Adam Elliot, director de "Memorias de un caracol", habla de la emotividad de su público y de por qué no ganará el Oscar

      Hace dos décadas, el animador de stop-motion Adam Elliot irrumpió en escena con su maravilloso corto Harvie Krumpet. La historia de un hombre maldecido de por vida por la mala suerte le valió un Oscar y dio a conocer al mundo entero el perverso sentido del humor de Elliot, su enorme corazón y su singular estilo de animación. Un poco feo, un poco bello, totalmente propio, el trabajo en stop-motion de Elliot se desmarcaba de los mundos de Henry Selick y Nick Park. Sus creaciones de arcilla -personas deformes y amorosamente representadas- viven vidas cómicas y trágicas a partes iguales. Su obra siempre se desvía hacia lo existencial, reflejando sus propias experiencias vitales.

      Elliot denomina a su obra "Clayography" y le gusta pensar que es animación para adultos. Con muerte, enfermedad y calamidades, las películas recorren toda la gama de la existencia humana. Aunque no suaviza la realidad de cosas como la obesidad, la adicción o la propia muerte, hay una calidez, una hilaridad en el desastre que permite que lo asimilen todas las edades. Además del estilo artesanal y texturizado que emplea (nada está hecho más que con materias primas), es esta cualidad la que lo diferencia de sus contemporáneos animados. Mientras Pixar infantiliza conceptos tan profundos como la muerte, la raza o la igualdad -con razón, ya que su público son, de hecho, niños-, la obra de Elliot obliga al espectador a implicarse de lleno.

      Veinte años después de aquel Oscar que cambió su carrera, Elliot vuelve a los premios con la tremenda Memorias de un caracol. En su segundo largometraje, el director explora muchas inclinaciones: la muerte, la adicción y la alteridad, esta vez siguiendo la vida de una aspirante a cineasta de stop-motion, Grace Pudel (Sarah Snook). Conocemos a Grace al final de una vida, no la suya, sino la de su mejor (o única) amiga Pinky, una anciana excéntrica. Mientras deja marchar a su querido caracol Sylvia, se sienta en el patio trasero de Pinky y cuenta la historia de su vida. Grace y su hermano Gilbert disfrutaron de una vida pobre pero llena de amor con su padre viudo y alcohólico, un antiguo artista callejero parisino, hasta su prematuro fallecimiento. Separados por el Estado y colocados en diferentes hogares de acogida, la vida de Grace se precipita en una serie de desgracias. Con la única compañía de sus caracoles, Grace se consuela comiendo en exceso y acumulando cosas, y Elliot describe su espiral con amorosa empatía. Por muy deprimente que parezca todo esto, el característico humor de Elliot es un bálsamo para enfrentarse a estas luchas oscuras e innatamente humanas. Sus creaciones de arcilla son algunos de los personajes más humanos que se pueden ver en pantalla.

      Antes de los Oscar, me senté con Adam Elliot para hablar de cómo retratar la discapacidad y la desfiguración con empatía, cómo afrontar la enfermedad mental, cómo persistir en un "medio muerto" y mucho más.

      The Film Stage: Me encanta el hecho de que su trabajo gire a menudo en torno a esta cita de Kierkegaard: "La vida sólo se puede entender hacia atrás, pero hay que vivirla hacia delante" La utilizó en su cortometraje Uncle hace años, y luego la ha vuelto a utilizar aquí en Memoir of a Snail. ¿Hubo algún momento en el que pensaste: "Oh, esta cita se aplica perfectamente a la vida de un caracol"? Adam Elliot: En realidad es una de mis citas favoritas, y sí: la he reutilizado porque me gusta mucho. Y cuando la utilicé en mi película de estudiante... Me encantan las citas, colecciono citas, siempre estoy citando citas, y me topé con ella cuando tenía veintitantos años y fue una revelación tan profunda. Pero en cierto modo es una cita bastante trillada, ¿no? Es una cita bastante simplista, pero sigo pensando que es profunda en su simplicidad, y es algo a lo que intento atenerme en mi propia vida. Me preocupo mucho. Estoy en el espectro del TOC. Me obsesiono con todo y pierdo mucha energía y tiempo preocupándome por el pasado. Así que siempre intento recordarme a mí misma: olvida el ayer. Se trata del hoy, del mañana. Así que en esta película siempre he querido incluir un par de citas que me gustan, y esta me venía a la cabeza porque me parecía que encajaba perfectamente en la película, que tenía una importancia real para Grace como una forma de liberarse de sus adicciones y de enfrentarse al trauma y a la pérdida, y que necesita purgarse y avanzar para volver a ser una persona completa. Así que sí: por supuesto que deseaba haber escrito esa cita. No es mía, y siempre le digo a la gente que no es mía: es de Søren Kierkegaard. Creo que la oí en el instituto, pero me impactó cuando tenía veintitantos años. Pero sí: me preocupaba, en realidad, que fuera demasiado simplista para esta película. Creo que a medida que envejezco y me vuelvo más filosófico y existencialista, pensé: "Oh, no... no es lo bastante profundo" Pero resulta que sobre todo los jóvenes la citan en Letterboxd y en las redes sociales. Para ellos es una revelación; creo que, para el público de más edad, bueno: todos lo hemos oído antes. [Su obra trata a menudo sobre la discapacidad, la desfiguración o la enfermedad. En Harvie Krumpet, vive con Tourettes y adicción. Aquí, Grace tiene el paladar hendido. Se enfrenta a la obesidad y al acaparamiento. Históricamente, la animación ha mostrado este tipo de cosas de forma burlona. Pero lo que me gusta de su trabajo es que hay una empatía tan obvia para ellos. Nunca es burlón. ¿Qué significa para ti presentar una especie de representación de la gente que puede vivir con estas condiciones? Oh, claro. Buena pregunta. Mira: es muy importante porque estos personajes son mi familia y mis amigos y los respeto, y hay mucha sinceridad en la escritura, y quiero que sus representaciones sean lo más exactas posible. Por ejemplo, mi última película, Mary y Max, trataba de mi verdadero amigo por correspondencia en Nueva York, y quería asegurarme de que su versión de lo que es tener Asperger fuera lo más exacta posible. Así que él fue mi guía. Hablé con psicólogos y expertos en neurodivergencia y espectro. Y de nuevo: con esta película, está basada en mi amiga real que nació con paladar hendido, así que la infancia de Grace imita las experiencias que ella tuvo. Así que sí: me fascina la mente humana. Me fascinan las enfermedades mentales. Me fascinan las cosas que desearíamos no tener. Y creo que lo que intento decir con todas mis películas -y sólo en retrospectiva empiezas realmente a psicoanalizarte- es que todos tenemos defectos. Todos tenemos cosas que desearíamos no tener. Y muchas de ellas no son defectos. En realidad son cosas que deberíamos celebrar de nosotros mismos. Se trata de aceptar tus defectos, pero también los de los demás. Quiero decir, ciertamente tengo mi parte justa de cosas que desearía no tener. Es una lista bastante larga, pero ahora que tengo 50 años he aprendido a aceptar muchas de ellas. Hay unas cuantas. Ojalá tuviera pelo. [A ese respecto, algo en lo que pienso a menudo es que coleccionar es un rasgo tan humano. Quiero decir, detrás de mí ves una tonelada de películas, y esos son sólo dos estantes de los muchos que hay por todo mi apartamento. Sé que esto se basó en cierto modo en los descubrimientos que habías hecho sobre el acaparamiento de tu padre después de que falleciera y estuvieras revisando el garaje. Y me pregunto: ¿qué crees que provoca el salto del coleccionismo al acaparamiento total? ¿De dónde crees que viene ese impulso? Psicológicamente -bueno, según los psicólogos- es cuando aparece la vergüenza. Para el acaparador, es cuando se convierte en un problema y en una disfunción. Así que los acaparadores extremos rara vez invitan a la gente a sus casas - se avergüenzan de lo que hay dentro - y más a menudo que no, los acaparadores extremos han sufrido un alto grado de trauma en algún momento de sus vidas. Y a menudo es la pérdida de un hijo o un hermano o un gemelo, y que el acaparamiento se convierte en un mecanismo de afrontamiento para hacer frente a eso. No en todos los casos, pero la mayoria de las veces a los acaparadores severos les ha ocurrido algo realmente traumatico, y tiene mucho que ver con la perdida y con que no pueden soportar mas perdidas en sus vidas. Así que coleccionan todas estas cosas y eso se convierte en una especie de zona de confort a su alrededor - un amortiguador y un escudo. Y sé que, para mi padre, luchó contra la depresión durante toda su vida. Nunca se sintió cómodo en su propia piel. Y ahora veo, en retrospectiva, que todas estas cosas que tenía eran una manera para él de ir y sentarse en medio de todo y sentirse protegido, casi como un útero. Se convirtió en una especie de zona de confort. Y desearía, en retrospectiva, haber visto eso. Pero es sólo a través del análisis y la investigación que me he dado cuenta de eso. Así que sí: Quiero decir, no hay nada malo en coleccionar. Celebro el coleccionismo. Pero es cuando eso se vuelve disfuncional y algo que desearías no tener en tu vida.

      

      Hemos estado un poco pesados aquí, así que quiero cambiar a algo más ligero. Tus personajes tienen una personalidad increíble. La gente de tus películas parece tan absurda, pero también parece gente con la que te cruzarías por la calle. En concreto, el personaje al que siempre vuelvo, el favorito de los fans de esta película, es Pinky. Creo que he conocido a muchas mujeres mayores y valientes en un bar que tienen historias que contar y nunca tienen esa oportunidad. ¿Hubo alguna "Pinky" en tu vida? Sí, de hecho conozco a un par. Siempre me han fascinado los hombres mayores, las mujeres mayores que han dejado atrás el miedo a la vergüenza. Son espíritus libres y son alguien a quien aspiramos a pensar: "Oh, si yo pudiera tener esa actitud despreocupada" Y mucha gente lo consigue cuando envejece. Mucha gente no, pero Pinky se basa en tres personas. Así que hay un poco de mi madre ahí, pero también una mujer que conocí en un festival de animación hace muchos años en un bar. Me estaba contando la historia de su vida. Era muy colorida, visualmente. Me contó que fue una de las fundadoras del festival Burning Man, aquí en Estados Unidos. Y me contó que una vez jugó al ping pong con Fidel Castro. Pensé: "Estás de broma" Al principio no la creí, ¡pero era verdad! Y también hay una mujer en mi edificio de Melbourne cuya familia fundó el imperio del chocolate Ghirardelli en San Francisco. Se enamoró de un australiano, se mudó a Australia, la familia perdió una fortuna o algo así; no lo sé. No acabó con mucho dinero, pero también ha llevado una vida pintoresca. Jura, golpea a la gente con un bastón, y me encanta esa extravagancia y excentricidad. Y, de hecho, acabo de empezar a escribir mi próxima película, porque Pinky ha sido un personaje tan exitoso, y ahora quiero contar la historia de una persona mayor. La gente que da vida a tus personajes, el gran reparto que tienes, especialmente en esta película -Jackie Weaver como Pinky y Sarah Snook como Grace-, están dando unas interpretaciones tan completas y vividas. Mi especialidad como periodista cinematográfico es el cine de acción. A lo largo de los años se ha hablado mucho de que no hay un Oscar para los dobles de acción. Creo que se podría argumentar lo mismo en favor de un Oscar a la actuación de voz. ¿Cuáles son algunos de los retos que supone tener que dirigir una actuación sabiendo que va a ser V.O.?

      Sí, es todo un reto. Y lo maravilloso que acaba de ocurrir esta semana en Australia es que Sarah y Jackie han ganado el premio al mejor actor y actriz de reparto en sus categorías en nuestra versión de los Oscar, los AACTA. Y es la primera vez que ocurre. Estoy seguro de que había algunos nominados descontentos que se enfrentaban a ellas, pero me alegro de que haya sucedido porque demuestra que lo importante es la interpretación, no el vestuario ni el maquillaje ni lo que se ve, sino también lo que se oye. Y pasamos cientos de horas con todos mis actores individualmente intentando conseguir la interpretación más auténtica y creíble que tuviera verdad. Y utilizo mucho la palabra "verosimilitud" porque eso es lo que busco, ese momento de la película en el que sientes que es la verdad absoluta. Lo que hicimos con Sarah fue traer uno de los caracoles, Sylvia, y ponerlo a su lado para que hablara con el caracol. Así conseguimos esa hermosa intimidad y tranquilidad, autorreflexión e introspección. Por eso es una interpretación tan convincente, aunque sean manchas de arcilla. Y creo que eso es lo que confunde a la gente, que sale del cine con la sensación de haber visto una película de imagen real, pero sabe que le han engañado. Todo era una suspensión de la incredulidad. Y eso me encanta; me encanta la belleza de la animación. Se puede manipular al público y aumentar las emociones. Y ése es mi objetivo en cada película: hacer reír, hacer llorar, el humor, el patetismo, la comedia, la tragedia, la luz, la oscuridad. Es esa dualidad. Me encanta contar historias en las que se puede pulsar una multitud de botones en la persona y agotarla al final, que es lo que quiero. Quiero que sean un desastre emocional al final de la película.

      Esta es una pregunta personal para mí y, por extensión, también para mi compañero. Te vimos en el Museo de la Imagen en Movimiento cuando hiciste tus proyecciones allí, y hablaste un poco de cómo te dijeron hace años, al principio de tu carrera, que estabas persiguiendo un medio muerto. Es algo existencial que tengo en la cabeza todo el tiempo como escritor. Todo gira en torno al vídeo, y luego gira en torno a la inteligencia artificial. Ya nadie lee. Y mi pareja trabaja en televisión, y esos trabajos se están agotando. Cuando te dicen algo así, que estás caminando hacia un callejón sin salida, ¿de dónde sale la paciencia y la fuerza para persistir?

      Confío en mis instintos, pero también creo que un poco de sana ingenuidad ayuda, porque vuelvo a lo que me enseñó mi profesora de guión. Nos dijo en la primera semana de la escuela de cine, hace 29 años: "No me importa lo que animes, ordenador, arcilla, yeso, lo que sea. Puedes animar tu propio excremento por lo que me importa, siempre y cuando cuentes una buena historia" Dijo: "El público siempre perdonará una mala animación, un mal montaje, un mal sonido, pero nunca perdonará una mala historia" Fue una revelación muy profunda para mí de joven, y siempre me he ceñido a ella. Es como: mientras la historia sea fuerte, no importa. Mi presupuesto es tan bajo y patético, que no importa. No podemos permitirnos caminar o hablar tanto como nos gustaría en la película. El público perdonará todo eso. Y mientras las historias parezcan lo más pulidas posible, mientras sean universales, mientras conecten, entonces todo irá bien. Incluso con mis dibujos: Me encanta dibujar y me encanta utilizar el dibujo como experimento, así que dibujaré algo que me encanta y se lo enseñaré a alguien como prueba y no responderá. Diré: "Vale, ¿por qué no responden a ese dibujo?" Porque no les está resonando. Así que lo vuelvo a dibujar y lo hago de una forma más empática o atractiva. Se trata simplemente de esperar y confiar en que, como seres humanos, necesitamos narradores. Necesitamos contar historias en nuestras vidas. Me encanta esa cita: "Contar historias es equipo para vivir" Creo que nos contamos historias todos los días. Es una forma de sobrellevarlo, pero también de darnos la confianza, el valor y la convicción para seguir adelante. Cuando empezamos esta película, la IA no existía. Ahora que hemos terminado la película, la IA amenaza nuestras vidas y, como usted dice, los puestos de trabajo se están agotando. Tengo amigos ilustradores que están perdiendo trabajo por culpa de la IA. Es preocupante, pero siempre vuelvo al hecho de que la comunidad artística está reaccionando con fuerza contra la IA, lo cual es estupendo. Tuve la suerte de cenar con Guillermo del Toro hace unas semanas, y es muy contrario a la IA y está formando grupos de presión en su contra. Así que creo que hay una fuerte reacción en contra. Y creo que, por desgracia, no hay tantas regulaciones en este momento, pero los actores, por supuesto, tuvieron la huelga de actores hace unos años. Ahora tienen contratos muy rígidos y explícitos que prohíben el robo o la reutilización de sus identidades. Así que sí: la batalla ha comenzado, pero creo que el stop-motion está bien por el momento. Pero, del mismo modo, la escritura y los poetas y todo el mundo, es como: ¿por qué la IA tiene que atacar primero a las artes? ¿Por qué no puede atacar la política u otra cosa? ¿Vendedores de coches usados? [Sigo volviendo a la esperanza de que el deseo de productos hechos a mano, sean cuales sean, triunfe. Creo que lo que tiene de especial tu trabajo es que se pueden ver las pinceladas, las huellas dactilares, se puede ver el trabajo que se ha invertido en él. Es la misma razón por la que tejer sigue siendo tan popular como siempre. La cestería, la panadería, las librerías están en auge. La gente vuelve a comprar DVD. Vamos a sacar la película en Blu-ray. Nunca pensé que fuera a ocurrir, pero sin duda hay un mayor aprecio, como usted dice, por las cosas hechas por seres humanos. Algo que es tan humano como cualquier otra cosa es nuestra relación con la muerte. La muerte es casi una amiga invisible en toda su obra, aquello a lo que se enfrentan sus personajes. Me parece fascinante porque, a primera vista, sus películas son tan ligeras y divertidas, pero luego, cuando te metes en ellas, son objetos pesados y encantadores. Su obra anterior podría considerarse un poco más sombría. Esta película, sin embargo, tiene un final feliz. ¿Cómo ha cambiado su relación con la muerte a medida que envejecía? Ciertamente tengo una obsesión con la muerte. Siempre estoy pensando en mi propia muerte. Sé que Woody Allen tenía una obsesión constante con la muerte. No es que me esté comparando con Woody Allen [Risas], pero mire: Ciertamente, me encanta coleccionar [historias sobre] muertes excéntricas, muertes divertidas. Creo que hay miedo a la muerte, con razón, pero yo soy agnóstico... o ateo, en realidad. Creo que no hay que temer a la muerte y que hay que hablar de ella, y a menudo es tabú. Como en las películas de superhéroes: hay mucha muerte, pero nunca se habla de ella. Nunca se explora qué pasa después. Así que mi próxima película va a tratar aún más sobre la muerte. ¿Y qué pasa cuando te haces mayor? ¿Qué piensas de la muerte? Y va a ser mucho más existencial. Me encanta esa otra cita: "Sin la oscuridad, la luz no tiene sentido". Así que realmente necesitas, de nuevo, esa dualidad de comedia y tragedia. Especialmente con la comedia, existe la creencia de que la risa es una liberación de la tensión. Y si tienes una escena muy oscura seguida de una escena con mucha frivolidad, entonces el humor funciona mejor. Creo que porque existe esa liberación de tensión y la muerte puede ser divertida; la muerte puede ser agradable y graciosa. Me encantan las últimas palabras de la gente, y a menudo no son profundas ni amables ni generosas. En realidad son aleatorias, estúpidas y sin sentido. Así que me encanta esa ironía en particular. Me encanta la ironía. Me encanta lo absurdo. Me encantan todas las formas de comedia, en realidad. Me propongo hacer principalmente comedias, pero acaban volviéndose muy oscuras. Y volviendo a tu pregunta: Ahora prefiero los finales felices para mis películas porque prefiero los finales felices cuando veo películas. Cuando era más joven y estaba lleno de angustia, veía todo David Lynch y todo eso. Despreciaba los finales felices, despreciaba un final Disney. Mientras que ahora es como, ¿sabes qué? Creo que la vida del público es lo suficientemente difícil; dales un final feliz. Pero tampoco quiero que sea un final Disney con todos los cabos sueltos atados. Quiero que haya ambigüedades, cosas que no estén del todo resueltas, porque así es la vida. La vida nunca se resuelve del todo antes de morir; siempre hay cosas que son confusas y no están bien atadas. Así que intento reflejar eso también en las películas. Por ejemplo: Recibo muchos correos electrónicos de jóvenes homosexuales. ¿Qué le ha pasado a Ben? ¿Dónde está Ben? Olvídate de Ben. Estará bien; encontrará la manera. ¿Por qué todo tiene que resolverse? Antes hablábamos de persistencia. Usted ganó su primer Oscar hace dos décadas y acaba de ser nominado de nuevo. ¿Es surrealista volver a estar nominado después de tanto tiempo? ¿Qué ha aprendido como cineasta en estos 20 años? Creo que he aprendido que los Oscar no son más que un gran programa de televisión. Hay tanto bombo y platillo. La primera vez que fui con Harvie, y mira: ganamos, lo cual fue maravilloso, pero recuerdo entrar en el Teatro Kodak y darme cuenta de que todo era humo y espejos. Y sí, puede cambiar tu carrera y la gente de repente piensa que tienes ese toque de Midas y que sabes lo que haces y estás lleno de confianza. Pero me sentí como un fraude durante mucho tiempo. Sentía que no me lo merecía o que no valía la pena, pero ahora es como: ¿sabes qué? Me lo merezco. Trabajé muy duro, y es una mezcla entre un concurso de belleza y una lotería. No vamos a ganar en tres semanas. Sabemos que Robot Salvaje va a asfixiar a todo el mundo y bien por ellos; bien por ellos. Hicieron una gran película y han gastado millones de dólares haciendo lobby. No tenemos dinero para presionar, de verdad. Así que nunca es justo. Conozco a todos esos cineastas que están nominados o han perdido y se lo toman todo muy en serio. Y es como: ¿sabes qué? Hay que ver el hecho de estar nominado como algo maravilloso que ha ocurrido, y utilizar esa nominación para ayudar a levantar tu próximo proyecto, porque de eso se trata. Eso es en lo que estoy centrado en este momento: la próxima película. ¿Cómo puedo utilizar esta nominación al Oscar para conseguir dinero para mi próxima película? Porque también soy productor. Así que tengo que pensar en las finanzas. Mi productor y yo solemos llamar al Oscar la "palanca de oro", porque abre puertas y sin duda ayuda. Pero si tu objetivo y tu ambición es ganar un Oscar, entonces nunca lo vas a ganar". Memoir of a Snail ya está en los cines, disponible digitalmente, y llega a Blu-ray el 25 de marzo.