15 películas para ver en Japan Cuts 2026

      Compuesto por estrenos internacionales, un programa de cortometrajes y algunas de las mejores películas del país en nuevas restauraciones, Japan Cuts de 2026––que se llevará a cabo del 8 al 18 de julio en la Japan Society de Nueva York––está a la vuelta de la esquina. Como uno de los pocos festivales de América del Norte dedicados a nuevas voces en el cine japonés, es probablemente tu única oportunidad de ver muchos títulos en un espacio teatral. Aunque uno puede sentirse un poco aturdido al revisar todo, estamos contentos de destilarlo––desde maestros hasta talentos nacientes y, en el camino, algunos clásicos absolutos que han recibido restauraciones muy merecidas.

      Brand New Love (Ryuichi Iwakura)

      Podría posicionar el debut en largometraje de Ryuichi Iwakura como una mini-obra maestra de mise-en-scène y dejar la recomendación ahí. En medio de todo lo que es claramente impecable en concepto, encuadre y puesta en escena, una orquestación notable en torno a la luz de la tarde que disminuye constantemente alimenta mi sospecha de que gran parte del cine japonés contemporáneo está en un estado post-Hamaguchi, mientras que—hablando en un sentido muy localizado—haría una buena pareja con el Sato y Sato citado a continuación. Sin embargo, hay suficiente singularidad en su lente sobre una relación fallida, y cómo todo se ve moldeado por la presencia o ausencia de un amante no del todo deseado, que dejaré de simplificar con comparaciones; en su lugar, espero que pronto estemos pensando en películas en los términos de Iwakura. – Nick N.

      Burn (Makoto Nagahisa)

      Burn está en línea con mucho de lo que consideraría cine japonés “alternativo del siglo XXI”. Fuera de los habituales del circuito de festivales (Kurosawa, Hamaguchi, Kawase, Kore-eda) existe el recientemente anulado Shunji Iwai y el director de Burn, Makoto Nagahisa. Solo he visto una de sus otras películas, el cortometraje maravillosamente inventivo de 2017 And So We Put Goldfish in the Pool, pero su estilo es claro. Los encuadres inclinados, la iluminación desbordada y la vibrante yuxtaposición de colores son similares a algunos de mis otros favoritos de este siglo, All About Lily Chou Chou y Red Post on Escher Street (sin mencionar, curiosamente, Fatal Pulse de Damon Packard). Esta película, sobre Ju-Ju (Nana Mori)—una joven, desorientada y abusada que escapa de casa y encuentra consuelo en la compañía de otros niños perdidos en el distrito de Shinjuku de Tokio—funciona en tomas simples. Nagahisa no es un cineasta particularmente aventurero en composición, pero convierte esta historia de adolescencia en una de fantasía y surrealismo al hacer que cada imagen—hay solo dos tipos aquí: tomas fijas y panorámicas—presuma de un sentimiento etéreo y de otro mundo tanto como sea posible. Si la película toma muchos desvíos y se encuentra divagando en una narrativa sin rumbo, eso es por virtud de que su personaje central es sin rumbo. Esto puede parecer uno de esos dramas de crecimiento edgy y esforzados, pero la inclinación de Nagahisa por mostrar continuamente nuevas texturas y sensaciones dentro de cada toma mantiene Burn fresca y efervescente. – Soham G.

      Leave the Cat Alone (Daisuke Shigaya)

      La influencia de Hong Sangsoo en el momento actual difícilmente puede ser exagerada; ese efecto se siente mejor aquí que en la mayoría. Shigaya, él mismo un millennial, ha moldeado su debut en largometraje en torno a la cuestión de la responsabilidad a la que se enfrentan aquellos en esa zona intermedia entre la adultez naciente y la sensación de que la mediana edad está a la vuelta de la esquina. Evoca esa inquietud silenciosa en términos tan equilibrados—los reflejos espejados a menudo suplantan la necesidad de cortes, o un gambito estructural honguiano apenas se anuncia. Su léxico formal se establece de manera tan fluida, sin embargo, que donde los movimientos de cámara iniciales y ocasionales de Leave the Cat Alone casi parecen un error, un conjunto de elegantes tomas panorámicas en el tramo posterior puede ocurrir sin duda. Mi única verdadera queja, que francamente se aplica a la mayoría de las películas, es la falta de cualquier gato titular. – Nick N.

      Numb (Takuya Uchiyama)

      Esto, admitidamente, provocará acusaciones de derivación y explotación que solo se esperan en un drama al estilo de Dardenne visto a través de los ojos de un niño discapacitado. Aunque los largos planos en mano de esta película recordarán a los hermanos belgas, Uchiyama filma a su protagonista, el niño mudo Daichi, en perfiles laterales que cuadran la diferencia—especialmente cuando un personaje dice “Esos ojos tuyos… siempre los he odiado”—entre nuestra percepción, su percepción y todo lo que lo rodea. Los numerosos momentos de silencio de Numb subrayan un misterio situacional, y a medida que acelera de la adolescencia a la adultez (sombras de Moonlight) hay gestos ocasionales demasiado fáciles (Uchiyama inscribe sus perfiles laterales con tatuajes y un pendiente) que, sin embargo, sirven para construir el carácter de un cifrado. No puedo decir que encontré Numb consistentemente placentera, pero estoy impresionado por cuán a menudo resultó convincente. – Nick N.

      A Pale View of Hills (Kei Ishikawa)

      Basada en la novela de Kazuo Ishiguro, A Pale View of Hills de Kei Ishikawa es ostensiblemente una película sobre la memoria perdida y, por virtud de la memoria, una historia de fantasmas. Muchas verdades ocultas se recorren en una estructura que salta hacia adelante y hacia atrás entre la vida actual de Etsuko (Yo Yoshida) en la Inglaterra de los años 80, donde su hija Niki (Camilla Aiko) intenta escribir una historia sobre sus experiencias en Japón después de la Segunda Guerra Mundial, y la amistad de Etsuko (Suzu Hirose) con Sachiko (Fumi Nikaido) en Nagasaki en los años 50. Los saltos temporales ayudan a ocultar muchos giros, la mayoría de ellos bastante predecibles pero, sin embargo, impactantes en sus revelaciones. Sin embargo, Ishikawa no puede poner un verdadero peso detrás de gran parte del trauma generacional que la película representa a través de palabras e historias, y mientras Niki se esfuerza enormemente por obtener incluso los detalles más vagos de su madre, nosotros como espectadores a menudo nos quedamos con una película que se retiene tanto emocional como estilísticamente, utilizando su “memoria” metafórica como una forma de abordar solo tangencialmente lo que queda en la estela de la guerra. – Soham G.

      Sai: Disaster (Yutaro Seki y Kentaro Hirase)

      La noticia de Sai había estado fluyendo desde la emisión de la serie el año pasado: un anti-misterio de seis episodios y cinco horas cuyo sentido del temor y la villanía sugería un importante heredero de Kiyoshi Kurosawa. (La actuación principal de Teruyuki Kagawa, él de Tokyo Sonata, Serpent’s Path y Creepy, ciertamente alimentó las comparaciones). Donde el proyecto episódico de Yutaro Seki y Kentaro Hirase fue una lenta progresión en el temor, su versión en largometraje—que hará su estreno en EE. UU. el 11 de julio—es una pesadilla de cortes cruzados todo de una vez, destacando tanto al asesino revelado inicialmente después de la primera hora como a una narrativa de detective que la serie apenas comenzó a formular en su punto medio. Las cronologías ahora están alteradas, ciertos puntos son más difíciles de conectar; sin embargo, el estado de ánimo persiste, y mi admiración por la disposición de Sai: Disaster a desgarrar un gran tapiz (lo que podríamos llamar el enfoque de Out 1: Spectre) es primordial. – Nick N.

      Sato and Sato (Chihiro Amano)

      He estado viendo muchas cosas nuevas que, tal como están escritas, probablemente fueron suficientes para financiamiento y producción, solo para ser debilitadas por una puesta en escena indiferente y una pobre sensibilidad editorial. La noción me vino a la mente temprano en Sato and Sato, que enmarca un momento impactante entre su pareja a punto de desgastarse de manera tan inesperada, con una violencia en los movimientos y pausas por igual, que me pregunté por qué este oficio básico debería ser raro. Chihiro Amano demuestra tal comprensión a lo largo de su crónica de celos entre parejas. Si bien desearía que sus elisiones hicieran más para priorizar los sentimientos sublimados sobre los grandes momentos, Amano sigue siendo lo suficientemente inteligente como para mostrar las 1,000 heridas de esta relación—esas peleas que comienzan y luego se detienen sin llevar a ningún lado más que otra experiencia indignante para todos. Sin embargo, los momentos de ligereza de Sato and Sato (y una nota final de gracia) siguen siendo merecidos. – Nick N.

      Shuffle and The Master of