15 film da vedere al Japan Cuts 2026

      Composto da prime internazionali, un programma di cortometraggi e alcuni dei migliori film mai realizzati nel paese in nuove restaurazioni, Japan Cuts 2026––che si svolgerà dal 8 al 18 luglio presso la Japan Society di New York––è alle porte. Essendo uno dei pochi festival del Nord America dedicati a nuove voci nel cinema giapponese, è probabilmente la tua unica opportunità di vedere molti titoli in uno spazio teatrale. Anche se si può sentirsi un po' disorientati guardando tutto, siamo felici di distillarlo––da maestri a talenti emergenti e, lungo il cammino, alcuni classici assoluti dati a restaurazioni meritatissime.

      Brand New Love (Ryuichi Iwakura)

      Potrei considerare il debutto di Ryuichi Iwakura come un mini-capolavoro di mise-en-scène e lasciare la raccomandazione lì. Tra tutto ciò che è chiaramente impeccabile per concetto, inquadratura e messa in scena, una straordinaria orchestrazione attorno alla luce serale che diminuisce costantemente alimenta il mio sospetto che gran parte del cinema giapponese contemporaneo si trovi in uno stato post-Hamaguchi, mentre—parlando in un senso molto localizzato—sarebbe un ottimo accoppiamento per Japan Cuts con il Sato e Sato citato qui sotto. Eppure c'è abbastanza singolarità nel suo obiettivo su una relazione fallita, e su come tutto venga plasmato dalla presenza o assenza di un amante non proprio desiderato, che smetterò di semplificare con confronti; invece spero che presto penseremo ai film in termini di Iwakura. – Nick N.

      Burn (Makoto Nagahisa)

      Burn è in linea con molto di ciò che considererei cinema giapponese “alternativo del XXI secolo”. Al di fuori dei nomi noti del circuito festivaliero (Kurosawa, Hamaguchi, Kawase, Kore-eda) esiste il recentemente annullato Shunji Iwai e il regista di Burn, Makoto Nagahisa. Ho visto solo un altro dei suoi film, il cortometraggio meravigliosamente inventivo del 2017 And So We Put Goldfish in the Pool, ma il suo stile è chiaro. Le inquadrature inclinate, l'illuminazione sovraesposta e la vivace giustapposizione di colori sono simili ad alcuni dei miei altri preferiti di questo secolo, All About Lily Chou Chou e Red Post on Escher Street (per non parlare, in modo strano, di Fatal Pulse di Damon Packard). Questo film, su Ju-Ju (Nana Mori)—una giovane ragazza smarrita e abusata che scappa da casa e trova conforto nella compagnia di altri ragazzi smarriti nel quartiere Shinjuku di Tokyo—funziona in riprese semplici. Nagahisa non è un cineasta particolarmente avventuroso nella composizione, ma trasforma questa storia di adolescenza in una di fantasia e surrealismo facendo in modo che ogni immagine—ci sono solo due tipi qui: riprese fisse e panoramiche—mostri il maggior numero possibile di sensazioni eteree e ultraterrene. Se il film prende molte deviazioni e si ritrova a vagare in una narrazione senza meta, ciò è dovuto al fatto che il suo personaggio centrale è senza meta. Questo potrebbe sembrare uno di quei drammatici di formazione edgy e forzati, ma la propensione di Nagahisa a mostrare continuamente nuove trame e sensazioni in ogni inquadratura mantiene Burn fresco e frizzante. – Soham G.

      Leave the Cat Alone (Daisuke Shigaya)

      L'influenza di Hong Sangsoo sul momento attuale non può essere sottovalutata; questo effetto si fa sentire qui più che in molti altri. Shigaya, lui stesso un Millennial, ha plasmato il suo debutto cinematografico attorno alla questione della responsabilità che affrontano coloro che si trovano in quella zona intermedia tra l'età adulta emergente e la sensazione che la mezza età sia dietro l'angolo. Evoca quel silenzioso disagio in termini così misurati—riflessi speculari che spesso sostituiscono la necessità di tagli, o un espediente strutturale honghiano che si annuncia a malapena. Il suo lessico formale si stabilisce così fluidamente, tuttavia, che dove i movimenti iniziali della telecamera di Leave the Cat Alone sembrano quasi un errore, un insieme di eleganti riprese panoramiche nella parte finale può avvenire senza dubbio. La mia unica vera lamentela, che francamente si applica alla maggior parte dei film, è la mancanza di un qualsiasi gatto titolare. – Nick N.

      Numb (Takuya Uchiyama)

      Questo, ammettiamolo, susciterà accuse di derivazione e sfruttamento che ci si aspetta solo da un dramma simile a quello dei Dardenne visto attraverso gli occhi di un bambino disabile. Anche se i lunghi piani a mano libera di questo film faranno venire in mente i fratelli belgi, Uchiyama riprende il suo protagonista, il ragazzo muto Daichi, in profili laterali che quadrano la differenza—soprattutto mentre un personaggio dice “Quegli occhi tuoi… li ho sempre odiati”—tra la nostra percezione, la sua percezione e tutto ciò che lo circonda. I numerosi momenti di silenzio di Numb sottolineano un mistero situazionale, e mentre accelera dall'adolescenza all'età adulta (sfumature di Moonlight) ci sono occasionali gesti troppo facili (Uchiyama iscrive i suoi profili laterali con tatuaggi e un orecchino) che tuttavia servono alla costruzione del personaggio di un cifrario. Non posso dire di aver trovato Numb costantemente piacevole, ma sono colpito da quanto spesso si sia rivelato convincente. – Nick N.

      A Pale View of Hills (Kei Ishikawa)

      Basato sul romanzo di Kazuo Ishiguro, A Pale View of Hills di Kei Ishikawa è apparentemente un film sulla memoria perduta e, per virtù della memoria, una storia di fantasmi. Molte verità nascoste vengono attraversate in una struttura che salta avanti e indietro tra la vita attuale di Etsuko (Yo Yoshida) nell'Inghilterra degli anni '80, dove sua figlia Niki (Camilla Aiko) sta cercando di scrivere una storia sulle sue esperienze in Giappone dopo la Seconda Guerra Mondiale, e l'amicizia di Etsuko (Suzu Hirose) con Sachiko (Fumi Nikaido) negli anni '50 a Nagasaki. I salti temporali aiutano a nascondere molte svolte, la maggior parte delle quali abbastanza prevedibili ma comunque toccanti nelle loro rivelazioni. Ishikawa, tuttavia, non riesce a dare un vero peso a gran parte del trauma generazionale che il film rappresenta attraverso parole e storie, e mentre Niki si sforza molto per ottenere anche i più deboli dettagli dalla madre, noi come spettatori ci troviamo spesso bloccati con un film che si trattiene sia emotivamente che stilisticamente, usando la sua “memoria” metaforica come un modo per affrontare solo tangenzialmente ciò che rimane dopo la guerra. – Soham G.

      Sai: Disaster (Yutaro Seki e Kentaro Hirase)

      La voce di Sai era già circolata da tempo da quando la serie è andata in onda l'anno scorso: un anti-mistero di sei episodi e cinque ore il cui senso di paura e malvagità suggeriva un importante erede di Kiyoshi Kurosawa. (La performance principale di Teruyuki Kagawa, lui di Tokyo Sonata, Serpent’s Path e Creepy, ha certamente alimentato i confronti.) Dove il progetto episodico di Yutaro Seki e Kentaro Hirase era una lenta progressione nel terrore, la loro versione cinematografica—che farà la sua prima negli Stati Uniti l'11 luglio—è un incubo montato tutto insieme, mettendo in primo piano sia il killer inizialmente rivelato dopo la prima ora sia una narrazione poliziesca che la serie ha appena iniziato a formulare attorno al suo punto medio. Le cronologie sono ora confuse, alcuni punti più difficili da collegare; l'atmosfera persiste, tuttavia, e la mia ammirazione per la volontà di Sai: Disaster di strappare un grande arazzo (quello che potremmo chiamare l'approccio di Out 1: Spectre) è fondamentale. – Nick N.

      Sato and Sato (Chihiro Amano)

      Ho visto molte nuove cose che, così come sono scritte, erano probabilmente sufficienti per il finanziamento e la produzione, solo per essere compromesse da una messa in scena indifferente e una scarsa sensibilità editoriale. L'idea