Karlovy Vary 2025: Canciones de protesta, políticas sexuales y placeres rohemianos ambientados en Lisboa

      Como alguien que siempre admiró la fachada de la embajada checa en Berlín, un conjunto de trapecios de color nicotina que se encuentra en la esquina de Wilhelm Strasse, me alegró descubrir que el Spa Hotel Thermal en Karlovy Vary fue diseñado por el mismo dúo de arquitectos. Al salir de la estación de tren hacia la ciudad, siempre es lo primero que ves: una sólida losa de concreto brutalista que se eleva sobre el skyline de colores pastel de la ciudad, uno de los cuales, el Grand Hotel Pupp, fue lo suficientemente grandioso como para inspirar al Grand Budapest Hotel de Wes Anderson.

      El Thermal fue construido a finales de los años 60 y 70 por Věra y Vladimír Machonin como un teatro con varias pantallas y punto de encuentro central del Festival de Cine de Karlovy Vary, que en aquel entonces se celebraba bianualmente, alternándose con Moscú como el lugar del cine socialista. Todo cambió tras la Revolución de Terciopelo y, en 1994, con la llegada de Jiri Bartoška, un querido director de festival que presidió el evento ahora anual hasta su fallecimiento el año pasado. Desde que lo vi por primera vez en 2018, he amado el Thermal: su inclinación perfecta de los asientos en el Velký sál (quizás mi cine favorito en el mundo), su vaga semejanza a una cámara de cine vista desde arriba y la forma encantadora (al estilo de la Salle Grande en Venecia) en que el festival adorna el borde inferior con banderas nacionales de las películas seleccionadas.

      El teatro Velký sál en El Thermal

      Este año, esta costumbre resultó en una vista poco común: las estrellas y las barras (para varias películas) compartiendo espacio con la bandera de Irak (para La tarta del presidente, de Hasan Hadi, una maravillosa irrupción en Cannes), como familiares enfrentados en una boda dejados a los caprichos de una disposición de asientos aleatoria. Dada la desalentadora postura de la República Checa en apoyo a Israel en los últimos años, votando en contra de varias resoluciones de la ONU y oponiéndose a los esfuerzos de la UE por etiquetar productos israelíes provenientes de asentamientos ilegales en Cisjordania y los Altos del Golan, no fue sorprendente no encontrar ni la bandera de Israel ni la de Palestina, a pesar de que ambas naciones figuran prominentemente en el programa. (La de Palestina estuvo representada por Partition, All That’s Left of You y el devastador Put Your Soul on Your Hand and Walk; la de Israel por A Letter to David y Yes, de Nadav Lapid, que se estrenaron en Berlinale y Cannes, respectivamente).

      Ante todo esto, no fue de extrañar que la mayoría de los competidores por la Globos de Cristal de este año tendieran hacia temas sociales y personales. Los eventos concluyeron el pasado sábado en el Velký, donde Mejoren a lo loco en la naturaleza, de Miro Remo, fue galardonada con el premio principal, convirtiéndose en solo la tercera película checa en ganar en este siglo. En los años que llevo viniendo aquí, aún no he visto un título que supere a I Don’t Care If We Go Down in History as Barbarians, de Radu Jude, que ganó en 2018. No puedo decir que Wild supere esta tendencia, pero el retrato documental expresionista y cinematográfico de Remo, que muestra a unos agricultores gemelos en el campo checo, seguramente tendrá la fuerza necesaria para hacer ruido en el circuito de festivales de documentales en los próximos meses.

      Mejoren a lo loco en la naturaleza

      Los protagonistas son Franta y Ondra; aunque probablemente sea más preciso llamarlos colaboradores, dada la frecuencia con la que aparecen ante la cámara. A veces se les ve cuidando la granja, pero la mayor parte del filme la pasan recitando poesía, ayudando al director a crear cuadros visuales y sacándole la lengua el uno al otro cuando surge la oportunidad. Narrada por una vaca parlante y con una banda sonora de orquestaciones enérgicas (incluido un uso muy efectivo de Smetana) a cargo de Adam Mate, Wild genera una energía inusual. Divertido, surrealista, jamás condescendiente, pasa en lo que parece menos que sus 83 minutos de duración, siempre un placer.

      Las excepciones a esta regla fueron Divia, un evocador documental de Dmytro Hreshko sobre la respuesta del mundo natural a la guerra de Rusia en Ucrania, y Bidad, de Soheil Beiraghi, sobre una joven en Teherán que se vuelve viral por cantar en la calle, acto prohibido por la ley sharia. Añadido tarde al programa, y menos de dos semanas después de que bombas israelíes comenzaran a caer en su país, Bidad (que finalmente ganó el premio del Jurado Especial) fue comprensible que estuviera un poco por debajo del nivel medio de otros títulos en competencia. Sin embargo, cuenta con una actuación eléctrica de Amir Jadidi (Un héroe), que arrebata a la protagonista Seti (Sarvin Zabetian) una noche tras una redada policial. Me hizo desear una película centrada únicamente en ellos, donde los reparos políticos surgieran en una conversación en lugar de un enfoque a veces brusco.

      Una película con una melodía más convincente fue Broken Voices, de Ondrej Provaznik. Ambientada en Checoslovaquia en los años 90 y basada de manera suelta en el escándalo Bambini di Praga, narra la historia de un director de coro que embellece a partir del punto de vista de sus alumnos. Menos una exposición de crimen real que un relato convincente de madurez, sugiere una transición de la subordinación a la independencia que parece reflejar lo que ocurría en el país en ese momento. La música nunca deja de ser evocadora, pero las actuaciones realmente lo elevan, especialmente Kateřina Falbrová, que destaca entre un elenco de jóvenes actores que Provaznik logra coordinar en lugares asombrosos: un hotel spa de otro mundo en lo alto de las montañas, una iglesia fría de concreto y un epílogo que rompe con la escena en un sitio que quizás no deberíamos revelar. Broken Voices siguió sorprendiendo incluso con su arco central familiar.

      Un romance de diferencia de edad ligeramente más apropiada aparece en Don’t Call Me Mama, de Nina Knag, que explora lugares similares a Dreams, de Michel Franco, en su historia de un joven inmigrante que inicia una relación con una mujer mayor que, incómodamente, también resulta ser su fuente de ingresos. No estamos en el ballet de Los Ángeles, como en la obra de Franco, sino en una escuela secundaria en Noruega, donde Eva, la esposa del alcalde del pueblo (un tramposo), conoce a Amir, uno de los muchos recientes llegados de Siria a quienes los locales están ayudando a integrar.

      Esta dinámica de poder inherentemente incómoda, que Franco luchó por resolver en su acto final antes de lanzar un acorde final estremecedor, queda un poco poco explorada. Pero a diferencia de Dreams, Knag nos permite presenciar los primeros flechazos de su unión, haciendo que la implosión inevitable impacte con fuerza. Pia Tjelta, que fue justamente galardonada por su actuación, y Tarek Zayat, ambos son excelentes, y su química provocadora hace que Don’t Call Me Mama valga la pena.

      Otra es Out of Love, una película sobre sororidad, maternidad y las ansiedades de entrar en la mediana edad, dirigida por Nathan Ambrosioni, un joven de 25 años––un detalle que, supongo, influyó en que le concedieran el premio al Mejor Director del festival, aunque el título lo merecía por sí solo. Es un trabajo de calidad, hábilmente dirigido y bien actuado, con un segundo acto maravilloso, aunque quizás con algunas escenas de demasiados finales.

      El Visitante

      Entre las selecciones más poéticas estuvo The Visitor, de Vytautas Katkus, que trabaja los cimientos de una narrativa clásica (el emigrante que regresa a casa tras la muerte de un padre) en una sopa reflexiva, melancólica y reconfortante. Las vibraciones de The Visitor serán familiares para los seguidores de Here, de Bas Devos, aunque Katkus (un reconocido director de fotografía de Lituania) aún no está al nivel del belga. Sus imágenes, como cabría esperar del director de fotografía de Toxic, de Saule Bliuvaitė, son constantemente bellas (todo tomas en cámara lenta y colores deslavados), aunque quizás Katkus es culpable de prestarles demasiada atención mientras presta poca a los personajes que las habitan. Pero habrá tiempo para ello en futuros proyectos, y sea cual sea el caso, hay definitivamente algo despertando en las escuelas de cine de Vilnius. Seguimos con mucho interés esa tendencia.

      Otra ciudad que continúa viviendo en muchas imaginación es la Lisboa de The Luminous Life, de João Rosas, una película que encantará a cualquiera que aprecie los ritmos pausados de una caminata y diálogo al estilo de Rohmer. La carrera de Rosas hasta ahora se compone de tres cortos. Todos centrados en el mismo personaje, Nicolau, interpretado en cada uno por el mismo actor, Francisco Melo. Como esto empezó cuando Melo tenía solo 10 años, podemos presumir que no es casualidad que Rosas permita que la cámara se quede un momento en una imagen del periódico de Antoine Doinel. Luminous es el debut en largometraje de Rosa, y muestra a Nicolau con 24 años. Es tan calmante como suena, una obra llena de añoranza y melancolía, con el irresistible encanto del joven rom(ólico). Solo advertir: este es también el tipo de mundo donde los personajes pasean citando a Sartre y donde incluso los ejecutivos de marketing más fríos buscan decir cosas profundas. Y sin embargo, Karlovy Vary siempre ha prosperado con ese tipo de idealismo artístico. Me imagino que a Bartoška le hubiera gustado.