Una Odisea Serbia, la Película del Año, y Más Destacados del Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary 2026

      A medida que los momentos para captar tu atención van, julio de 2026 no lo está haciendo fácil. La primera Copa del Mundo de verano de la era TikTok, para deleite horrible de la FIFA, seguramente está en la carrera por ser el evento más visto en la historia humana, y con una cierta épica homérica actualmente apoderándose de la imaginación cinematográfica, se te perdonaría no darte cuenta de que uno de los grandes festivales de cine del mundo acaba de celebrar su 60ª edición.

      El Festival de Cine de Karlovy Vary comenzó en serio en 1946, solo unas semanas después de la primera fiesta de este tipo en Cannes. Este año, celebra el gran 60, habiendo sido un evento bienal hasta la década de 1990. En ese tiempo, la Revolución de Terciopelo vino y se fue; la Unión Soviética luego se expandió y colapsó, y el país en el que se encontraba este viejo y grandioso festival cambió su nombre y parámetros aproximadamente tres veces y un poco más. Lionel Messi podría seguir anotando a los 39, pero el diminuto argentino tiene un largo camino por recorrer para igualar ese tipo de longevidad y perseverancia.

      Para celebrar apropiadamente este hito, el festival ha estado ocupado: adoptando una atrevida paleta de colores rojos en su merchandising y carteles y atrayendo un impresionante elenco de estrellas y críticos de aspecto familiar. En cuanto a películas, se introdujo una sección única llamada 60/80 (una referencia a la edición y vintage del año) para ofrecer una mezcla ecléctica de favoritos de los años, incluyendo el menos visto clásico australiano Captain Thunderbolt y Kes de Ken Loach, dos de las raras películas de países capitalistas que se proyectaron en el festival durante su tiempo como un brazo cultural de la URSS.

      Dentro de 20 años, cuando llegue el momento de reunir un 80/100, es difícil decir si alguna nueva película de la cosecha de este año estará en consideración. Si tuviera que adivinar, la más probable sería 3 Weeks After de Miroslav Terzić—una obra memorable, si solo de la misma manera que podrías recordar una uña encarnada o una úlcera estomacal. De hecho, 3 Weeks After es apenas una película para los de corazón fuerte, y mucho menos para los débiles, pero ciertamente se queda contigo—incluso si el jurado de competencia de Justin Chang (que otorgó el premio principal a Fruit Gathering de Aung Phyoe, una película de aspecto hermoso de Myanmar que pensé que estaba lastrada por una actuación errática del protagonista) aparentemente no estuvo de acuerdo.

      La historia sigue a un grupo de adolescentes serbios en un viaje escolar que sale mal, obligando al grupo y a sus dos desafortunados profesores a buscar refugio en un hotel remoto. Hasta ese momento, la película de Terzić ha sido un barril de pólvora de tensión adolescente que apenas logra mantenerse seco en el desgarrador acto de apertura de la película. Gran parte de esto ocurre en el viaje en autobús, donde un joven insular llamado Zoza (Jovan Ginić) parece estar usando cada onza de su ser para no llamar la atención de un grupo ruidoso en la parte trasera. Las cosas solo se vuelven más desalentadoras para él cuando, a espaldas de sus profesores, una de las chicas logra colar a un polizón a bordo: un skinhead llamado Milos (Andrija Markovic) que también es el principal atormentador de Zoza.

      Ninguna otra película en Karlovy este año inspiró tanto murmullo, con críticos mayormente divididos sobre su nihilismo y crueldad. La película de Terzić no es sutil de ninguna manera, pero diré que hace su punto básicamente sin mostrar un solo fotograma de gratuidad o violencia. Naturalmente, te recuerda a la reciente sensación de Netflix Adolescence (otro producto de lo que empiezo a pensar como Pánico Millennial), pero aquí hay tanto ADN estético de Elephant de Gus Van Sant como del trabajo de Gaspar Noé. La cámara está siempre acechando a los personajes o viéndolos desde lejos, todo para enfatizar la impotencia de Tozkic en un mundo que ya no tiene la voluntad o incluso el lenguaje para salvarlo. Es una película implacablemente provocativa sobre el acoso escolar, la historia balcánica y tal vez el fascismo, y una que recomendaría con cautela ver.

      Otra es la película colombiana Five Years, Four Months—título similar, cero relación—que sigue los intentos de una madre en duelo por localizar el cuerpo de su hijo desaparecido. Este es un tema que ha inspirado no pocas historias en los últimos años (encontrarás variaciones sobre el tema en lugares tan lejanos como Emilia Pérez, I’m Still Here y el programa de televisión Say Nothing), pero pocas han hecho su punto con tanta brevedad, gracia y creatividad como lo han logrado los directores Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García aquí. Esta es una película sobre el duelo, por supuesto, pero también trata sobre la comunidad, la solidaridad y los fantasmas: una película en la que los reveses difíciles son generalmente seguidos por actos de bondad, y donde el sol brilla generalmente, independientemente del estado de ánimo solemne. Dura 83 minutos, pero rápidamente te atrapa y te lleva de manera convincente a uno de los mejores desenlaces que he visto en todo el año.

      En los seis años que he asistido al festival desde 2018, todavía me encuentro pensando en el ganador del Globo de Cristal de Radu Jude de ese año, We Will Not Go Down in History as Barbarians, una película que de un solo golpe cambió el estatus de Jude de oveja negra excéntrica de la Nueva Ola Rumana a quizás el cineasta más emocionante del país. Curiosamente, Jude también apareció en la mejor película que vi en KVIFF este año: The Unknown de Arthur Harari—en la que Jude ofrece una actuación bastante convincente como un padre en duelo que disfruta citando a Marco Aurelio.

      Ya se ha escrito mucho excelente sobre esta fascinante película (no menos por mi estimada colega Savina Petkova), pero diré que el precario desecho de ciertos temas por parte de Harari (los que esperarías encontrar en una fábula contemporánea de cambio de cuerpos) me pareció menos un error que una característica, resultando en una película que se siente refrescantemente ligera en sus pies—una con menos interés en el subtexto, quizás, que en la textura y sensación cinematográfica. En su mejor momento, es una película cautivadora (me atrevería a decir que tiene matices de Polanski de los 90) que ofrece ideas y florituras visuales a un ritmo que no encontrarás, creo, en ninguna otra película este año.

      KVIFF tuvo una película notable que no logramos cubrir en Cannes este año: A Man of His Time de Emmanuel Marre—una película sobre la Francia de Vichy que encuentra un punto intermedio entre Armando Iannucci y The Zone of Interest. Swann Arlaud protagoniza como el Henri Marre de la vida real, el bisabuelo del director y un hombre a quien la película posiciona como engreído y naïve pero no del todo despreciable mientras lo muestra realizando varias tareas como un engranaje en el Ministerio de Trabajo—hasta e incluyendo la firma de los tipos de documentos que llevaron a cientos de personas a trenes hacia los peores lugares.

      El director adereza su película con anacronismos recurrentes (iluminación de anillo, música synth de los 80) que por alguna razón me parecieron menos redundantes que los que nos hemos acostumbrado en las recientes piezas de época. Arlaud también es consistentemente excelente en un papel que pone a prueba su simpatía natural. Con un guion denso y 155 minutos para soportar, sin embargo, es una película que pide mucho tiempo y atención, pero el hecho de que Marre haya elegido explorar una parte vergonzosa de su propia historia familiar de una manera tan sincera, curiosa y sin adornos fue suficiente para mantenerme intrigado. Cuando Marre ganó el premio al Mejor Guion en Cannes este año, mi sospecha era que el premio era por tener el guion “más” completo, pero ahora creo que el jurado tenía razón.

      Por qué Harari salió con las manos vacías es menos claro. En el momento de escribir esto, The Unknown me parece la película del año.