“No puedes recrear una realidad”: Sophy Romvari sobre Blue Heron

      Divulgación completa: Blue Heron da pasos tan grandes para demostrar que es una de las mejores películas de 2026 (más la de 2025, si queremos ser estrictos con las fechas de estreno) que una década de amistad con la guionista y directora Sophy Romvari no requiere divulgación. Saber que la directora canadiense probablemente no es única para aquellos que la encuentran en una larga gira de prensa que comenzó con un debut galardonado en Locarno. Pero mientras cualquiera puede estar activo en las redes sociales o asistir a un evento de la industria, Romvari ha estado mucho tiempo por encima de la contienda de jóvenes cineastas visibles por pura fuerza de talento. Es doblemente impresionante que haya establecido tal reputación y respeto a través de cortometrajes, que—con todo el respeto a quienes mantienen viva esa forma única—difícilmente es el dominio de un interés o admiración consistentes (o retrospectivas completas de Criterion Channel a menos de 10 años en la carrera de uno).

      Blue Heron, si acaso, viene cargada de una esperanza complicada: Romvari ahora entra en la realización de largometrajes, un dominio cuya mayor capacidad para el fracaso y el rechazo no necesito explicarte. Quizás sea la perspectiva de un admirador de mucho tiempo la que me deja aún más deslumbrado por esta película, que uno podría tomar como una especie de expansión de Still Processing de 2020 que—sin embargo, he aquí—marca una expedición a fondo en el cine narrativo fotografiado, interpretado, editado y mezclado de sonido a grados para los cuales no estaba preparado. (Esto no comienza a transmitir un naufragio emocional que oscila entre el sufrimiento que cualquiera puede entender y los detalles profundos y terribles.) Aquellos que nunca han oído hablar de Romvari imaginarán que ha llegado una cineasta importante; aquellos que han sospechado su maestría durante años ahora tienen confirmación.

      Romvari y yo nos sentamos en la oficina de Criterion para una conversación que temo que solo se acerca al logro de Blue Heron.

      The Film Stage: Harás tu video de armario más tarde.

      Sophy Romvari: Momentáneamente.

      ¿Cómo te sientes al respecto?

      Estoy emocionada, pero también un poco nerviosa porque hay tantas maneras en que podría ir. Estoy tratando de no pensar demasiado en ello. No quiero estar preparada.

      ¿Así que no has tenido películas en tu cabeza para las que vas a tener comentarios listos?

      Miré la colección solo para saber qué hay allí. Porque había algunas películas que pensé que estarían y luego no estaban, así que fue útil para mí. No estaba pensando en licencias, así que pensé: "Oh, voy a agarrar un Minelli." Pero no tienen esas películas de MGM—probablemente por problemas de licencia, supongo. Así que ahora no voy a estar allí como, "Oh, ¿no tienes eso?" [Ríe]

      Pueden editar eso. De todos modos, vi la película aquí la semana pasada, lo cual fue agradable. Creo que tal vez tuve una oportunidad o dos para pedir un enlace de screener, pero estaba un poco insistente en un entorno teatral. En parte porque creo que he visto literalmente todas tus películas en una laptop.

      Y eso tiene sentido.

      ¿No estaban diciendo durante un tiempo que tu género de película era "mujeres solas en su laptop"? Admiré tus películas como un hombre solo en mi laptop viendo a una mujer sola en su laptop, pero simplemente podía sentir que esto era—si no te importa que lo diga, porque no quiero denigrar nada—un paso adelante.

      Claro. Absolutamente.

      No podía decir si era una especie de broma que la primera línea de diálogo es sobre la memoria mientras aparece el logo de la compañía Memory. Incluso cuando la palabra desaparece, su huella sigue grabada en la pantalla. Supongo que fue escrito inicialmente sin una compañía de producción adjunta, pero...?

      Correcto. Sí, no, fue solo una de esas hermosas coincidencias, y me encanta el nombre de su compañía, Memory—es fortuito para los temas de la película. Y así es como funciona su logo: tiene este efecto de quemado y luego simplemente se desvanece. Así que luché para que ese logo fuera el último en el lanzamiento del EP para que estuviera sincronizado con ella hablando sobre la memoria. Así que captaste todas las piezas. [Ríe]

      Sophy Romvari en el Festival de Cine de Locarno 2025

      Siento que has oído suficiente sobre esto, pero las locaciones son realmente impresionantes. Justo días antes de ver Blue Heron, volví a ver Ozu’s Late Autumn, así que estaba conectando las tomas exteriores con Ozu—cómo las usa para reiniciar, limpiar el paladar mientras también elabora más sobre el espacio mental de los personajes. Parecen estar intercediendo de esta manera única.

      Sí, la geografía de Vancouver—y específicamente Vancouver Island, donde se tomaron todas las tomas exteriores—era muy importante para mí de representar, porque siento que es una geografía única y es algo que creo que no había tenido por alguna razón. Por cualquier razón, no creo haberlo visto en una película—al menos no como tal. Vancouver Island—la combinación de montaña, océano, bosque, todo estando a un tiro de piedra—es muy singularmente hermosa. Y también, mis padres siendo inmigrantes de Hungría, crecieron en un país esencialmente sin acceso al mar. Está el Danubio, pero realmente se sentían atraídos por el océano. Y creo que la película que tiene lugar en una isla y también el océano mismo—la vastedad de este en contraste con lo que está sucediendo emocionalmente—simplemente augura bien para la metáfora de lo que los personajes están lidiando.

      Así que no se trata solo de mostrar imágenes bonitas; también se trata de intentar yuxtaponer eso con la disfunción y el tumulto internos. Y también resulta ser un placer filmar en esas locaciones. [Ríe] Pero Vancouver Island, porque no está invadida por cineastas independientes tratando de hacer películas, fueron muy felices anfitriones de tenernos allí, y las playas tampoco están llenas de gente. Era importante para mí que no hubiera extras en la película, porque quería que se sintiera solidificada en esta forma de memoria, y generalmente no piensas que tienes extras en tus recuerdos [Ríe]. Así que quería que se sintiera que cuando salían, eran la única familia allí, y en realidad era mucho más fácil hacer eso en Vancouver Island que en cualquier otra locación.

      Y la estructura de estas tomas, en términos de cuándo y cómo se decidió que iban a estar intercaladas con la acción—¿fue desde las primeras etapas? ¿Fue en la edición? ¿Dónde se decidió eso?

      Así que la película está muy guionizada en términos de la cronología. Obviamente, la bifurcación es bastante distinta y eso se determinó en el guion. Hubo algunas partes móviles en la primera mitad porque son todos viñetas y es todo bastante elíptico, donde nos dimos cuenta en la edición, "Quizás esta secuencia podría ir aquí." Pero en términos de secuencias, la mayoría de las escenas son como máximo, tres tomas, creo. Es bastante eficiente porque estábamos usando este lente de zoom largo y estábamos haciendo muchas tomas maestras muy eficientes. Hizo que no hubiera tantas opciones, para ser honesta. Quería intencionalmente que se sintiera muy sucinta, porque también estás lidiando con una repetición de acción.

      Generalmente hay un aumento de tensión y luego esa tensión no se resuelve, pero se libera, y luego nuevamente un aumento de tensión, luego se libera. Y creo que esa repetición era necesaria para mostrar una especie de monotonía que al menos los niños están experimentando dentro del hogar. Así que todo eso estaba estructurado en las tomas maestras siendo la fuerza guía hacia cómo la narrativa avanzaba. Y luego tienes, de vez en cuando, una toma de inserción, pero en su mayoría no hay mucha cobertura. Generalmente es bastante centrada en la toma maestra.

      Para la aclimatación, encontré muy ingenioso cómo un cierto lenguaje y diálogo psiquiátrico establecen el personaje de Jeremy. ¿Cómo lo estabas escribiendo? ¿Lo estás escribiendo de una manera académica intencionada? ¿Estás tratando de narrativizar ese tipo de lenguaje para hacerlo más cinematográfico y, por falta de una mejor palabra, emocionante?

      Creo que, porque eso era bastante cierto para mi experiencia de mi comprensión de mi hermano—que la película está bastante evidentemente basada en eso—gran parte de mi comprensión de él fue a través del lente de la psicología y la psiquiatría y los trabajadores sociales y adultos que básicamente intentaban entenderlo. Sentí que era importante dar a la audiencia el mismo tipo de alcance estrecho de comprensión y luego, al final, intentar reconocer que esto es solo un fragmento de quién era esta persona, y tratar de reconocer que parte del duelo con el que la película está lidiando es no conocer a esa persona y no poder acceder a esa persona o entender a esa persona. Lo cual creo que es cierto y real para muchas personas: no poder entender el comportamiento o las acciones de alguien y reconocer que intentar psicoanalizar no necesariamente te acercará a conocer a alguien o entender a alguien, y ciertamente no es recordarlos.

      Honestamente, quedé fascinado por la actuación de Edik Bed