa (sin prenderle fuego, aunque parezca mentira) en distintas condiciones de iluminación, utilizando tubos Astera parpadeantes para emular las llamas o destellos brillantes de luz blanca para las explosiones. Después se añadieron llamas digitales en la postproducción.

      Para los primeros planos, Mark y yo nos adentramos en el desierto, colocamos todo el atrezzo que nos quedaba delante de un 2×4 pintado a juego con las paredes de la casa, nos tomamos unas cervezas y encendimos todo aquello.

      Pero la llama real en nuestros primeros planos no coincidía con la llama digital en nuestros planos generales. Era... obvio. Así que Jared hizo un milagro. Sacó información de color de nuestros primeros planos y la usó para hacer que las llamas digitales de los planos generales fueran más precisas. Luego mezcló llamas reales y digitales en fotogramas individuales, engañando a los ojos y difuminando los límites. Ahora nuestros primeros planos de fuego real incluyen llamas digitales, chispas y humo como elementos de primer plano.

      CONCLUSIÓN Andrew Crabtree: Una línea que aparece en todos los elementos es la planificación. O, en muchos casos, la ingeniería inversa. Sabíamos que no íbamos a tener el presupuesto que queríamos, así que tuvimos que ser inteligentes sobre lo que podíamos poner en pantalla de forma realista.

      Casi todo esto lo hizo Andrew en la fase de escritura: situar las escenas en lugares donde pudiéramos rodar gratis (al aire libre y en espacios públicos, por ejemplo). Escribir papeles adaptados a determinados actores que ya conocíamos y nos encantaban. Crear un tercer acto basado específicamente en los efectos visuales que sabíamos que podíamos conseguir. Este tipo de visión de futuro fue fundamental para que pudiéramos sacar todo esto adelante. Andrew Adams: El rodaje fue duro, pero lo más difícil fue conseguir que la gente lo viera. Aunque cuando lo hacen les encanta. Así que, por favor, no dejen de ver American Meltdown. Más información en geni.us/americanmeltdown. Imagen principal: American Meltdown. Distribución Quiver.