Karlovy Vary 2025: Canzoni di protesta, politica sessuale e delizie rohmiane ambientate a Lisbona

      Come qualcuno che ha sempre ammirato l’aspetto dell’ambasciata ceca a Berlino—una serie di trapezioidi color nicotina che si trova all’angolo di Wilhelm Strasse—sono stato felice di scoprire che anche l’Hotel Spa Thermal di Karlovy Vary è stato progettato dalla stessa squadra di architetti. Camminando in città dalla stazione ferroviaria, è sempre la prima cosa che si vede: un solido blocco di cemento brutalista che si erge sopra lo skyline pastello della città—tra cui, il Grand Hotel Pupp, abbastanza grandioso da ispirare il Grand Budapest Hotel di Wes Anderson.

      Il Thermal fu costruito alla fine degli anni ’60 e ’70 da Věra e Vladimír Machonin come teatro multisala e punto di incontro centrale del Festival del Cinema di Karlovy Vary, che all’epoca si svolgeva biennalmente, alternando con Mosca come sede del cinema socialista. Tutto cambiò dopo la Rivoluzione di Velluto e, nel 1994, con l’arrivo di Jiri Bartoška, amato direttore del festival che presiedette l’evento ormai annuale fino alla sua scomparsa lo scorso anno. Ho amato il Thermal sin dal primo momento in cui l’ho visto, nel 2018: la sua inclinazione perfetta delle sedie nel Velký sál (forse il mio cinema preferito al mondo), il suo vaghissimo somigliare a una cinepresa vista dall’alto, e il modo ancora affascinante (alla Salle Grande di Venezia) in cui il festival addobba il bordo inferiore con bandiere nazionali dei film selezionati.

      Il teatro Velký sál del Thermal

      Quest’anno, questa usanza ha portato alla rara vista delle stelle e delle strisce (per numerosi film), che si affiancano alla bandiera dell’Iraq (per The President’s Cake di Hasan Hadi, una meravigliosa uscita da Cannes), come parenti litigiosi a un matrimonio lasciati alle decisioni di un’assegnazione casuale di posti. Data l’appoggio scoraggiante della Repubblica Ceca a Israele negli ultimi anni—votando contro varie risoluzioni ONU e opponendosi agli sforzi dell’UE di etichettare i prodotti israeliani provenienti dagli insediamenti illegali in Cisgiordania e Golan—non sorprende trovare assenti sia la bandiera israeliana che quella dei vicini palestinesi, sebbene entrambi i paesi siano molto presenti nel programma. (Il primo rappresentato da Partition, All That’s Left of You, e dall devastante Put Your Soul on Your Hand and Walk; il secondo da A Letter to David e Yes di Nadav Lapid, rispettivamente in anteprima a Berlinale e a Cannes di quest’anno.)

      Data tutta questa vicenda, non sorprende che la maggior parte dei concorrenti per la Globe di cristallo di quest’anno siano orientati verso tematiche sociali e personali. Gli eventi si sono chiusi sabato scorso nel Velký, dove Better Go Mad in the Wild di Miro Remo ha vinto il premio principale, diventando così il terzo regista ceco di questo secolo a riceverlo. Nei tanti anni in cui vado qui, non ho mai visto un premio andare a un titolo migliore di I Do Not Care If We Go Down in History as Barbarians di Radu Jude, vincitore nel 2018. Non posso dire che Wild smentisca questa tendenza, ma il ritratto documentaristico espressionista e cinematografico di Remo dei contadini gemelli che vivono in campagna ceca ha sicuramente il giusto appeal per fare scalpore nel circuito dei festival documentaristici nei prossimi mesi.

      Better Go Mad in the Wild

      I soggetti sono Franta e Ondra—anche se forse sarebbe più corretto chiamarli collaboratori, data la frequenza con cui si rivolgono alla telecamera. Si vedono occasionalmente accudire la fattoria, ma la maggior parte del film la dedicano a recitare poesie, aiutare il regista a creare tableaux visivi, e a prendersi in giro a vicenda quando ne hanno l’opportunità. Narrato da una mucca parlante e accompagnato da intense esplosioni orchestrali (molto efficaci l’uso di Smetana inclusa) di Adam Mate, Wild produce una energia insolita. Divertente, surreale, mai condiscendente, scivola via in meno di 83 minuti—sempre un piacere inatteso.

      Le eccezioni alla regola sopra menzionata sono state Divia, il documentario evocativo di Dmytro Hreshko sulla risposta del mondo naturale alla guerra della Russia in Ucraina, e Bidad di Soheil Beiraghi, un film su una giovane donna di Teheran che diventa virale cantando per strada—un atto vietato dalla legge Shariah. Inserito tardi nel programma—e meno di due settimane dopo che i bombardamenti israeliani sono ricominciati sul suo paese—Bidad (che alla fine ha vinto il Premio della Giuria Speciale) è stato, comprensibilmente, un po’ sotto la media delle altre opere in concorso. Tuttavia, vanta un’interpretazione energica di Amir Jadidi (A Hero), che rapisce la protagonista Seti (Sarvin Zabetian una notte dopo una retata della polizia. Mi ha fatto desiderare un film incentrato solo su di loro, dove gli squilibri politici potessero emergere attraverso il dialogo invece di un approccio a volte banale.

      Un film con una melodia più convincente è Broken Voices di Ondrej Provaznik. Ambientato in Cecoslovacchia negli anni ’90 e tratto liberamente dallo scandalo dei Bambini di Praga, narra la storia di un direttore di coro in fase di grooming, visto dagli occhi dei suoi allievi. Meno un’esposizione di vero-crimine che una narrazione coinvolgente di formazione, suggerisce un passaggio dalla sottomissione all’indipendenza, che sembra rispecchiare ciò che stava accadendo nel paese in quel periodo. La musica è sempre evocativa, ma sono le interpretazioni a renderlo speciale. Non meno importante Kateřina Falbrová, che si distingue tra un cast di giovani attori che Provaznik riesce ad orchestrare in location sorprendenti: un hotel termale ultraterreno in cima alle montagne, una chiesa ventosa di cemento freddo, e una conclusione meravigliosamente disturbante ambientata in un luogo che forse non dovremmo rivelare. Broken Voices ha continuato a sorprendermi, anche con il suo arco narrativo familiare.

      Una romantica con un leggero dislivello anagrafico si trova in Don’t Call Me Mama di Nina Knag, un’opera che tocca alcune tematiche simili a Dreams di Michel Franco (presentato a Berlinale, anch’esso in questa selezione, e caratterizzato dal suo iconico ciuffo di capelli in vari incontri festivalieri) nel racconto di un giovane immigrato che inizia un’amicizia con una donna più anziana, che sfortunatamente risulta anche essere il suo sostegno economico. Non si svolge nel mondo del balletto di Los Angeles di Franco, ma in una scuola superiore norvegese dove Eva, moglie del sindaco (infedele), incontra Amir, uno dei tanti recenti arrivati dalla Siria che gli abitanti del luogo stanno aiutando a integrarsi.

      Questa dinamica di potere intrinsecamente turbante—che Franco ha faticato a risolvere nel suo atto finale prima di consegnare un accordo finale sconvolgente—è ancora poco esplorata. Ma, a differenza di Dreams, Knag ci permette di assistere alle prime crisi della loro relazione, facendo sì che il crollo inevitabile colpisca più duramente. Pia Tjelta (giustamente premiata per la sua interpretazione) e Tarek Zayat sono entrambi eccellenti, e il loro chemismo provocatorio rende Don’t Call Me Mama un film che vale il suo tempo.

      Un’altra opera interessante è Out of Love, un film sulla sorellanza, la maternità e le ansie dell’entrata nella mezza età, diretto da Nathan Ambrosioni, un ragazzo di 25 anni—una curiosità che suppongo abbia contribuito al premio come Miglior Regista del festival, anche se il titolo da solo avrebbe meritato comunque. È un lavoro di qualità, abilmente diretto e ben recitato, con un secondo atto meraviglioso, sebbene forse afflitto da un eccesso di finali.

      Il Visitante

      Tra le selezioni più poetiche spiccava The Visitor di Vytautus Katkus, che rielabora le ossa di una narrazione molto nota (l’emigrato che torna a casa dopo la morte di un genitore) in una zuppa riflessiva, malinconica e rasserenante. Le vibrazioni di The Visitor saranno familiari ai fan di Here di Bas Devos—pur se Katkus (un rinomato direttore della fotografia dalla Lituania) non è ancora al livello del belga. Le sue immagini, come ci si aspetterebbe dal DP di Toxic di Saule Bliuvaitė, sono costantemente belle (tutte riprese lente e colori sfumati), anche se forse Katkus paga un po’ troppo attenzione a queste e dà meno spazio ai personaggi che le popolano. Tuttavia, ci sarà tempo per approfondire anche questa dimensione nei progetti futuri, e di certo qualcosa si sta muovendo nelle scuole di cinema di Vilnius. Continuiamo a seguire con grande interesse quel cammino.

      Un’altra città che continua a vivere nella fantasia è Lisbona, di João Rosas, con il suo The Luminous Life, un film che piacerà a chi apprezza i ritmi languidi di un cammino e conversazione à la Rohmer. La carriera di Rosas finora si compone di tre cortometraggi, tutti incentrati sullo stesso personaggio, Nicolau, interpretato dalla stessa attrice in ogni occasione, Francisco Melo. Poiché tutto è iniziato quando Melo aveva appena 10 anni, possiamo presumere che non sia stato un caso che Rosas lasciasse la telecamera indugiare per un momento su un’immagine di Antoine Doinel tratta da un giornale. Luminous è il debutto in lungometraggio di Rosa, e mostra Nicolau alla tenera età di 24 anni. È tonico come suona, un’opera piena di desiderio e malinconia, e dall’irresistibile fascino di un giovane ro(h)mance. Ma bisogna stare attenti: questo è anche il mondo in cui i personaggi conversano citando Sartre e persino gli scarsi pubblicitari più spregiudicati cercano di dire qualcosa di profondo. Eppure, Karlovy Vary ha sempre prosperato di quel tipo di idealismo artistico. Immagino che Bartoška l'avesse apprezzato.