Las 20 películas favoritas de los primeros años de Akira Kurosawa

      Long Take es un revelador nuevo retrato de Akira Kurosawa, el maestro cineasta japonés cuyas películas clásicas incluyen Rashomon (1950), Seven Samurai (1954), The Hidden Fortress (1958), High and Low (1963) y Ran (1985). Su influencia es obvia en películas que van desde Star Wars hasta The Avengers y A Bug’s Life, y los numerosos remakes explícitos de su obra incluyen The Magnificent Seven (tanto las versiones de 1960 como la de 2016) y el reciente Highest 2 Lowest de Spike Lee.

      Compilado un año después de la muerte de Kurosawa en 1998, a la edad de 88 años, Long Take contextualiza a Akira Kurosawa a través de la literatura y el cine que lo inspiraron, desde el kabuki hasta el surrealismo, la ficción rusa y Hollywood. Estará disponible para lectores angloparlantes por primera vez mediante una nueva traducción de Anne McKnight, profesora asociada de japonés y literatura comparada en la University of California, Riverside, que será publicada por la University of Minnesota Press.

      Uno de los puntos destacados del libro es una sección titulada The List, compilada por la hija de Akira Kurosawa, Kazuko, a partir de conversaciones con él sobre 100 de sus películas favoritas. En el siguiente extracto, compartimos las primeras 20 de esas películas, enumeradas por orden de estreno, no por orden de preferencia, y los comentarios de Kurosawa sobre ellas. Está traducido por Anne McKnight—M.M.

      Las primeras 20 de las 100 películas favoritas de Akira Kurosawa

      Cortesía de University of Minnesota Press – Crédito: University of Minnesota Press

      1. Broken Blossoms; dirigida por D. W. Griffith, 1919, Estados Unidos

      Lillian Gish interpreta a una chica muy correcta—ojos muy abiertos y vestida con esmero. Su hermana fue Dorothy Gish, que era un poco más sensual, mientras que Lillian era algo ingenua. Era desgarrador ver a su personaje sufrir a manos de su padre. La volví a ver en The Whales of August, y se nota que no ha cambiado nada. Ahora tiene la edad de una abuela, y me sorprendió que haya envejecido con tanta gracia.

      2. The Cabinet of Doctor Caligari, dirigida por Robert Wiene, 1920, Alemania

      Esta es una obra emblemática del expresionismo alemán, pero todavía se mantiene hoy en día. ¿Conoces el aspecto de los dibujos expresionistas? Todo el decorado está construido con esa estética. Hay tantas cosas que aprender de esas obras anteriores, ¿sabes?

      3. Dr. Mabuse the Gambler, dirigida por Fritz Lang, 1922, Alemania

      La vi de niño, en la época en que Tokugawa Musei era el benshi. Mi hermano me arrastró porque él también era benshi; fue muy divertido. Con ese siniestro Mabuse como maestro del disfraz. Vi La Roue (The Wheel, 1923) de Abel Gance por esa época. Recuerdo vívidamente la escena del flashback con el tren fuera de control; eso fue realmente algo.

      4. The Gold Rush, dirigida por Charles Chaplin, 1925, Estados Unidos

      Chaplin realmente tenía talento como actor, y la comedia es lo más difícil de todo. Hacer llorar a la gente es fácil. También tenía talento como director y conocía mucho la música; tenía tantos talentos que casi no sabía qué hacer con todos ellos. Creo que Beat Takeshi es bastante parecido.

      Akira Kurosawa en el set de Seven Samurai (1954). Toho Co. Ltd – Crédito: Toho

      5. The Fall of the House of Usher, dirigida por Jean Epstein, 1928, Francia

      Aunque es muda y está compuesta puramente de imágenes, tienes la ilusión de oír el sonido. Ese uso de la imagen tiene poderes expresivos asombrosos. Cada vez que empiezo a rodar una película, me propongo preguntarme cómo sería si la rodara como muda.

      6. Un Chien Andalou, dirigida por Luis Buñuel, 1928, Francia

      Es impactante—esa escena cerca del principio donde el globo ocular de la mujer aparece repentinamente en la pantalla y la navaja lo atraviesa. El argumento de Dalí se traslada a la pantalla de forma tan vívida, con los planos conectados de esa manera que parece aleatoria que tienes en un sueño. Cuando rodaba Rashomon me ayudó mucho recordar esas técnicas del surrealismo.

      7. Morocco, dirigida por Josef Von Sternberg, 1930, Estados Unidos

      Realmente una película conmovedora que merece el nombre. Se hizo con un presupuesto muy bajo, pero está muy bien hecha—especialmente los desplazamientos de la cámara y las texturas de luz y sombra que funcionan tan atmosféricamente. Quedé muy impresionado por esta película.

      8. Congress Dances, dirigida por Erik Charell, 1931, Alemania

      Esta es la primera película que usó la técnica del playback, ajustando las canciones a un sonido preregistrado. Es una verdadera obra maestra, una opereta. Sus canciones entran y salen de la historia, sirviendo para desarrollar a los personajes, y el movimiento de la cámara es simplemente fantástico. La volví a ver, y como era de esperar, pensé en las muchas, muchas cosas que deberíamos aprender de estas películas antiguas.

      Akira Kurosawa en el set de Red Beard (1965). Toho Co. Ltd – Crédito: Toho

      9. Threepenny Opera, dirigida por G. W. Pabst, 1931, Alemania

      A menudo he pensado que me gustaría hacer un remake de Threepenny Opera. Mucha gente ha intentado sus propias versiones, pero creo que la de Pabst es, con diferencia, la mejor del lote. Es realmente una gran obra.

      10. Unfinished Symphony, dirigida por Willi Forst y Anthony Asquith, 1934, Austria/Inglaterra

      Es una obra muy elegante; me gusta mucho. Usa la música de Schubert muy bien y la integra de forma hermosa en el drama general de cómo la sinfonía quedó “inconclusa”, con solo dos movimientos.

      11. The Thin Man, dirigida por W. S. Van Dyke, 1934, Estados Unidos

      Van Dyke era famoso por sus películas de acción, así que el tempo es realmente bueno. Está basada en una novela de Dashiell Hammett, y la pareja de detectives y su perro fueron realmente populares. Se convirtió en una serie, pero la primera fue realmente la más entretenida.

      12. Our Neighbor Miss Yae, dirigida por Shimazu Yasujiro, 1934, Japón

      Lo apodaban Old Man Shimazu, ya que había ascendido hasta llegar a director. Pagó sus deudas como ayudante de dirección, y como John Ford o William Wyler, que se abrieron camino a través del sistema de estudio, sus obras estaban realmente en una categoría aparte. Él era—¿cómo decirlo?—un verdadero hombre del cine a la antigua.

      Akira Kurosawa y Toshirō Mifune en el set de Yojimbo (1961). Toho Co. Ltd – Crédito: Toho

      13. The Million Ryo Pot, dirigida por Yamanaka Sadao, 1935, Japón

      Incluso cuando era ayudante de dirección, Yamanaka era realmente de trato suave; siempre parecía estar un poco en su propio mundo, muy contenido. Pero cuando llegó a ser director, de repente se volvió bastante elocuente; tenía mucho talento. Fue un golpe terrible para el cine japonés cuando murió demasiado joven. Además, los estudios no han conservado ninguna de sus películas, lo que realmente me enfada. ¿En qué demonios estarán pensando?

      14. Capricious Young Man, dirigida por Itami Mansaku, 1936, Japón

      Esta obra de Itami se siente especialmente fresca. Experimentó con muchas cosas diferentes en esta película; es muy divertida de ver. Itami-san siempre habló muy bien de mi trabajo, [y] me dio muchos buenos consejos; me siento realmente afortunado.

      15. The Grand Illusion, dirigida por Jean Renoir, 1937, Francia

      Esta película protagoniza a Eric von Stroheim, que dirigió e interpretó Foolish Wives; la película en su conjunto es increíble, y Stroheim también. Tuve la suerte de conocer a Renoir cuando visité París. Él es, con mucho, mayor que yo, así que me sorprendió cuando me habló con tanta deferencia cuando nos conocimos. Cuando nos fuimos en el coche, me emocionó que nos mirara y saludara hasta que doblamos la esquina.

      16. Stella Dallas, dirigida por King Vidor, 1937, Estados Unidos

      Barbara Stanwyck es famosa por este papel, que dramatiza que una mujer es fuerte, y que una madre hará cualquier cosa por el bien de su hijo. Me conmovió hasta el nudo en la garganta en la escena final. La cantante Bette Midler hizo el mismo papel en un remake, y también fue una actuación bastante buena; una película muy estimable.

      17. The School for Spelling, dirigida por Yamamoto Kajirō, 1938, Japón

      Yamakaji-san fue un gran maestro para mí. Estaba realmente ocupado en el set, y Yama-san me hacía hacer todo tipo de cosas, y era trabajo, trabajo, trabajo todo el tiempo. Más tarde su esposa me dijo: “Él estaba realmente feliz”, porque dijo “ahora Kurosawa es capaz de cualquier cosa”. Es cierto, me di cuenta: Yama-san me enseñó cada una de esas cosas, desde montaje hasta guion, vestuario y atrezo. Ahora me doy cuenta de que todo ese andar ha dado sus frutos, y estoy muy agradecido.

      18. Earth, dirigida por Uchida Tomu, 1939, Japón

      Uchida Tomu tuvo una carrera bastante increíble. Creo que estuvo incluso sin hogar durante un tiempo. También fue actor, y algo excéntrico; creo que trabajó como ayudante de dirección para alguien que había trabajado en Hollywood. Sus películas de gran presupuesto están bien, pero realmente me gustan sus primeras como Unending Advance. Desgraciadamente, muchas de sus películas se han perdido. Realmente desearía que pensaran en algún tipo de ley de preservación cinematográfica en Japón.

      19. Ninotchka, dirigida por Ernst Lubitsch, 1939, Estados Unidos

      Es una obra bastante sofisticada. Garbo protagoniza en un papel distinto a su papel habitual. Me sorprendió que fuera tan buena en la comedia. Luego otra vez, fue Billy Wilder quien hizo el guion, así que no es de extrañar que los diálogos sean tan buenos. Lubitsch ha trabajado desde la era del cine mudo e hizo muchas operetas cinematográficas; es un hombre increíblemente talentoso.

      20. Ivan the Terrible, Parts I and II, dirigidas por Sergei Eisenstein, 1944-46, Unión Soviética

      Henri Langlois presentó mi Rashomon en el Festival de Venecia, así que le estaré eternamente agradecido. Me dijo que sería mejor que echara un vistazo a cómo Eisenstein usó el color en la escena del banquete de Ivan the Terrible. También me dijo que sería mejor que empezara a trabajar en color, y es verdad, cuando lo vi, me dejó pasmado. Empecé a jugar con el color en Dodes’ka-den, y a partir de Kagemusha lo usé de verdad. Para entonces, Langlois ya había muerto, y cuando dije que me habría encantado mostrarle Kagemusha, la esposa de William Wyler dijo: “Seguramente ha llegado a Cannes (desde el cielo), y nos está mirando junto a nosotros.” Hasta ese momento siempre había odiado los festivales de cine, pero desde entonces me acostumbré a ir a Cannes.

      Long Take se publicará el 3 de febrero por University of Minnesota Press.

      Extracto reimpreso de Long Take por Akira Kurosawa; traducido por Anne McKnight. Próximo a publicarse por la University of Minnesota Press. Copyright 2025 por McKnight. Todos los derechos reservados. Usado con permiso. Publicado originalmente en japonés en Akira Kurosawa, Yume wa tensai de aru (Dreams are forms of genius), editado por Bungeishunjū Ltd. Copyright Kurosawa Production, K&K Bros., Bungeishunjū Ltd., 1999. Todos los derechos reservados.

      Imagen principal: Akira Kurosawa en Kinema Junpo, número especial de diciembre de 1960. Vía Wikimedia Commons.

      Este artículo apareció por primera vez en la edición de otoño de 2025 de MovieMaker.