I 20 film preferiti di Akira Kurosawa tra i suoi primi lavori

      Long Take è un nuovo ritratto rivelatore di Akira Kurosawa, il maestro regista giapponese i cui film classici includono Rashomon (1950), Seven Samurai (1954), The Hidden Fortress (1958), High and Low (1963) e Ran (1985). La sua influenza è evidente in film che vanno da Star Wars a The Avengers fino a A Bug’s Life, e i molti remake palesi delle sue opere includono The Magnificent Seven (nelle versioni del 1960 e del 2016) e il recente Highest 2 Lowest di Spike Lee.

      Composto un anno dopo la morte di Kurosawa, avvenuta nel 1998 all’età di 88 anni, Long Take contestualizza Akira Kurosawa attraverso la letteratura e i film che lo hanno ispirato, dal kabuki al surrealismo, dalla narrativa russa a Hollywood. Sarà disponibile per i lettori inglesi per la prima volta attraverso una nuova traduzione di Anne McKnight, professore associato di studi giapponesi e letteratura comparata presso l’University of California, Riverside, pubblicata dalla University of Minnesota Press.

      Uno dei momenti salienti del libro è una sezione intitolata The List, compilata dalla figlia di Akira Kurosawa, Kazuko, a partire da conversazioni con lui su 100 dei suoi film preferiti. Nel seguente estratto, condividiamo i primi 20 di quei film, elencati secondo l’ordine di uscita, non in ordine di preferenza, e i commenti di Kurosawa su di essi. È tradotto da Anne McKnight — M.M.

      I primi 20 film preferiti di Akira Kurosawa

      Con il cortese permesso della University of Minnesota Press – Credito: University of Minnesota Press

      1. Broken Blossoms; diretto da D. W. Griffith, 1919, USA

      Lillian Gish interpreta una ragazza molto posata — dagli occhi grandi e vestita con cura. Sua sorella era Dorothy Gish, che era un po’ più sensuale, mentre Lillian era un po’ ingenua. Era straziante vedere il suo personaggio soffrire per mano del padre. L’ho rivista in The Whales of August, e si vede che non è cambiata per nulla. Ora ha l’età di una nonna, e sono rimasto sorpreso di quanto sia invecchiata con grazia.

      2. The Cabinet of Doctor Caligari, diretto da Robert Wiene, 1920, Germania

      Quest’opera è un’icona dell’espressionismo tedesco, ma regge ancora oggi. Conoscete l’estetica dei disegni espressionisti? L’intero set è costruito in quell’estetica. Ci sono tante cose da imparare da quelle opere più antiche, capite.

      3. Dr. Mabuse the Gambler, diretto da Fritz Lang, 1922, Germania

      L’ho visto da bambino, quando Tokugawa Musei era il benshi. Mio fratello mi trascinò perché anche lui era benshi; è stato molto divertente. Con quel sinistro Mabuse maestro del travestimento. Vidi anche La Roue di Abel Gance (The Wheel, 1923) in quel periodo. Ricordo vividamente la scena del flashback con il treno in fuga; è stata davvero qualcosa.

      4. The Gold Rush, diretto da Charles Chaplin, 1925, USA

      Chaplin aveva davvero talento come attore, e la commedia è la più difficile di tutte. Far piangere la gente è facile. Era anche un bravo regista ed era molto versato in musica; aveva così tanti talenti che non sapeva cosa farne. Penso che Beat Takeshi sia molto simile a lui.

      5. The Fall of the House of Usher, diretto da Jean Epstein, 1928, Francia

      Nonostante sia un muto composto puramente di immagini, si ha l’illusione di sentire il suono. L’uso dell’immagine ha poteri espressivi straordinari. Ogni volta che inizio a girare un film, mi chiedo sempre come sarebbe se lo girassi come un muto.

      6. Un Chien Andalou, diretto da Luis Buñuel, 1928, Francia

      È scioccante — quella scena vicino all’inizio in cui l’occhio della donna appare improvvisamente sullo schermo e il rasoio lo lacerà. Il soggetto di Dalí è trasposto sullo schermo in modo così vivido, con inquadrature connesse in quel modo che sembra casuale tipico di un sogno. Quando giravo Rashomon mi è stato molto utile ricordare quelle tecniche del surrealismo.

      7. Morocco, diretto da Josef Von Sternberg, 1930, USA

      Veramente un film che merita il nome di picture. Fu realizzato con un budget molto basso, ma è davvero ben fatto — specialmente gli spostamenti della macchina da presa e le texture di luce e ombra che funzionano in modo così atmosferico. Questo film mi ha veramente impressionato.

      8. Congress Dances, diretto da Erik Charell, 1931, Germania

      È il primo film che ha utilizzato la tecnica del playback, abbinando le canzoni a un suono preregistrato. È un vero capolavoro, un’operetta. Le sue canzoni entrano e escono dalla storia, contribuendo a sviluppare i personaggi, e il movimento della macchina da presa è semplicemente fantastico. L’ho rivisto e, come ci si aspetta, ho pensato alle molte, molte cose che dovremmo imparare da questi vecchi film.

      9. Threepenny Opera, diretto da G. W. Pabst, 1931, Germania

      Ho spesso pensato che mi piacerebbe fare un remake di Threepenny Opera. Molti ci hanno provato con le loro versioni, ma penso che quella di Pabst sia di gran lunga la migliore del gruppo. È davvero un grande lavoro.

      10. Unfinished Symphony, diretto da Willi Forst e Anthony Asquith, 1934, Austria/Inghilterra

      È un’opera così elegante; mi piace molto. Usa molto bene la musica di Schubert e la integra magnificamente nel dramma complessivo di come la sinfonia sia rimasta “incompiuta”, con solo due movimenti.

      11. The Thin Man, diretto da W. S. Van Dyke, 1934, USA

      Van Dyke era rinomato per i suoi film d’azione, quindi il ritmo è davvero buono. È tratto da un romanzo di Dashiell Hammett, e la coppia di detective e il loro cane erano molto popolari. È diventato una serie, ma il primo è stato davvero il più divertente.

      12. Our Neighbor Miss Yae, diretto da Shimazu Yasujiro, 1934, Giappone

      Era soprannominato Old Man Shimazu, dato che era salito di grado fino a diventare regista. Aveva fatto la gavetta come aiuto regista, e come John Ford o William Wyler, che si sono fatti strada nel sistema degli studi, le sue opere erano davvero in una classe a parte. Era — come posso dirlo? — una vera persona del cinema alla vecchia maniera.

      13. The Million Ryo Pot, diretto da Yamanaka Sadao, 1935, Giappone

      Anche quando era aiuto regista, Yamanaka era davvero dall’indole mite; sembrava sempre un po’ nel suo mondo, molto riservato. Ma quando divenne regista, all’improvviso divenne piuttosto eloquente; aveva molto talento. Fu un colpo terribile per il cinema giapponese quando morì troppo giovane. Inoltre, gli studi non hanno conservato nessuno dei suoi film, il che mi fa davvero arrabbiare. Ma cosa diamine pensano?

      14. Capricious Young Man, diretto da Itami Mansaku, 1936, Giappone

      Quest’opera di Itami appare particolarmente fresca. Ha sperimentato molte cose diverse in questo film; è molto divertente da guardare. Itami-san ha sempre parlato molto bene del mio lavoro e mi ha dato molti buoni consigli; mi sento davvero fortunato.

      15. The Grand Illusion, diretto da Jean Renoir, 1937, Francia

      Questo film ha come protagonista Eric von Stroheim, che diresse e interpretò Foolish Wives; il film nel complesso è straordinario, e lo è anche Stroheim. Ho avuto la fortuna di incontrare Renoir quando visitai Parigi. È di gran lunga più anziano di me, quindi fui sorpreso quando mi parlò con così tante formule di rispetto quando ci incontrammo. Quando ci allontanammo in macchina, fui toccato dal fatto che ci guardò e ci salutò finché non girammo l’angolo.

      16. Stella Dallas, diretto da King Vidor, 1937, USA

      Barbara Stanwyck è famosa per questo ruolo, che drammatizza il fatto che una donna è forte e una madre farebbe qualsiasi cosa per il suo bambino. Mi sono commosso fino alle lacrime nell’ultima scena. La cantante Bette Midler ha interpretato lo stesso ruolo in un remake, ed è stata anche quella una performance piuttosto buona; un bel film.

      17. The School for Spelling, diretto da Yamamoto Kajirō, 1938, Giappone

      Yamakaji-san è stato un così buon maestro per me. Sul set si lavorava moltissimo, e Yama-san mi faceva fare ogni tipo di cosa, era sempre lavoro, lavoro, lavoro. Più tardi sua moglie mi disse: “Era davvero felice,” perché disse “adesso Kurosawa è capace di tutto.” È vero, ho capito: Yama-san mi ha insegnato tutte queste cose, dal montaggio alla sceneggiatura, dai costumi alle proprietà di scena. Ora mi rendo conto che tutto quel correre è stato utile, e ne sono così grato.

      18. Earth, diretto da Uchida Tomu, 1939, Giappone

      Uchida Tomu ha avuto una carriera davvero incredibile. Penso sia stato anche senzatetto per un periodo. Era anche attore e una specie di eccentrico; credo che abbia lavorato come aiuto regista per qualcuno che aveva lavorato a Hollywood. I suoi film a grande budget sono buoni, ma a me piacciono molto i suoi primi come Unending Advance. Purtroppo molti dei suoi film sono andati perduti. Vorrei davvero che pensassero a qualche legge per la conservazione del film in Giappone.

      19. Ninotchka, diretto da Ernst Lubitsch, 1939, USA

      Questo è un lavoro abbastanza sofisticato. Garbo recita in un ruolo diverso dal solito. Mi sorprese quanto fosse brava nella commedia. D’altra parte, fu Billy Wilder a scrivere la sceneggiatura, quindi non c’è da stupirsi che i dialoghi siano così buoni. Lubitsch lavora sin dall’epoca del muto e ha fatto molti musical, film-cine-operetta; è un uomo di talento straordinario.

      20. Ivan the Terrible, Parts I and II, diretto da Sergei Eisenstein, 1944-46, Unione Sovietica

      Henri Langlois presentò il mio Rashomon al Festival di Venezia, quindi gli sarò sempre debitore. Mi disse che era meglio che dessi un’occhiata a come Eisenstein usò il colore nella scena del banchetto di Ivan the Terrible. Mi disse anche che era meglio che cominciassi a lavorare in colore, e è vero: quando lo vidi rimasi sbalordito. Iniziai a giocare con il colore in Dodes’ka-den, e da Kagemusha in poi lo usai sul serio. A quel tempo Langlois era già morto, e quando dissi che mi sarebbe piaciuto mostrarle Kagemusha, la moglie di William Wyler disse: “Sicuramente è arrivato a Cannes (dal paradiso), e ci sta guardando insieme a noi.” Fino a quel momento avevo sempre odiato i festival cinematografici, ma da allora in poi presi l’abitudine di andare a Cannes.

      Long Take sarà pubblicato il 3 febbraio dalla University of Minnesota Press.

      Estratto ripubblicato da Long Take di Akira Kurosawa; tradotto da Anne McKnight. In uscita dalla University of Minnesota Press. Copyright 2025 di McKnight. Tutti i diritti riservati. Usato con permesso. Pubblicato originariamente in giapponese in Akira Kurosawa, Yume wa tensai de aru (Dreams are forms of genius), a cura di Bungeishunjū Ltd. Copyright Kurosawa Production, K&K Bros., Bungeishunjū Ltd., 1999. Tutti i diritti riservati.

      Immagine principale: Akira Kurosawa su Kinema Junpo, numero speciale di dicembre 1960. Via Wikimedia Commons.

      Questo articolo è apparso per la prima volta nell’edizione autunnale 2025 di MovieMaker.