La restrizione come specchio, luce e ombra portano emozione: un'intervista con il direttore della fotografia Ru He su

      Intervistato: Ru He, Direttore della Fotografia

      Al Tribeca Festival dello scorso anno, āyí si è davvero distinto. La maggior parte dei film lì cercava contrasti elevati, illuminazione drammatica, grandi movimenti di macchina – sai, il solito. Ma āyí era diverso. Silenzioso, contenuto, quasi come se stessi semplicemente guardando la vita accadere. Niente dramma forzato. Solo luce naturale, texture quotidiane e tanto cuore. Ci siamo seduti con il direttore della fotografia Ru He per parlare del suo approccio: come bilancia il realismo con la poesia, come lavora con budget ristretti e perché pensa che le storie umane avranno sempre importanza, anche con l'IA che prende piede.

      D: Quindi dovremmo chiamarti Heru o Ru He? Quale preferisci?

      R: Se traduciamo il mio nome cinese in base alla sua pronuncia, suona come Heru. Nelle convenzioni di denominazione cinesi, il cognome viene prima seguito dal nome, quindi il nome ufficiale e formale in inglese è Ru He. Mi attengo a Ru He per tutte le occasioni formali e i crediti professionali.

      D: Al Tribeca dello scorso anno, āyí ci ha colpito subito. Molti film cercano di colpirti duramente con emozioni – grandi contrasti, lavoro di macchina appariscente. Il tuo sembrava completamente diverso. Super silenzioso, molto osservazionale. Non hai cercato di impressionarci con le immagini. Invece, hai lasciato che piccole cose – i dettagli di una stanza, un piccolo gesto – portassero tutto il sentimento. Era questo il piano fin dal primo giorno?

      R: Sì, assolutamente. Il regista e io abbiamo fissato questo obiettivo presto. Il film parla di persone normali e delle loro vite reali. Le loro lotte non sono rumorose o drammatiche. Sono nascoste in appartamenti angusti, faccende ripetitive, momenti solitari che nessuno vede. Quel tipo di dolore silenzioso non ha bisogno di trucchi di macchina esagerati.

      Quindi ho evitato tutto ciò che sembrava messo in scena o formulaico. Abbiamo girato quasi interamente con luce naturale, a mano, per mantenere quella sensazione grezza e non rifinita di una vera città. Eravamo solo osservatori. Non volevamo rendere la sofferenza più triste di quanto non fosse, o far sembrare la vita quotidiana più bella di quanto non fosse. Il puro realismo dà alla storia la sua spina dorsale. E poi, attraverso piccoli cambiamenti di luce e ombra, lievi variazioni di colore, abbiamo cercato di accennare a ciò che i personaggi sentivano dentro. È sempre stata la mia cosa: il realismo costruisce il corpo, la suggestione gli dà un'anima.

      D: Un cortometraggio come questo ha davvero bisogno che il regista e il direttore della fotografia siano sulla stessa lunghezza d'onda. āyí ha fatto bene – non solo al Tribeca Festival, ma anche una Menzione Speciale al 40° Festival Internazionale del Cinema di Mar del Plata (che è un festival di Categoria A accreditato dalla FIAPF), e una Menzione Speciale della Giuria al Festival Internazionale del Cinema di Hainan Island (HIIFF). È stato anche selezionato per il Festival Internazionale del Cinema di Hawai‘i (HIFF) e molti altri. Quindi come hai trovato tu e il regista quella estetica condivisa? E questo stile contenuto, orientale, è qualcosa che hai deliberatamente modellato per vincere premi nei festival?

      R: Prima di tutto, no – questo non era uno stile calcolato per inseguire premi. È semplicemente venuto dalla storia e dai personaggi. Il regista e io ci siamo sentiti allo stesso modo fin dall'inizio: questo parla di persone ordinarie e della loro forza silenziosa. Le loro emozioni sono profonde, ma non le mostrano. Quindi le immagini dovevano corrispondere – niente di appariscente, niente di esagerato. La forma segue il contenuto.

      Abbiamo parlato senza sosta. In pre-produzione, abbiamo scartato tutte le solite formule drammatiche e concordato su tre parole: reale, contenuto, empatico. Ogni scelta di illuminazione, ogni movimento di macchina, ogni battuta visiva – doveva servire le vere vite e i mondi interiori dei personaggi. Niente ostentazione, nessun conflitto forzato. Sul set, il regista si è concentrato sulle performance, sul ritmo e sulla verità emotiva. Il mio compito era trasformare tutto ciò in immagini – usando piccoli cambiamenti nella luce naturale, riprese a mano silenziose che semplicemente osservano, e tutte le texture grezze e quotidiane per mostrare la resilienza, la solitudine e la tenerezza che si nascondono in bella vista.

      Tutta quella contenutezza, tutti quegli spazi vuoti, il minimalismo – non era uno stile che abbiamo messo sopra. Era rispetto per la storia e per le persone in essa. Non sfruttiamo mai la sofferenza o amplifichiamo le emozioni. Registriamo semplicemente la vita il più onestamente possibile. E il fatto che āyí sia stato riconosciuto in così tanti festival? Questo mi dice che ciò che davvero muove le persone attraverso le culture non è qualche formula amichevole per il mercato. È la narrazione umana che rimane fedele alla storia e alle persone reali. I premi sono il risultato di quell'onestà, non l'obiettivo.

      D: Un altro tuo film, So Long Mom, è stato selezionato per il Festival di Cannes – Short Film Corner | Rendez-vous Industry, così come per il New York International Short Film Festival e decine di altri festival, e ha vinto diversi premi per la Migliore Cinematografia. āyí parla del peso della sopravvivenza quotidiana. So Long Mom parla più di connessioni gentili in un quartiere normale. Due toni molto diversi, ma condividono lo stesso approccio: super reali per costruire il mondo, illuminazione delicata per renderlo poetico. Come riesci a farlo in spazi così piccoli, semplici e quotidiani?

      R: Ho una regola semplice: il realismo fa credere alle persone nella storia. La suggestione fa sentire loro. Non puoi avere l'uno senza l'altro. Per So Long Mom, avevamo limiti seri – spazio minuscolo, una location, a malapena attrezzatura. Non ho cercato di abbellire il posto o di sistemare le cose artificialmente. Ho mantenuto tutto il disordine naturale: attrezzature usurate, piccoli mucchi di cose sul bancone, la sensazione angusta di un piccolo negozio. Quei dettagli grezzi e reali costruiscono un mondo che sembra vero. Una volta che il pubblico accetta questo, la semplice storia quotidiana può davvero affondare.

      Su quella base reale, ho evitato forti contrasti. Ho usato luce morbida, calda e diffusa per avvolgere l'intero spazio, smussando le ombre dure. Poi, attraverso cambiamenti molto sottili nella luce e movimenti lenti della macchina da presa, i legami non detti tra le persone vivono silenziosamente in ogni inquadratura. La vera poesia cinematografica non deriva mai da attrezzature costose o riprese appariscenti. Deriva dal trovare calore e bellezza nella realtà più ordinaria e poco glamour.

      D: Hai uno stile davvero distintivo tra i direttori della fotografia emergenti – solide radici documentaristiche più una vera sensazione cinematografica. Molte persone scelgono una sola strada: o documentario o fiction. Ma tu fai documentari e cortometraggi narrativi. Come ha plasmato il tuo look distintivo lavorare in tutti questi campi?

      R: Il mio background documentaristico definisce il mio intero stile di ripresa. La mia formazione nel giornalismo televisivo ha posto la mia base creativa fondamentale: rispetto per la verità, osservazione discreta e attenzione a persone e momenti autentici. Lascio sempre che la macchina da presa serva la realtà piuttosto che inseguire immagini vuote e appariscenti, mantenendo il mio lavoro radicato e sincero. Questa mentalità è stata affinata attraverso il mio lavoro documentaristico. Ho girato più progetti per CCTV, coprendo l'eredità del patrimonio culturale immateriale, i termini solari cinesi, il legame tra terra e semi, e la storia diplomatica delle ciliegie tra Cina e Cile. Queste storie culturali e di vita reale mi hanno insegnato a catturare texture genuine e dettagli sottili e toccanti. Ho anche girato un documentario di grande scala per Mango TV che documentava il decennio di sviluppo della Cina, il che mi ha insegnato a inquadrare grandi cambiamenti sociali attraverso una lente autentica. Inoltre, girare il programma di interviste uman