Crítica de Cannes: Con Nouvelle Vague, Richard Linklater Ofrece una Clase Magistral de Cine

      Filmada en película en blanco y negro con el mismo modelo Cameflex utilizado por Jean-Luc Godard para Breathless, la película que retrata y encarna la realización de la Nouvelle Vague, no es simplemente una imitación de Godard. Es un robo de Godard por una creación propia, lo cual es algo extraño de decir sobre una película que se parece y se siente tanto a la que la inspiró. Lo más nuevo de Richard Linklater, a pesar de no sugerir ninguna forma de su trabajo anterior, suena muy parecido a Linklater.

      La oda tanto a su mentor como a su propio estilo flojo es una fusión 50/50 del maestro de la Nueva Ola francesa y su homólogo estadounidense, dos directores inextricablemente vinculados a través de la filosofía cinematográfica, el último de los cuales inició y guió fuertemente la carrera del primero (y todavía lo hace 40 años después). Aquí, Linklater emplea el estilo y la técnica de la Nueva Ola francesa para invocar a Breathless (piense: mismas ubicaciones, ediciones de salto, trabajo de cámara suelto, etc.) mientras nos sumerge en la experiencia única de pasar el rato con Godard para mostrar de qué se trataba el hombre que incendió el cine en todo el mundo indefinidamente. 

      La historia de Godard haciendo su primera película comienza con un artista ansioso y confiado que prácticamente muere por dirigir. En este punto (1959) Godard (según él) es el único de la oficina de Cahiers du Cinéma, donde él y el elenco cómicamente grande de íconos de la Nueva Ola francesa de la película (por ejemplo, Truffaut, Chabrol, Varda, Demy, Rivette, Rohmer, Resnais) alguna vez formaron parte del influyente periódico cinematográfico convertido en director mill, que aún no ha hecho un largometraje. Algunos cortos, otros trabajan en proyectos de otros, claro. Pero sabe que necesita espacio para largometrajes para extender sus alas y demostrar lo que su enfoque radical puede ofrecer.

      Dicho enfoque es el foco de casi toda la película, casi más que el propio Godard. Y con razón: este estilo informal, espontáneo y guerrillero golpeó a la industria cinematográfica como una tonelada de ladrillos. Linklater muestra cómo Godard fue una amalgama de sus influencias, pero sabemos que Godard se convertirá en un nombre familiar más global que todos ellos, que su estilo estará tan arraigado en el cine independiente que la gente ni siquiera sabrá que están trabajando de una manera Godardiana. 

      Wong Kar-wai, Apichatpong Weerasethakul y Terrence Malick son los principales entre los grandes que han encontrado su propia forma única a través de las filosofías cinematográficas de Godard-ian, como lo haría todo el mundo si siguieran su camino. Godard alienta a los cineastas a encontrar su película (y su voz de director) en el proceso de hacerla, a dejar que se les revele orgánicamente de una manera que signifique correr un mayor riesgo, algo que los financieros odian. Quiere adentrarse en el día a día sin saber exactamente qué filmarán, pero sabiendo qué sucederá en la historia para que puedan hacer un trabajo en el momento de buscar inspiración para capturarla, qué decir, cómo bloquear la escena, etc. Como el autor en ciernes le dice a su equipo infiel: "Continuemos nuestra búsqueda de lo instantáneo e inesperado como solo nosotros podemos.”

      En cuanto a la teoría, Godard era Rossellini o Renoir de Linklater. Que esto no podría significar nada para la mayoría de la gente trae mi siguiente punto: el homenaje de Linklater a la Nueva Ola Francesa es el sueño de un cinéfilo. Presenciamos momentos canónicos de la historia del cine como Godard en el estreno de Los 400 golpes en Cannes, tambaleándose después por la punzada que siente al comenzar su propia carrera como director. Lo vemos convencer al productor y financiero Georges de Beauregard de que asuma el riesgo de su forma sin guión. Escuchamos a escondidas el consejo de Rossellini a Godard justo antes del rodaje: "Irrespetar las formas tradicionales del cine. Use notas en lugar de un guión. Dispara rápido. Y siempre interrumpa cuando llegue la inspiración."Luego nos movemos día a día a través de los 23 días de rodaje hasta que terminamos, llegamos al piso de la sala de montaje para la edición y terminamos en la sala de proyección donde comenzamos ("¡A todos les encanta un sujetalibros!”).  

      El primer día, la primera toma, obtienen una toma en cuestión de minutos, y Godard (interpretado maravillosamente por Guillaume Marbeck) la llama. Seguir adelante. "¿Quieres ver el marco?"pregunta el operador de cámara Raoul Coutard . "No."Cuando la supervisora del guión intenta cambiar la decoración del set por continuidad, Godard le dice que pare. "La realidad no es continuidad", insiste. No están de acuerdo ni entienden, pero obligan. Dos horas y un par de tomas después, siente que la inspiración se ha ido. Se le acabaron las ideas y terminó el día, para gran frustración de su productor. Cuando se le presiona, Godard no se inmuta, siempre cargado con una bala de teoría cinematográfica para disparar directamente a la sien de quienes dudan de él, prueba de su afirmación de que realmente nunca se toma un día libre.

      

      En lugar de dar a los actores líneas para memorizar ("matará la sinceridad" de sus actuaciones), les dice qué ritmos importantes deberían tener lugar y les pide que sigan siendo lo suficientemente metódicos como para pensar críticamente sobre sus escenas y descubrir qué diría su personaje.. No les gusta, especialmente Jean Seberg (Zoey Deutch) , pero ninguno de ellos puede negar la diversión que comienzan a tener una vez que se acostumbran the la alegría y la libertad en el trabajo que Godard siempre tuvo la intención de encontrar al hacer películas de esta manera.. Sin mencionar una creatividad y química florecientes en el set, del tipo contagioso que no puedes evitar sentir mientras miras. El elenco y el equipo pronto se enamoran del material y el uno del otro, burlándose despiadadamente durante días de rodaje ridículamente cortos como si hubieran sido hermanos todo el tiempo.

      Sin embargo, la Nouvelle Vague es una fiesta tan cinéfila que podría resultar alienante para los menos interesados. Como película antipopulista sobre uno de los antipopulistas más populares, no debería ser demasiado fácil de tragar. Donde Before Sunrise representa un Linklater accesible que recorre un París romántico, Nouvelle Vague presenta un París despojado de color, sentimentalismo o romance; un Linklater más desafiante, lleno de la oportunidad de ganarse el cinismo antisistema y el arte socialista frío, duro y genial. Y aunque ese nunca ha sido el mantra del frío Austin -te en la superficie, siempre ha sido fundamental para su trabajo. 

      Érase una vez, Linklater era la nueva llegada de Godard para un momento y lugar diferentes: Austin, Texas, a principios de los 90, una ciudad de la que la Nueva Ola Francesa, con su vasta influencia global, no podría haber aterrizado más lejos. Como Godard, Linklater fue prolífico, original, político, guerrillero, siempre cambiante, un verdadero artista y elevador del oficio. Al igual que el arte de Willie Nelson convocó a la mezcla indescriptible de vaquero conservador y hippie del poder de las flores que forjó la cultura de Austin desde los años 50 hasta los 70, Linklater fue la extraña mezcla estadounidense de tejano holgazán y autor Godard-ian astuto que sacudió la industria cinematográfica al introducir una nueva ola de cine independiente que se apoderó de la cultura pop. La película hangout, como solo Linklater podría hacerla, también es algo que simplemente no podría haber existido sin Godard. 

      Hay una ironía cómica en la persistente falta de fe del elenco y el equipo en Godard y en esta película ridículamente popular que les da vergüenza hacer, combinada con el hecho de que todos los que la ven hoy saben que esta será una de las películas más famosas jamás hechas. Esa es una de las cosas más significativas que ofrece la Nouvelle Vague: una comprensión del qué, cómo y por qué de este enfoque revolucionario y, lo que es igual de importante, cómo lo pensó la gente en ese momento. El enfoque realista de lugar de reunión adoptado por Linklater puede ser aburrido a veces, pero desglosa de manera experta la filosofía de Godard a través de diálogos largos y Despiertos que desmitifican la expectativa de rodajes legendarios, muchos de los cuales obtuvieron su estatus subvirtiendo producciones innecesariamente grandiosas e ingeniosamente sobre preparadas. 

      Dichas producciones pueden parecer tan decepcionantes y abstractas como una pieza de arte moderno que uno podría encontrar ingenua en su simplicidad. Pero en realidad, está lleno de pensamientos. En realidad, Godard es una de las únicas personas que podría hacerte, como Linklater, considerar hacer una película por primera vez. Porque Godard nos muestra cómo podemos hacerlo. Nouvelle Vague, como la enseñanza de Godard, es una clase magistral sobre cómo abordar logística y psicológicamente una carrera cinematográfica con inclinaciones artísticas. En el peor de los casos, es una predicación y, me temo, se sentirá "viejo" para el público más joven. En el mejor de los casos, la Nouvelle Vague es el tipo de película que anima a las personas a hacer películas por sí mismas y, más aún, a adoptar el cine como una forma de vida. Como dice Chris Marker y esta obra lo describe tan maravillosamente: "El cine no es magia; es una técnica y una ciencia, una técnica nacida de la ciencia y puesta al servicio de una voluntad: la voluntad de los trabajadores de liberarse.” 

      Nouvelle Vague se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2025.