Laurynas Bareiša, directora de Drowning Dry, habla sobre Encontrar Comedia en la tragedia, Nicolas Roeg y las cosas que No Podemos Procesar

      Conan O'Brien puede ser perdonado por bromear "Para ti, Estonia" después de que Flow le ganara a Letonia su primer Oscar el mes pasado. El concepto de un Cine Báltico compartido sigue siendo relativamente oscuro: "Tenemos esta identidad complicada, culturalmente", me explicó Laurynas Bareiša recientemente en el Festival Internacional de Cine de Riga en un rincón acogedor de uno de los cafés más antiguos de la ciudad, "porque no somos parte del mundo eslavo y no somos geográficamente escandinavos, pero creo que se está desarrollando un sentido de esta región báltica."Si se está formando una ola en esa parte del mundo, los cineastas lituanos han estado a la vanguardia at al menos desde el debut de Bareiša, Pilgrims, ganó la sección Orizzonti de Venecia en 2021.

      Desde entonces, ese éxito se ha visto reforzado por películas como Slow de Marija Kavtaradzė (ganadora en Sundance en 2023) y la notable barrida de premios en Locarno el año pasado, donde la Mejor Película fue para Toxic de Saule Bliuvaite y los premios de dirección e interpretación para la última de Bareiša, Drowning Dry. "Cuando gané en Venecia, todo el mundo estaba un poco conmocionado en la comunidad cinematográfica. Y creo que ahora, después de María y Saule, la gente tiene la sensación de que pueden salir y ser vistos.”

      Ambientada en una línea de tiempo que salta como un sueño mal recordado, Drowning Dry sigue a dos hermanas y sus respectivas familias en un fatídico retiro a una casa de verano junto al lago. A través de posturas machistas de los maridos, uno de los cuales es un luchador de MMA, Bareiša crea un estado de inquietud general que persiste hacia un evento trágico. Sí, es otra película sobre el trauma, pero el director socava la tristeza con destellos de humor, un borde afilado de misterio y un marco maravillosamente delgado y convincente que te deja con ganas de más que sus 88 minutos.

      Durante una media hora igualmente rápida (condensada y editada aquí para mayor claridad), Bareiša nos habló sobre la masculinidad frágil, las influencias cinematográficas y lo cerca que estuvo de usar dos canciones de Atomic Kitten.

      El Escenario de la Película: El título se refiere a una condición en la que alguien parece sobrevivir a un ahogamiento solo para asfixiarse nuevamente en tierra. De vuelta en Locarno, hablaste sobre cómo esta condición inspiró la estructura de la película en sí. ¿Puedes desempacar eso un poco?

      Laurynas Bareiša: Esta condición, ahogamiento seco o ahogamiento secundario, me pareció una metáfora de las interacciones sociales que tienen los personajes. Tienen conexiones, pero se están asfixiando. Ambas parejas lo están pasando mal, y sus relaciones se deterioran cada vez más. Me recordó a esto de alguna manera like como si no hubiera agua, pero de todos modos te asfixias.

      La línea de tiempo salta mucho a lo largo. Tenía curiosidad: ¿cuál fue la primera escena que escribiste?

      La primera escena fue la situación de ahogamiento, donde el padre saca a su hija pero no le realiza reanimación cardiopulmonar. Y luego lo empujan y otra persona salva a su hijo. De alguna manera me di cuenta cuando pensé: "¿Qué pasa si no dices gracias?"¿Sabes, qué pasa si no puedes dar las gracias? Eso se relacionaba con muchas cosas que podía ver a mi alrededor, esta incapacidad, especialmente para los hombres. Es como muchas cosas que ves en la sociedad. Puedes decir: "Oh, esto es estúpido", pero en realidad está muy dentro. Estas son cosas muy problemáticas que no podemos procesar. Entonces, a partir de eso, comencé a escribir esta estructura.

      ¿Entonces casi se construye desde el medio hacia afuera?

      Sí, porque este es el momento en que el tiempo se divide. Sabes, es un evento traumático. Y los cuatro son como aspectos diferentes de cómo lidiar con esta situación. Por ejemplo, un personaje es obviamente muy externo y físicamente capaz y puede reaccionar instantáneamente, pero también es muy cerrado y no ve a todos a su alrededor. Este es Lucas, el luchador: no entiende que a su esposa no le guste la forma en que está actuando con ella y cómo se siente todo el mundo a su alrededor. Pero el otro esposo es muy consciente de cómo todos lo ven. Se atasca en estos momentos que son muy importantes, pero no puede moverse por eso. Y luego las hermanas: una está muy distante y ya derrotada de alguna manera, psicológicamente, pero la otra, para quien crees que esto es más difícil, es la más fuerte mentalmente. Ella es muy resistente y tiene formas de sobrellevarlo. Así que decidí hacer esta plaza.

      Así que quería explorar la relación con este trágico evento y cómo sigues regresando y cuán diferente lo experimentas. Hay muchas escenas similares, o incluso las mismas escenas.

      

      Laurynas Bareiša en el Festival de Cine de Locarno

      Les muestras a las hermanas bailando dos veces, y cada vez con una canción diferente. ¿Cómo los elegiste?

      Simplemente los tenía pegados en mi cabeza desde la década de 2000, desde la época de MTV. Pensé que las dos hermanas tienen una edad similar y también crecieron viendo el mismo canal. Las dos primeras canciones que elegí fueron de Atomic Kitten, "Eternal Flame" y "Whole Again", pero el problema era que la gente no distinguía que eran canciones diferentes. Son del mismo álbum, pero si lo escuchas no eres consciente de cuándo termina una canción y comienza otra.

      Pero el baile es exactamente el mismo. ¿Siquiera le disparaste dos veces?

      El tiro de pelea es el mismo, pero el baile no. Puedes ver que están pronunciando la canción y ahí es donde entra la mierda mental. Lo curioso es que obtuvimos los derechos el día después del rodaje, así que en realidad interpretamos ocho canciones diferentes. Obtuvimos los que queríamos, pero tenemos estos tiros con ocho golpes diferentes de los 90.

      Puedes ponerlos en el DVD.

      [Risas] Sí, como material extra.

      Hay un momento increíble cuando Lukas intenta adelantar a un camión de troncos en la autopista. ¿Cómo te las arreglaste para disparar eso? Es como algo fuera del Destino Final.

      Sí, cada vez que conduzco detrás de este tipo de camión forestal, pienso en esa escena. Pero tuvimos al doble de riesgo y luego lo cronometramos con nuestro actor. La primera vez que lo hizo, casi vomito porque no entendió mi dirección. Él simplemente fue y adelantó, así que fue aún más peligroso. Pero había, como, tres conductores especialistas; solo el camión tenía un conductor de camión y todos los demás cares eran conductores especialistas.

      Hay una sensación real de muerte a lo largo de la película. Los peregrinos también optaron por un estado de ánimo similar.

      Con Pilgrims quería explorar el espacio físico,como la geografía del trauma, este tipo de lugares donde sabes que sucedió algo malo. No hay indicios, pero emocionalmente la gente se siente muy pesada. Pilgrims surgió de un cortometraje que hice sobre este espantoso asesinato, y fuimos a la ubicación real. Era como un camino en un bosque, muy simple. Pero sabes lo que pasó allí, así que se convierte en este tipo de espacio radiactivo. De alguna manera entró en cómo los lugares donde vivimos tienen capas de esta historia.

      Así que quería explorar eso de nuevo, pero ahogarse en seco es menos físico y más sobre el tiempo, ya sabes, cómo exploramos nuestros eventos traumáticos a través de la repetición. Cómo hay hechos emocionales y hechos reales y a veces se mezclan. Quería explorar eso porque con esta película quería tener algo de esperanza.

      

      Eso es algo que realmente aprecio de la película: nunca se siente demasiado agobiada. Hay esperanza, algunas notas de gracia, incluso algo de humor.

      Especialmente para los lituanos, hay algunas bromas internas. Especialmente cuando están viendo baloncesto en la computadora portátil, es muy divertido para los lituanos porque puedes escuchar al entrenador y él está siendo muy explícito like como "joder esto, joder aquello."Es una escena lituana muy típica. De hecho, algunos críticos lituanos dijeron que, durante los primeros 40 minutos, es una buena comedia familiar.

      E incluso después de la muerte, las hermanas pueden encontrar cosas de las que reírse. Hay un momento con la persona que ha sido salvada por uno de los órganos.

      Esa fue la escena en la que seguía pensando: "¿Debería hacer esto o no?”

      Es bastante impactante, pero realmente funciona.

      Era una escena que no había visto antes y quería hacer eso. Una mezcla entre muy triste y muy incómoda y muy jodida.

      Mencionaste la idea de que los lugares sean radiactivos. Definitivamente tienes una idea de eso, casi literalmente, al final aquí, con ellos volviendo a visitar la casa de vacaciones y toda la comida que todavía está allí.

      Quería tener algo en la película que no puedas controlar. Así que decidimos dejarlo allí durante un mes y medio y volver a ver qué pasaba. El departamento de arte hizo una jaula para que los pájaros salvajes no se la comieran, pero por lo demás la dejamos. No sabíamos qué pasaría, pero quería este objeto real del tiempo en la película. Puedes hacer moldes como accesorio, por supuesto, pero quería algo que no pudiera falsificar o diseñar porque la película está muy estructurada y orientada conceptualmente.

      ¿Había algún cineasta al que buscaras inspiración?

      Esta película está muy conectada con Nicolas Roeg. Por supuesto, esto no es tan intenso, pero siempre me encantó la forma en que la edición [en Don't Look Now] saltó a través del tiempo. Hong Sangsoo también es un cineasta al que salté hace varios años. Pero van y vienen, sigues mirando y a veces experimentas algo. Está este cineasta argentino, Eduardo Williams; hizo Human Surge. Lo admiro mucho. La parte 3 fue en Locarno el año anterior. Esta es una experiencia que aún puedes tener en un festival de cine, donde simplemente te expones por completo, ¿sabes?

      Eso es correcto. Es increíble cuando te recuerdan que hay cosas que aún no has visto.

      Sí, porque el cine tiende a normalizarse, incluso las cosas del circuito de festivales. Entonces, cuando obtienes este tipo de películas, es muy inspirador.

      Drowning Dry se presenta en New Directors / New Films los días 3 y 6 de abril y será lanzado por Dekanalog.