Come abbiamo realizzato American Meltdown, la nostra commedia criminale, per 75.000 dollari

      American Meltdown, il primo lungometraggio dello scrittore e regista Andrew Adams, è un film anti-capitalista "di rabbia" che racconta di una donna che perde il lavoro e non riesce a pagare l'affitto... finché non fa amicizia con un borseggiatore che la convince che l'unico modo per farcela in America è commettere piccoli crimini.

      La narrazione profondamente personale di Adams ha spinto il film a una serie di festival stellari, tra cui American Meltdown che ha vinto il premio come miglior film al Chattanooga Film Festival, dove è stato presentato in anteprima, nonché il premio per la miglior sceneggiatura al FilmQuest e i premi multipli per le interpreti principali Jacki Von Preysing e Nicolette Sweeney. Qui di seguito, Adams e la troupe spiegano come hanno realizzato un film a micro-budget che supera di gran lunga la sua classe di peso in termini di valore produttivo, recitazione, storia e stile. Nicolette Sweeney nel ruolo di Mari, a sinistra, e Jacki Von Preysing nel ruolo di Olivia condividono uno spaccato di vita da furgone in American Meltdown. Distribuzione Quiver.

      THE MONEY (L-R) Il team di American Meltdown Alejandro Ramos (1AC), Mark Evans (DP), Andrew Adams (Regista), Stewart Cory (Produttore), Josh Atwell (Field Mixer), Clayton Farris (attore, "Lou"), Jacki Von Preysing (attrice, "Olivia"), Mercedez Gonzalez (capelli e trucco), Alex Kumph (che sostituisce Ivan de Crécy come grip/gaff) e Crystal Collins (coproduttrice).

      Andrew Adams: Il budget per American Meltdown era di 75.000 dollari. La perdita del lavoro dei miei sogni ha avuto un risvolto positivo: Mi sono qualificato per un prestito di 35.000 dollari a basso tasso di interesse per danni economici. Poi, quando il mio defunto e amato nonno ha sentito i miei progetti, mi ha spedito un assegno di 5.000 dollari. I fondi rimanenti provenivano da risparmi personali e carte di credito, distribuiti in quattro anni di spese. Il nostro obiettivo è diventato quello di far sembrare 75.000 dollari come 1.000.000 di dollari. Andrew Crabtree (produttore): Una delle cose più importanti nella stesura del budget per un vero progetto indipendente fai-da-te è ricordare che il budget non potrà che aumentare. È sicuro come la morte e le tasse. Se avete solo 100.000 dollari e costruite un progetto con 100.000 dollari in mente... Avrete bisogno di 170.000 dollari. Improvvisamente, vi ritrovate a superare i vostri sci e siete già a metà strada. Così abbiamo costruito il nostro budget per 40.000 dollari, sapendo che avremmo potuto estendere i fondi personali fino a 75.000 dollari quando sarebbero arrivati gli inevitabili costi aggiuntivi. E così è stato. Andrew Adams: Abbiamo speso circa 20.000 dollari per la produzione (artigianato, costumi, oggetti di scena, telecamere e luci, assicurazione, permessi), 17.000 dollari per le location, 23.000 dollari per il cast e la troupe e 15.000 dollari per la post-produzione. CAST E CREW Andrew Crabtree: L'elemento più importante di un film indipendente fai-da-te sono le persone. L'aspetto e il suono di questo film non sono dovuti ad attrezzature costose e sofisticate, ma al talento del nostro direttore della fotografia (Mark Evans), del mixer audio (Josh Atwell), del montatore (Josh Cole), della truccatrice (Mercedez Gonzalez), del produttore sul set (Stewart Cory), dei co-produttori (Crystal Collins e Coraline Kong) e di molti altri. Allo stesso modo, il film è divertente e coinvolgente grazie al talento del cast. Sono cose a cui, realisticamente, non si può dare un prezzo.

      Andrew Adams: Cast e troupe con intenzione. E assumere amici. Gli attori Jacki Von Preysing, Shaun Boylan e DeMorge Brown erano stretti collaboratori creativi da anni, e l'attore Clayton Farris era un amico di Drew. Le storie condivise hanno creato un senso di fiducia che è stato essenziale per superare i momenti più difficili della produzione. Sapevamo tutti che ci coprivamo le spalle a vicenda e che stavamo realizzando qualcosa di straordinario.

      Leggi anche: In American Meltdown, Andrew Adams mette in scena il senso di derubazione di una generazione Andrew Crabtree: Tutti devono capire che film stai facendo. La prima conversazione che abbiamo avuto con ogni nuovo assunto è stata quella di spiegare apertamente e onestamente che tipo di film fosse. Non avevamo le risorse o i lussi che hanno altre riprese più grandi e non volevamo fingere di essere più grandi dei nostri stivali. Avevamo bisogno di persone che comprendessero il compito. Realizzare un film indipendente fai-da-te non è da tutti, e va bene così! Ma il nostro cast e la nostra troupe hanno capito fin da subito a cosa andavano incontro e siamo stati benedetti da una squadra che ha accettato la sfida, è salita in sella e ha lavorato insieme per realizzare il miglior film possibile. Andrew Adams: Ho provato con il cast di Zoom durante i blocchi di Covid, lasciando molto spazio all'improvvisazione, poi ho riscritto la sceneggiatura per incorporare le idee degli attori. Clayton è diventato più cattivo, Nicolette più radicata. Abbiamo inserito questo spirito collaborativo e di improvvisazione nella sceneggiatura fin dall'inizio, in modo da arrivare sul set con una sceneggiatura ben definita e pronta per le riprese.

      

      

      MACCHIA Mark Evans (direttore della fotografia): È davvero facile fare un film così bello con pochi soldi se si è disposti a fare un patto con il diavolo per dare via l'anima immortale del proprio primogenito. In tutta onestà, gran parte del successo visivo del film deriva dalle location, scelte con estrema cura. L'ora del giorno e la posizione del sole erano molto più importanti di qualsiasi attrezzatura che avevamo a disposizione, e la pianificazione delle finestre di ripresa in base alla posizione del sole ci ha aiutato a estendere l'aspetto del film oltre i nostri mezzi molto limitati. Andrew Adams: Non avevamo un reparto artistico, quindi ho fatto scouting per mesi per trovare location già belle. Poi abbiamo lasciato che il mondo facesse il suo lavoro. Abbiamo girato a dicembre, in modo che il sole rimanesse più basso nel cielo per tutto il giorno, che i controluce e i rimbalzi naturali fossero più facili da ottenere e che potessimo girare (in genere) dalle 11 del mattino a mezzanotte e ottenere molte scene notturne buie senza costringere la troupe a lavorare di notte. Mark Evans: Abbiamo anche dovuto conciliare gli stili di illuminazione che volevamo con la realtà di ciò che potevamo permetterci. Avevo solo un giovane studente di cinema francese per aiutarmi a montare e montare l'intero film, Ivan de Crécy, e sarò per sempre in debito con lui non solo per la sua incredibile etica del lavoro, ma anche per la sua disponibilità ad accettare le sfide di un film fai-da-te.

      Ho scelto luci che potessero essere montate con due sole persone, che non avessero bisogno di generatori o impianti di traino e che potessero funzionare a batteria, se necessario. I kit Astera Titan tube e Nyx Bulb Edison regnavano sovrani. Ho avvolto quasi tutti i tubi con griglie di controllo e spaghetti da piscina bianchi a basso costo (reperiti su Amazon) per ammorbidire e disperdere la sorgente, poi li ho nascosti dappertutto. Le unità più grandi che avevamo erano due Mole LED 1600w Tener Fresnels, tra i primi del loro genere (il che li rendeva molto economici da noleggiare). Erano delle bestie assolute e davvero devastanti da spostare, ma comunque efficaci. Erano bilanciati solo per la luce diurna, quindi li avvolgevamo costantemente in gel colorati per ottenere la tavolozza desiderata per il nostro lavoro notturno. La telecamera era una vecchia Alexa SXT scontata di Andrew Adams: Mark e io abbiamo concordato fin dall'inizio che un look da studio lucido si adattava meglio alla storia. Il che è stata una sfida, dato che non avevamo mani in più per "lucidare" il look e solo una frazione delle risorse di uno studio. Mark Evans: Questa decisione mi ha probabilmente tolto cinque anni di vita.

      Mari e Olivia in Cine Tracer... Andrew Adams: Mark mi ha anche fatto conoscere il software Cine Tracer di Matt Workman, che abbiamo usato per pre-visualizzare ogni singolo fotogramma del film. Mark Evans: Cine Tracer è stato fondamentale. Dopo aver esplorato le nostre location, ho ricostruito virtualmente ogni set nel programma. Potevamo posizionare telecamere virtuali accanto a modelli di "attori" posabili, consentendoci di camminare attraverso il blocco e l'azione per ogni scena.

      Quando si realizza un film indipendente come questo, avere in anticipo conversazioni minuziose sul posizionamento delle telecamere, sulle intenzioni e sul design è un salvavita. Ha creato un progetto su cui Andrew e io abbiamo potuto fare affidamento (anche se spesso lo abbiamo buttato via) e ci ha dato fiducia sul set. Non potrò mai sottolineare abbastanza quanto questo ci abbia salvato la pelle. Quando si è a corto di risorse e si è con le spalle al muro con una tabella di marcia come quella che abbiamo avuto noi, le conversazioni difficili da affrontare in anticipo ci permetteranno di andare avanti. L'inquadratura finale come appare in American Meltdown Per gentile concessione di Andrew Adams. MONTAGGIO DI AMERICAN MELTDOWN Il team di post-produzione si è ridotto essenzialmente a quattro persone: il montatore Joshua Cole, il co-editore Jon Falk, il sound designer/mixer Alex Britten e il colorista Billy Hobson.

      Josh Cole (montatore): Possiamo parlare del fatto che il montaggio era così a basso budget che è stato finanziato con i burrito? Andrew Crabtree: sì al 100%, senza ironia.

      Andrew Adams: La regola numero 1 del cinema a basso budget è che una troupe ben nutrita è una troupe felice.

      Josh Cole: Ci siamo resi conto che era importante guardare le parti del film in stanze piene di persone, perché si inizia a vedere il film in modo completamente diverso rispetto alla suite. Spesso si finisce una proiezione sapendo già cosa deve essere cambiato, anche prima di ricevere un feedback.

      Poiché questo film è una miscela difficile di commedia, dramma e crimine, la nota principale che abbiamo ricevuto riguardava il tono. Gran parte dell'equilibrio tonale è stato stabilito nel primo atto del film, e quindi i nostri primi dieci minuti hanno richiesto più sperimentazione e montaggio di qualsiasi altra sezione del film. All'inizio il nostro incipit era troppo lungo e lento, quindi abbiamo semplificato fino all'essenziale, per poi scoprire che avevamo perso troppo e che il pubblico aveva smesso di entrare in sintonia con il nostro protagonista. Questo ha richiesto una certa finezza: i nostri primi tagli hanno abbracciato un tono da commedia. Abbiamo inserito tutte le battute che facevano ridere, solo per scoprire che in seguito non erano all'altezza del dramma. I tagli successivi hanno privilegiato il dramma. Abbiamo tagliato tutte le battute possibili e abbiamo scoperto che la storia diventava più coinvolgente dal punto di vista emotivo... ma meno divertente da guardare. Il che ha richiesto una terza fase: l'equilibrio. Abbiamo scambiato battute e spunti musicali, finché non abbiamo capito quali spezzavano la realtà e quali la sostenevano. Trovare il ritmo e il tono giusti ha richiesto molto tempo, sperimentazioni, discussioni e la volontà di uccidere i propri beniamini.

      Più i burrito. MUSICA Andrew Adams: Una volta ho lavorato a un film horror lussuoso e cinematografico in cui il 25% del budget era destinato al reparto artistico, e questo mi ha aiutato a capire che le scelte di budget di un regista possono definire la sua voce e il suo stile. Sono ossessionato dalla musica e sapevo che era un reparto in cui non volevo compromessi, quindi ho promesso di spendere tutto il necessario per ottenere la colonna sonora giusta.

      Abbiamo cercato il miglior compositore possibile e siamo approdati all'astro nascente Jason Martin Castillo dopo averci dato dentro con un caffè. Ho richiesto una colonna sonora dark e funky che fondesse Marvin Gaye e Jonny Greenwood. Jason ha composto una musica che sembrava la colonna sonora di una funk band di cinque elementi. Il risultato è una suite di canzoni ansiose, percussive e bellissime. COLOR Andrew Adams: Billy Hobson è un colorista di livello mondiale della Harbor Picture Company, con crediti come The Peanut Butter Falcon, New Life e Los Frikis. Ha accettato di lavorare al nostro film non per il budget, ma per i bei momenti passati anni fa lavorando in una casa di produzione con il nostro direttore della fotografia. La lezione è: sii gentile con tutti. Le amicizie che si creano a 22 anni possono spostare le montagne nel futuro. Abbiamo comunicato a Billy la nostra visione condividendo un PDF di immagini di riferimento per ogni scena e look. Ha accettato ombre scure, grana cinematografica e un senso di imperfezione naturalistica. VFX Andrew Adams: Tutti coloro che hanno letto la sceneggiatura in fase di preparazione avevano una domanda: "Come diavolo farete a bruciare una casa?" Era fondamentale per una sequenza dolosa e tematica. La risposta breve è che abbiamo assunto un fantastico artista dei VFX di nome Jared Potter. Ma se non è disponibile per il vostro prossimo progetto... ecco la risposta lunga.

      Prima di scrivere la scena dell'incendio, ho studiato le librerie di filmati di stock VFX come ActionVFX alla ricerca di elementi preesistenti su cui poter costruire una scena. Dopo aver notato che erano in vendita alcuni elementi particolarmente forti come la "fiamma della finestra", ho rielaborato i dettagli della trama per centrare l'azione intorno a una finestra. Mentre io e Mark progettavamo le inquadrature, incrociavamo costantemente i dati di ActionVFX per assicurarci che esistessero già elementi di fiamma corrispondenti. Sul set, abbiamo girato ampie riprese della casa (senza incendiarla, che ci crediate o no) in diverse condizioni di luce, utilizzando tubi Astera tremolanti per emulare le fiamme o lampi di luce bianca calda per le esplosioni. Le fiamme digitali sono state poi aggiunte in post-produzione.

      Per i primi piani, Mark e io siamo andati nel deserto, abbiamo scaricato tutti gli oggetti di scena rimasti davanti a un 2×4 dipinto in tinta con le pareti della casa, ci siamo scolati qualche birra e abbiamo acceso quella roba.

      Ma la fiamma reale nei primi piani non corrispondeva alla fiamma digitale nelle riprese ampie. Era... ovvio. Così Jared ha fatto qualche miracolo. Ha estratto le informazioni sul colore dai nostri primi piani e le ha utilizzate per rendere più precise le fiamme digitali nelle panoramiche. Poi ha mescolato le fiamme reali e digitali in singoli fotogrammi, ingannando gli occhi e confondendo i confini. Ora i nostri primi piani di fuoco reale includono fiamme digitali, scintille e fumo come elementi in primo piano.

      CONCLUSIONE Andrew Crabtree: Una linea di demarcazione che emerge in ogni elemento è la pianificazione. O, in molti casi, il reverse-engineering. Sapevamo che non avremmo avuto il budget che volevamo, quindi dovevamo essere intelligenti su ciò che potevamo realisticamente mettere sullo schermo.

      Quasi tutto questo è stato fatto da Andrew in fase di scrittura: ambientare le scene in luoghi dove potevamo girare gratuitamente (all'aperto e in spazi pubblici, per esempio). Scrivere ruoli adatti a determinati attori che già conoscevamo e amavamo. Creare un terzo atto costruito specificamente sulle risorse VFX su cui sapevamo di poter mettere le mani. Questo tipo di lungimiranza è stata fondamentale per permetterci di realizzare tutto questo. Andrew Adams: Le riprese sono state dure, ma la parte più difficile è stata convincere la gente a guardarlo. Anche se quando lo fanno tendono ad amarlo. Quindi, per favore, guardate American Meltdown! Per saperne di più, visitate geni.us/americanmeltdown. Immagine principale: American Meltdown. Distribuzione della faretra.