Por qué las películas de lucha son algunos de los dramas más emocionales del cine

      Joseph Jenkinson sobre por qué las películas de lucha libre proporcionan algunos de los dramas más emocionales del cine…

      Los dramas deportivos han ocupado durante mucho tiempo un lugar único en el cine. El boxeo nos dio Rocky, el béisbol produjo Moneyball y Field of Dreams, mientras que el automovilismo ha entregado todo, desde Rush hasta Ford v Ferrari. Sin embargo, un subgénero deportivo sigue siendo extrañamente pasado por alto a pesar de producir algunas de las películas más emocionalmente devastadoras de las últimas dos décadas: la lucha libre profesional.

      Durante décadas, la lucha libre profesional ha luchado contra una reputación que ningún otro deporte importante ha tenido que soportar. Descartada como 'falsa' porque sus resultados son predeterminados, a menudo se ha visto como de alguna manera menos digna que el boxeo, el fútbol o las artes marciales mixtas. Sin embargo, esa crítica malinterpreta lo que realmente es la lucha libre profesional. La lucha nunca fue concebida para ser un deporte competitivo en el sentido convencional. Es teatro en vivo disfrazado de deporte: una forma de narración física donde el atletismo, el carácter y el drama son inseparables.

      Desde The Wrestler de Darren Aronofsky hasta The Iron Claw de Sean Durkin, las mejores películas de lucha libre no tratan realmente sobre la lucha en absoluto. Se trata de lo que sucede cuando la actuación se vuelve imposible de dejar atrás.

      Lucha Falsa. Drama Real.

      El ex productor de WWE TJ Wilson argumenta que la lucha tiene éxito por las mismas razones que cualquier gran película o serie de televisión. “Una buena historia en la lucha necesita tener un comienzo, un medio y un final claros”, explica. “Necesita tener personajes en los que la audiencia pueda invertir […] personajes con sus propias motivaciones, deseos y defectos. Y necesita tener un objetivo o conflicto claro que impulse la historia hacia adelante.”

      Esa fusión de deporte y actuación hace que la lucha sea singularmente adecuada para el cine. Al igual que los actores, los luchadores habitan personajes cuidadosamente construidos, pidiendo a las audiencias que suspendan su incredulidad en busca de una verdad emocional. El éxito depende no solo de la habilidad física, sino de convencer a millones de que estos personajes más grandes que la vida importan. El aplauso eventualmente se desvanece, nuevas estrellas emergen, y los intérpretes se enfrentan a la incómoda pregunta de quiénes son una vez que el foco de atención desaparece.

      Quizás por eso las películas de lucha a menudo trascienden el propio ring. En lugar de celebrar campeonatos o victorias, utilizan la lucha como una lente a través de la cual examinar la identidad, la familia, el sacrificio y la necesidad humana de ser recordado. El cuadrilátero se convierte en un escenario, y las peleas pasan a ser secundarias a las personas que las realizan.

      The Wrestler (2008): El Hombre Que No Podía Dejar de Actuar

      En medio de su galería de personajes consumidos por la obsesión y la autodestrucción, el retrato de Darren Aronofsky del desvanecido ícono de la lucha libre profesional Randy 'The Ram' Robinson (Mickey Rourke) es menos un drama deportivo que una tragedia silenciosa sobre la identidad, el propósito y el costo de vivir para una audiencia.

      Abandonando el surrealismo estilizado de Requiem for a Dream y The Fountain, Aronofsky adopta un realismo casi documental. Las cámaras en mano siguen a Randy a través de pasillos estrechos y hacia el ring, colocando a los espectadores incómodamente cerca de cada moretón y respiración laboriosa. El resultado es una película que se siente menos interpretada que observada.

      Aunque ficticia, The Wrestler posee una autenticidad casi inquietante. Aronofsky pasó un tiempo considerable investigando la industria de la lucha, capturando no solo sus demandas físicas, sino también su inseguridad financiera, adicción y fama efímera. Mucho después de que el aplauso se desvanece, muchos luchadores continúan pagando el precio. Es una realidad que ha tocado a figuras desde Ric Flair hasta Jake Roberts y, más recientemente, incluso estrellas como Dave Bautista han hablado abiertamente sobre el costo físico que la profesión deja atrás.

      Sin embargo, The Wrestler trata en última instancia de mucho más que la lucha libre profesional. Aronofsky trata el deporte con una mezcla de brutal honestidad y genuina afecto, presentándolo tanto como actuación como refugio. Randy nunca está persiguiendo otro cinturón de campeonato; está persiguiendo la única versión de sí mismo que aún se siente significativa. La lucha se convierte en una metáfora de las máscaras que las personas usan mucho después de que dejan de protegerlas.

      Al igual que las adicciones exploradas en Requiem for a Dream, el ring le ofrece a Randy una escapatoria de la realidad, pero solo consumiendo a la persona debajo de la persona. Robin Ramzinski desaparece gradualmente hasta que solo queda 'The Ram', una distinción cristalizada en un momento desgarrador: “Oh Robin… soy Randy.” Las actuaciones como un superhéroe en el ring consumen a Randy, hasta el punto en que está dispuesto a arriesgar su vida para actuar en un combate de legado mostrado al final.

      Justo antes de su entrada al ring, Cassidy aparece para darnos lo que se siente como el cliché de la película donde ella baja sus muros y ofrece conectarse con él. Su rechazo resume su arco perfectamente: “El único lugar donde me lastimo es allá afuera”, dice, refiriéndose al mundo real.

      Sin embargo, incluso al final, la película nunca glamouriza la misión suicida de Randy, manteniéndose fiel a lo doloroso que puede ser el arte de un intérprete de lucha y comprometiéndose a eso por encima de todo. A medida que el combate alcanza su clímax, Randy parece estar teniendo otro ataque al corazón. Se lo traga y sube a las cuerdas superiores para hacer su movimiento final. Pero sabes que Randy está potencialmente a punto de morir de un ataque al corazón. Él también lo sabe, pero la multitud que lo aplaude no; una vez más está solo, incluso en un momento que debería hacerlo feliz. Sus lágrimas antes de su salto final son ya sea una leve satisfacción de que va a encontrar su fin en la comodidad de la luz del espectáculo o la sombría realidad de que incluso en su escapismo, no tiene satisfacción.

      Eso es lo que hace que el final de la película sea tan extraordinario. La mayoría de los dramas deportivos se construyen hacia la redención. El desvalido gana el título, gana respeto o encuentra paz más allá de la competencia. The Wrestler rechaza cada una de esas convenciones. El último salto de Randy desde la cuerda superior no es un regreso triunfante, sino un acto de aceptación. Él entiende que el ring lo está destruyendo, pero también es el único lugar donde aún sabe quién es. Aronofsky nos deja no con la victoria, sino con una de las conclusiones más desgarradoras del cine: a veces, la cosa que le da sentido a la vida es la misma que finalmente nos destruye.

      The Iron Claw (2023): Luchando por la Aprobación de un Padre

      A diferencia de The Wrestler, que se centra en un hombre incapaz de dejar ir el foco de atención, The Iron Claw de Sean Durkin examina lo que sucede cuando la actuación comienza mucho antes de que alguien pise el ring. La lucha ya no es simplemente una profesión; se convierte en el lenguaje a través del cual se gana el amor, se suprime el duelo y se mide la masculinidad.

      Crónica del ascenso y la devastadora caída de la familia Von Erich a través de Kevin (Zac Efron), David (Harris Dickinson), Kerry (Jeremy Allen White) y Mike (Stanley Simons), la película explora una de las dinastías más trágicas de la lucha libre profesional. Lo que inicialmente parece ser una historia inspiradora de cuatro hermanos persiguiendo la grandeza gradualmente se revela como algo mucho más oscuro: una familia atrapada bajo el peso imposible de la expectativa heredada.

      Al igual que The Wrestler, la emoción de los combates lentamente da paso al costo emocional de actuar constantemente. Cada victoria se siente cada vez más vacía porque el premio es realmente la aprobación de su padre sobre un cinturón de campeonato mundial. Cada triunfo simplemente eleva el estándar para el siguiente.

      Ese peso se origina con Fritz Von Erich (Holt McCallany), cuyo propio fracaso en capturar el Campeonato Mundial de Peso Pesado de la NWA se convierte en una obsesión que transmite a sus hijos. Su carrera de lucha puede haber terminado, pero su ambición nunca lo hizo y, posteriormente, está enterrada dentro de cada uno de sus hijos. Sus sueños dejan de ser propios; se convierten en vehículos a través de los cuales Fritz intenta reescribir su propia historia.

      Durkin captura esta manipulación emocional con devastadora contención. Fritz clasifica abiertamente a sus hijos según sus actuaciones, recordándoles que el afecto en sí mismo es condicional. Después de la repentina muerte de David, instruye a la familia para que se quiten las gafas de sol, no para que puedan llorar juntos, sino para que puedan parecer fuertes. Momentos después, su atención se vuelve casi inmediatamente hacia quién reemplazará a David en el próximo combate por el título contra Ric Flair