Un'Odissea Serba, il Film dell'Anno, e Altri Punti Salienti del Festival Internazionale del Film di Karlovy Vary 2026

      Poiché i momenti per attirare la tua attenzione vanno, luglio 2026 non sta rendendo le cose facili. La prima Coppa del Mondo estiva dell'era TikTok, molto per l'orribile gioia della FIFA, è sicuramente in corsa per l'evento più seguito nella storia umana, e con un certo epico omerico attualmente a comandare l'immaginazione cinematografica, ti si perdonerebbe di non notare che uno dei grandi festival cinematografici del mondo ha appena tenuto la sua 60ª edizione.

      Il Festival del Film di Karlovy Vary è iniziato seriamente nel 1946, solo poche settimane dopo il primo di questi eventi a Cannes. Quest'anno celebra il grande 60, essendo stato un evento biennale fino agli anni '90. In quel periodo, la Rivoluzione di Velluto è venuta e andata; l'Unione Sovietica è poi cresciuta e collassata, e il paese in cui si trovava questo grande vecchio festival ha cambiato nome e parametri circa tre volte e un po'. Lionel Messi potrebbe ancora segnare a 39 anni, ma il piccolo argentino ha molta strada da fare per eguagliare quel tipo di longevità e perseveranza.

      Per celebrare adeguatamente questo traguardo, il festival è stato impegnato a lavorare: adottando uno schema di colori rosso audace per il suo merchandising e i suoi manifesti e attirando un'impressionante lista di stelle e critici dal volto familiare. Dal punto di vista cinematografico, è stata introdotta una sezione speciale chiamata 60/80 (un riferimento all'edizione e al vintage dell'anno) per offrire un mix eclettico di preferiti nel corso degli anni, inclusi il classico australiano meno visto Captain Thunderbolt e Kes di Ken Loach, due dei rari film provenienti da paesi capitalisti proiettati al festival durante il suo periodo come braccio culturale dell'URSS.

      Tra 20 anni, quando sarà il momento di mettere insieme un 80/100, è difficile dire se qualche nuovo film del raccolto di quest'anno sarà in considerazione. Se dovessi indovinare, il più probabile sarebbe 3 Weeks After di Miroslav Terzić—un'opera memorabile, se solo nel modo in cui potresti ricordare un'unghia incarnita o un'ulcera gastrica. Infatti, 3 Weeks After è a malapena un film per i deboli di cuore, figuriamoci per i più timidi, ma sicuramente ti resta impresso—anche se la giuria del concorso di Justin Chang (che ha assegnato il premio principale a Fruit Gathering di Aung Phyoe, un film dall'aspetto splendido proveniente dal Myanmar che ho ritenuto ostacolato da un'interpretazione principale erratica) apparentemente non era d'accordo.

      La premiere di 3 Weeks After. Foto per gentile concessione del Film Servis Festival Karlovy Vary.

      La storia segue un gruppo di adolescenti serbi in un viaggio scolastico che va storto, costringendo il gruppo e i loro due sfortunati insegnanti a cercare rifugio in un hotel remoto. Fino a quel punto, il film di Terzić è stato un barile di polvere di tensione adolescenziale che riesce a malapena a rimanere asciutto nel primo atto straziante del film. Gran parte di questo si svolge durante il viaggio in pullman, dove un giovane isolato di nome Zoza (Jovan Ginić) sembra usare ogni oncia del suo essere per non attirare l'attenzione di un gruppo chiassoso sul retro. Le cose diventano ancora più scoraggianti per lui quando, dietro le spalle dei suoi insegnanti, una delle ragazze riesce a far salire a bordo un clandestino: un skinhead di nome Milos (Andrija Markovic) che è anche il principale tormentatore di Zoza.

      Nessun altro film a Karlovy quest'anno ha ispirato così tanto chiacchiericcio, con i critici per lo più divisi sul suo nichilismo e crudeltà. Il film di Terzić non è affatto sottile, ma dirò che fa il suo punto sostanzialmente senza mostrare un solo fotogramma di gratuità o violenza. Naturalmente, ti ricorda la recente sensazione di Netflix Adolescence (un altro prodotto di quello che comincio a pensare come Panico Millennial), ma c'è altrettanto DNA estetico di Elephant di Gus Van Sant o del lavoro di Gaspar Noé qui. La telecamera insegue costantemente i personaggi o li osserva da lontano, tanto meglio per sottolineare l'impotenza di Tozkic in un mondo che non ha più la volontà o persino il linguaggio per salvarlo. È un film spietatamente provocatorio sul bullismo, la storia balcanica e forse il fascismo, e uno che raccomanderei con cautela di vedere.

      Un altro è il film colombiano Five Years, Four Months—titolo simile, zero relazione—che segue i tentativi di una madre in lutto di localizzare il corpo del suo figlio scomparso. Questo è un argomento che ha ispirato un numero considerevole di storie negli ultimi anni (troverai variazioni sul tema in luoghi lontani come Emilia Pérez, I’m Still Here e la serie TV Say Nothing), ma pochi hanno fatto il loro punto con tanta brevità, grazia e creatività quanto i registi Juan Miguel Gelacio e Esteban Hoyos García sono riusciti a fare qui. Questo è un film sul lutto, certo, ma è altrettanto un film sulla comunità, la solidarietà e i fantasmi: un film in cui i duri colpi sono solitamente seguiti da atti di gentilezza, e dove il sole splende generalmente, indipendentemente dall'umore solenne. È lungo 83 minuti, eppure ti cattura rapidamente e ti conduce in modo convincente verso uno dei migliori epiloghi che ho visto quest'anno.

      Negli sei anni in cui sono andato al festival dal 2018, mi ritrovo ancora a pensare al vincitore del Crystal Globe di Radu Jude di quell'anno, We Will Not Go Down in History as Barbarians, un film che in un colpo solo ha cambiato lo status di Jude da pecora nera eccentrica della Nuova Onda romena a forse il regista più emozionante del paese. Ironia della sorte, Jude è apparso anche nel miglior film che ho visto al KVIFF quest'anno: The Unknown di Arthur Harari—nel quale Jude offre un'interpretazione piuttosto convincente come padre in lutto che ama citare Marco Aurelio.

      Molto lavoro eccellente è già stato scritto su questo affascinante film (non ultimo dal mio stimato collega Savina Petkova), ma dirò che il precarico abbandono di Harari di alcuni temi (quelli che ci si aspetterebbe di trovare in una favola contemporanea di scambio di corpi) mi è sembrato meno un difetto che una caratteristica, risultando in un film che si sente rinfrescante leggero sui piedi—uno con meno interesse per il sottotesto, forse, che per la texture e la sensazione cinematografica. Nei suoi momenti migliori, è un film avvincente (oso dire sfumature di Polanski degli anni '90) che offre idee e abbellimenti visivi a un ritmo che non troverai, credo, in nessun altro film quest'anno.

      KVIFF ha avuto un film notevole che non siamo riusciti a coprire a Cannes quest'anno: A Man of His Time di Emmanuel Marre—un film sulla Francia di Vichy che trova un equilibrio tra Armando Iannucci e The Zone of Interest. Swann Arlaud interpreta il vero Henri Marre, il bisnonno del regista e un uomo che il film posiziona come vanitoso e ingenuo ma non del tutto spregevole mentre lo mostra mentre svolge vari compiti come ingranaggio nel Ministero del Lavoro—fino a e inclusi la firma di documenti che hanno portato centinaia di persone su treni verso i peggiori tipi di luoghi.

      Il regista arricchisce il suo film con anacronismi ricorrenti (illuminazione ad anello, musica synth degli anni '80) che per qualche motivo mi sono sembrati meno ridondanti di quelli a cui ci siamo abituati in recenti opere d'epoca. Arlaud è anche costantemente eccellente in un ruolo che mette alla prova la sua naturale simpatia. Con una sceneggiatura densa e 155 minuti da affrontare, tuttavia, è un film che richiede molto tempo e attenzione, ma il fatto che Marre abbia scelto di esplorare una parte vergognosa della propria storia familiare in modo così candido, curioso e non edulcorato è stato sufficiente per tenermi intrigato. Quando Marre ha vinto il premio per la Migliore Sceneggiatura a Cannes quest'anno,