El Festival de Cine de Sarajevo 2026 trae a Woody Harrelson, joyas balcánicas y fantasmas del pasado.

      En mi primera noche en Sarajevo este año, asistí a una fiesta en la residencia del embajador español. La reunión fue en honor a Rodrigo Sorogoyen, cuyo último filme, La querida, iba a proyectarse en el famoso teatro al aire libre del festival esa noche. En todos mis años asistiendo a festivales, fue la primera fiesta de este tipo a la que había asistido, pero solo era la segunda de tres invitaciones de este tipo que había recibido esa semana. La primera—un saludo casual de alguien que representaba al consulado irlandés, que simplemente mencionó mi nombre entre los asistentes—había llegado a mi bandeja de entrada la semana anterior. La otra, la más oficial de todas, había llegado del Reino Unido esa misma noche con un código de vestimenta de “fiesta en el jardín, trajes, uniformes” que me envió un ligero escalofrío postcolonial por la espalda. Esa invitación era para la noche del miércoles, cuando ya estaría regresando a casa, pero disfruté diciendo que no de todos modos.

      Casi todo lo que haces en Sarajevo puede sentirse un poco político, y no solo por los innumerables agujeros de bala de la época del asedio que aún decoran las fachadas de la mayoría de los edificios residenciales. El tranvía de la mañana desde el Hotel Holiday, donde la mayoría de los huéspedes menos estelares y la prensa internacional son alojados por el departamento de hospitalidad del festival, te deja directamente en la esquina donde Franz Ferdinand fue asesinado en 1914. En la mitad de la ciudad de mayoría musulmana, es tan probable ver una camiseta de fútbol palestina como ver el azul y amarillo de Bosnia y Herzegovina, a pesar de que el país apenas había llegado a su primera Copa del Mundo ese verano. Y luego está “El Holiday” en sí, un glorioso monumento poco práctico a la hospitalidad alfombrada de los años 90 (Kane Parsons habría tenido un día absoluto con ello) que albergó al cuerpo de prensa mundial durante los años de guerra. Si esas paredes pudieran hablar, tendrían mucho que decir; también probablemente tendrían alguna forma de cáncer de pulmón.

      Puedes ver una recreación nostálgicamente bohemia de cómo podría haber sido esa escena en Welcome to Sarajevo de Michael Winterbottom, una película de 1997 que también se proyectó en el teatro al aire libre del festival, y ante la multitud más apretada y completamente cautivada de la que he tenido la suerte de ser parte en años—realmente podrías haber oído caer un alfiler si no fuera por el zumbido del proyector de 35 mm que había sido sacado para la noche. Como película, Welcome to Sarajevo no ha envejecido de manera inmaculada de ninguna manera, pero fue filmada dentro de unos meses después de que terminara el asedio, y por lo tanto vive como un documento indeleble e invaluable de ese tiempo, sin mencionar una oportunidad para aquellos presentes esa noche (la mayoría de los cuales estaban vivos para presenciarlo) de ver un momento crucial en su historia colectiva reflejado de vuelta a ellos—un momento en que el concreto devastado y las vidas arruinadas que la guerra dejó atrás aún no podían apagar completamente el optimismo extático de un primer verano post-guerra.

      Welcome to Sarajevo se proyectaba porque la estrella de la película, el gran Woody Harrelson, había llegado a la ciudad para recoger uno de los premios anuales “Corazón de Sarajevo” del festival y admirablemente solicitó que fuera la película que proyectaran para él. Temprano ese día, vi a Harrelson encantar a un auditorio lleno durante una ruidosa clase magistral de dos horas con nuestro colega Neil Young (el mejor moderador de estas charlas que tenemos, en mi humilde opinión) que contó con numerosos vasos de Bushmills y dos actuaciones separadas de “All Shuck Up” de Elvis. Si, en las próximas semanas, la ciudad decide actualizar ese “Corazón” a algo más honorífico, no me sorprendería en lo más mínimo.

      En cuanto a nuevas películas: las mejores cosas que vi (tengan en cuenta, ya hablé maravillas de Everytime de Sandra Wollner, la ganadora del premio principal del festival, en Cannes) también eran todas de la región, que, al menos desde mi propio conocimiento limitado del cine balcánico, parece estar teniendo un momento. La más interesante fue 17 de Kosara Mitić, una película que se estrenó en el Berlinale a principios de este año. En términos de trama y acto de apertura, es casi inquietantemente similar a 3 Weeks After de Miroslav Terzić, una película serbia que me sorprendió en KVIFF este verano y que se proyectó en Sarajevo en una sección fuera de competencia. Si mostraran ambas simultáneamente, las similitudes en sus actos de apertura serían inquietantes; esa experiencia también probablemente arruinaría tu semana.

      Al igual que la pesadilla más alegórica de Terzić (y para mí, más interesante), 17 comienza con una adolescente introvertida (llamada Sara y interpretada por Eva Kostić) mientras toma un autobús que la llevará a un viaje escolar infernal. Lo que separa a las dos son imágenes que vienen antes de eso, en las que Sara es filmada en un primer plano claustrofóbico mientras su rostro es empujado contra una almohada por uno de los dos chicos no nombrados que la están sujetando fuera de la toma. El momento es una representación sutil e inconfundible de agresión sexual, del tipo que los cineastas rara vez eligen mostrar ya, y mucho menos dos veces en una película, como hace Mitić aquí. Afortunadamente, 17 es una obra mucho menos nihilista que 3 Weeks After, y no importa cuánto la cineasta ponga a su protagonista en situaciones difíciles, ella permanece resueltamente en su esquina hasta el último plano. Ninguna de las dos películas es para los débiles de corazón, pero 17 te deja al menos con algunos restos de esperanza en lo que queda de nuestra humanidad.

      La segunda película más fuerte que vi fue Dua, ambientada en Kosovo, que cuenta con la protagonista femenina outsider de 17 y el subtexto político de 3 Weeks After, aunque una versión decididamente más de nivel medio de las dos. Esta vez, nos llevan de regreso a los años 90 para la historia de una niña de 13 años que comienza a experimentar las primeras etapas de la radicalización política (no es que tuviera el lenguaje para describirlo así). Esto implica unirse a una clase de judo y besar al chico que le gusta de la escuela. También implica lanzar un ladrillo a través de la ventana del coche de un pedófilo local.

      Dirigida por la cineasta kosovar en ascenso Blerta Basholli, Dua es una película indiscutiblemente lograda, aunque algo pulida y poco específica, al menos según los estándares hiperlocalizados de algunas de las otras obras que vi de la región la semana pasada. Esto es extraño, ya que Basholli tendría aproximadamente la misma edad que su protagonista en el momento en que se desarrolla la película: 1999, cuando el pueblo kosovar tuvo que esperar a que la OTAN respondiera mientras el programa de limpieza étnica del ejército serbio se cerraba a su alrededor. Muchas de las secuencias clave que vemos aquí, a excepción de algunos informes de noticias contemporáneos y transmisiones de radio, son del tipo que probablemente has encontrado en innumerables historias de opresión—todo, desde The Wind That Shakes the Barley hasta Andor vino a la mente mientras la veía—pero no necesariamente lo digo como una crítica. Hay peores cosas con las que ser comparado, después de todo, y ya sea que estés en Albania, Kerry o Ferentari, las botas del opresor tienden a pisotear de maneras similares.

      Un poco más de ligereza se puede encontrar en Balkan Cowboy de Dragana Jurišić, que se proyectó ante el tipo de audiencia completamente comprometida que te hace preguntarte si algunas experiencias cinematográficas deberían escribirse como conciertos antes de las reseñas de películas. El documental híbrido es lo último de Jurišić, una artista y cineasta de Bosnia que ha vivido en Dublín durante casi 20 años y se sintió impulsada a contar una historia sobre lo que sucedió en su país después de ver los primeros y horribles brotes del nacionalismo de extrema derecha burbujear en su ciudad adoptiva tras los disturbios raciales de Dublín de 2023.

      Balkan Cowboy ve a la cineasta regresar a Bosnia, donde revisita el país en el que creció rindiendo homenaje al trabajo de Aljuš Musli, un cineasta local de culto conocido por las divertidas películas de vaqueros en 8 mm y en blanco y negro que hizo bajo el pseudónimo fonéticamente maravilloso “Hari Džekson.” Al casting de locales del pueblo donde nació Musli (quien era musulmán y murió en 1999 después de sufrir enormemente durante la guerra), Jurišić se propone hacer un corto en consonancia con el estilo sincero de Džekson. Al hacerlo, ha creado una película inusualmente abierta de corazón, una que ofrece un homenaje alegre y completamente justificado al hombre que también se atreve a ser lo menos-2026 de todos: optimista.

      Por otro lado, si algún festival de cine en el mundo tiene