La contención como espejo, luz y sombra llevan emoción: Una entrevista con el director de fotografía Ru He sobre

      Entrevistado: Ru He, Director de Fotografía

      En el festival de Tribeca del año pasado, āyí realmente destacó. La mayoría de las películas allí optaron por un alto contraste, iluminación dramática, grandes movimientos de cámara – ya sabes, lo habitual. Pero āyí fue diferente. Silenciosa, contenida, casi como si estuvieras viendo la vida suceder. Sin drama forzado. Solo luz natural, texturas cotidianas y mucho corazón. Nos sentamos con el director de fotografía Ru He para hablar sobre su enfoque: cómo equilibra el realismo con la poesía, cómo trabaja con presupuestos ajustados y por qué cree que las historias humanas siempre importarán, incluso con la IA tomando el control.

      P: Entonces, ¿deberíamos llamarte Heru o Ru He? ¿Cuál prefieres?

      R: Si traducimos mi nombre chino directamente basado en su pronunciación, suena como Heru. En las convenciones de nombres chinas, el apellido viene primero seguido del nombre de pila, así que el nombre oficial y formal en inglés es Ru He. Me quedo con Ru He para todas las ocasiones formales y créditos profesionales.

      P: En Tribeca el año pasado, āyí llamó nuestra atención de inmediato. Muchas películas intentan golpearte fuerte con emoción – grandes contrastes, trabajo de cámara llamativo. La tuya se sintió completamente diferente. Súper silenciosa, muy observacional. No intentaste impresionarnos con visuales. En cambio, dejaste que pequeñas cosas – los detalles de una habitación, un pequeño gesto – llevaran todo el sentimiento. ¿Era ese el plan desde el primer día?

      R: Sí, absolutamente. El director y yo lo acordamos desde el principio. La película trata sobre personas comunes y sus vidas reales. Sus luchas no son ruidosas ni dramáticas. Están ocultas en apartamentos pequeños, tareas repetitivas, momentos solitarios que nadie ve. Ese tipo de dolor silencioso no necesita trucos de cámara exagerados.

      Así que me mantuve alejado de cualquier cosa que se sintiera escenificada o formulaica. Rodamos casi completamente con luz natural, a mano, para mantener esa sensación cruda y sin pulir de una ciudad real. Solo éramos observadores. No queríamos hacer que el sufrimiento se viera más triste de lo que es, o hacer que la vida cotidiana se viera más bonita de lo que es. El realismo puro le da al relato su columna vertebral. Y luego, a través de pequeños cambios en la luz y la sombra, cambios sutiles de color, intentamos insinuar lo que los personajes sentían por dentro. Siempre ha sido mi enfoque: el realismo construye el cuerpo, la sugerencia le da un alma.

      P: Un cortometraje como este realmente necesita que el director y el director de fotografía estén en la misma sintonía. āyí ha tenido éxito – no solo en el festival de Tribeca, sino también una Mención Especial en el 40º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (que es un festival de categoría A acreditado por FIAPF), y una Mención Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de la Isla de Hainan (HIIFF). También fue seleccionado para el Festival Internacional de Cine de Hawái (HIFF) y un montón de otros. Entonces, ¿cómo encontraron tú y el director esa estética compartida? ¿Y fue este estilo contenido y oriental algo que moldearon deliberadamente para ganar premios en festivales?

      R: Primero que nada, no – este no fue un estilo calculado para perseguir premios. Simplemente surgió de la historia y los personajes. El director y yo sentimos lo mismo desde el principio: esto trata sobre personas ordinarias y su fuerza silenciosa. Sus emociones son profundas, pero no las muestran. Así que los visuales tenían que coincidir – nada llamativo, nada exagerado. La forma sigue al contenido.

      Hablamos sin parar. En la preproducción, descartamos todas las fórmulas dramáticas habituales y acordamos tres palabras: real, contenido, empático. Cada elección de iluminación, cada movimiento de cámara, cada ritmo visual – todo tenía que servir a las vidas reales de los personajes y sus mundos internos. Nada de presumir, nada de conflictos forzados. En el set, el director se centró en las actuaciones, el ritmo y la verdad emocional. Mi trabajo era convertir eso en imágenes – utilizando pequeños cambios en la luz natural, tomas a mano silenciosas que solo observan, y todas las texturas ásperas y cotidianas para mostrar la resiliencia, la soledad y la ternura que se esconden a simple vista.

      Toda esa contención, todos esos espacios vacíos, el minimalismo – no fue un estilo que pusimos encima. Fue respeto por la historia y las personas en ella. Nunca explotamos el sufrimiento ni exageramos las emociones. Solo grabamos la vida tan honestamente como podemos. Y el hecho de que āyí haya sido reconocida en tantos festivales? Eso me dice que lo que realmente mueve a las personas a través de las culturas no es alguna fórmula amigable con el mercado. Es la narración humana que se mantiene fiel a la historia y a las personas reales. Los premios son un resultado de esa honestidad, no el objetivo.

      P: Otra de tus películas, So Long Mom, fue seleccionada para el Festival de Cine de Cannes – Short Film Corner | Rendez-vous Industry, así como para el Festival Internacional de Cortometrajes de Nueva York y docenas de otros festivales, y ganó varios premios a la Mejor Cinematografía. āyí trata sobre el peso de la supervivencia cotidiana. So Long Mom se trata más de conexiones suaves en un vecindario regular. Dos tonos muy diferentes, pero comparten el mismo enfoque: súper real para construir el mundo, iluminación delicada para hacerlo poético. ¿Cómo logras eso en espacios tan pequeños, simples y cotidianos?

      R: Tengo una regla simple: el realismo hace que la gente crea la historia. La sugerencia hace que la sientan. No puedes tener uno sin el otro. Para So Long Mom, tuvimos límites serios – un espacio pequeño, una ubicación, apenas equipo. No intenté embellecer el lugar ni reorganizar las cosas artificialmente. Mantengo todo el desorden natural: equipo desgastado, pequeños montones de cosas en la encimera, la sensación de estar en una tienda pequeña. Esos detalles reales y sin pulir construyen un mundo que se siente verdadero. Una vez que la audiencia acepta eso, la simple historia cotidiana puede realmente calar hondo.

      Además de esa base real, evité contrastes fuertes. Usé luz suave, cálida y difusa para envolver todo el espacio, suavizando las sombras duras. Luego, a través de cambios muy sutiles en la luz y movimientos de cámara lentos, los lazos no hablados entre las personas simplemente viven en silencio dentro de cada cuadro. La verdadera poesía cinematográfica nunca proviene de equipos costosos o tomas elegantes. Proviene de encontrar calidez y belleza en la realidad más ordinaria y poco glamorosa.

      P: Tienes un estilo realmente distintivo entre los directores de fotografía emergentes – sólidas raíces documentales más una verdadera sensación cinematográfica. Muchas personas eligen un solo camino: ya sea documental o ficción. Pero tú haces documentales y cortometrajes narrativos. ¿Cómo ha moldeado trabajar en todos estos campos tu estilo característico?

      R: Mi formación en documentales define todo mi estilo de rodaje. Mi formación en periodismo de difusión sentó mi base creativa: respeto por la verdad, observación no intrusiva y un enfoque en personas y momentos auténticos. Siempre dejo que la cámara sirva a la realidad en lugar de perseguir visuales vacíos y llamativos, manteniendo mi trabajo fundamentado y sincero. Esta mentalidad se perfeccionó a través de mi trabajo documental. He filmado múltiples proyectos para CCTV, cubriendo la herencia del patrimonio cultural inmaterial, los términos solares chinos, el vínculo entre la tierra y las semillas, y la historia diplomática de las cerezas entre China y Chile. Estas historias culturales y de la vida real me enseñaron a capturar texturas genuinas y detalles sutiles y conmovedores. También filmé un documental a gran escala para Mango TV documentando la década de desarrollo de China, lo que me enseñó a enmarcar grandes cambios sociales a través de un lente auténtico. Además, filmar el programa de entrevistas humanistas Thirteen Talks moldeó en gran medida mi cinematografía centrada en las personas. Dominé la luz natural, el movimiento de cámara contenido y el encuadre simple para capturar las verdaderas emociones y mundos internos de las personas, sin estilización exagerada ni efectos dramáticos. Mis estudios en la academia de cine me equiparon con habilidades sólidas en iluminación, narración espacial y ritmo emocional, mientras que el trabajo comercial y de cortometrajes hizo que mis técnicas fueran más flexibles. Sin embargo, la autenticidad documental siempre es el núcleo de todas mis creaciones, sin importar el género. Estas diversas experiencias de rodaje en la vida real me mostraron que las emociones humanas fundamentales como la perseverancia, la dignidad, la esperanza y la soledad trascienden las fronteras culturales. Combinado con el aprendizaje de maestros directores de fotografía, mi estilo ahora es distintivo: calmado, preciso, centrado en las personas y siempre sustantivo sobre lo llamativo. Cada elección